Rolling Stones – Beast Of Burden

"Beast of Burden" es una canción de la banda británica The Rolling Stones, que fue lanzada como single el 9 de Septiembre del año 1978 y fue incluída en el exitoso LP "Some Girls".

Este disco fue el renacimiento de la banda en los 70's, ya que tras ser tachados por la prensa como una banda en extrema decadencia o simplemente como veteranos del rock and roll que simplemente vivían aún una burbuja musical "retro" decidieron empezar a depurar su estilo e incluirle tintes de música disco y riffs ligados al Punk rock, estilos que por ese entonces "la llevaban".

Así fue como comandados por Mick Jagger, mientras el bueno de Richards resolvía sus problemas con las drogas, la banda lazó al mercado un disco potente, muy alineado a los nuevos tiempos y que en cada canción los mostraba renovados y con nuevos aires y que fue considerado por esa prensa que antes los "mataba" como uno de sus mejores discos. Por algo "Some Girls" llegó a vender cerca de 6 millones de copias en los Estados Unidos y casi 10 millones en todo el planeta y quedó para la historia del rock como uno de los discos mas memorables de esta mítica banda que aún sigue en la carretera dándole duro a sus clásicos.

"Beast of Burden" en español es algo así como "bestia de carga", mas bien relacionado con esos animales que sirven para transportar cosas, sea un caballo o un buey. Esa fue la relación metafórica que usaron Jagger y Richards para referirse a una mujer muy particular y su relación amorosa. Ellos no querían transportar problemas, no querían ser pilares de una relación ni prestar hombros, ellos querían amor en estado puro (pero al estilo Stones!!). Pero la canción no es solo de amores extraños, sino que trae un mensaje de amistad y lealtad.

Esta canción fue escrita en Octubre de 1977, y se cuenta que el que llevó la batuta musical en ese proceso de creación fue Keith Richards. "Fue otra de esas canciones donde Mick [Jagger] llegaba a completar los versos. Con los Stones, tomabamos una canción de larga duración, la tocabamos y luego analizábamos si era o no negociable. A veces las ignorábamos, a veces solo la agarrábamos y de inmediato la grabábamos" comentaría el guitarrista en una entrevista del año 1993.

Por alguna extraña razón, se creía que Keith en primera instancia habia escrito parte de la letra en homenaje a Mick Jagger, quien se había puesto en los hombros el liderazgo de la banda tras los problemas judiciales que pasaba el guitarrista (estaba pasando un proceso delicado debido a un juicio por posesión de drogas).

El primer indicio tivo lugar a mediados del año 2003, cuando Richards dejó muy en claro que la canción contiene un homenaje a su colega y amigo de carreteras y escenarios: "Cuando volví al ruedo tras cerrar los laboratorios (en referencia a las drogas) decidí entrar al estudio e ir directamente donde Mick para decirle 'Gracias, hombre, por asumir esta carga ". Es una de las razones por las cuales  escribí "Beast of Burden " para él, y ahora recien me doy cuenta".

Pero en Enero del año 2012, en una entrevista con la Mojo, Richards admitió que Jagger no lideró a la banda por sus problemas judiciales de ese entonces, sino que había un acuerdo entre él y el vocalista para compartir ese rol. Además agregó que "Mick escribió varias partes en ella, pero  yo puse la idea principal. Mick estaba acostumbrado a llevar banda, donde Charlie era el baterista, yo era el otro guitarrista que estaba tratando de decir 'OK estoy de vuelta, así que vamos a compartir un poco más de nuestra energía, compartamos esta carga, hermano' "

Lo cierto era que en ese entonces las letras no eran tan importantes para la banda, salvo en esta canción donde hay cierta inspiración por temas que los rodeaban, ya que ellos privilegiaban ciento por ciento lo musical. Por esa razón muchas de las líricas de las canciones fueron escritas en el mismo estudio y casi improvisando. Pero el proceso de producción estaba ya ejercitado, Keith traía una idea, unos bosquejos y Jagger las completaba mientras iban ensayando. Bajo ese proceso aparece "Beast of Burden", con su letra tan simple pero a la vez tan cargada de emociones, y que fue una excelente combinación de ideas que se adaptaron de manera perfecta a la música. De allí es que la letra parece ser tan significativa para la banda, pero no tan emocionante para los eruditos e incluso se torna un poco repetitiva en su parte final, pero a la vez tenía calidad, y de eso estos "gallos" sabían.

Sobre la canción, el otro guitarrista de la banda (que por ese entonces se incorporaba a la banda), el ex- Faces, Ron Wood también regaló una perlitas sobre el ambiente de grabación y las partes de guitarra de esta clásica pieza musical de la banda: "Es de esas canciones que te llegan con mucha naturalidad en el estudio y fue simple, pesqué mi parte y la toqué junto a Keith. Parecía que todo estuviera planeado, pero la canción salió de manera natural, tal como llegó... Cada acorde tiene algo especial. Eso la hace muy asombrosa. De una manera muy espontánea íbamos turnando las partes, cuando Keith hacía partes altas yo hacía la parte del bajo y así. Era una forma antigua de grabar, y aun estamos impresionados por el resultado de las guitarras. Nunca estuvo planeado".

En materia musical "Beast of Burden" tiene aires a Soul, también tiene aires a música Motown a ratos pero son aires renovados. En esta balada cada integrante de la banda nos regala un relajo, como si estuvieran ensayando un día cualquiera y un fans o un "colado" coloca la grabadora. De hecho, el ingeniero Chris Kimsey, que trabajó en la producción de este disco y single, declararía que los Stones querían sonar como si estuvieran en su sala de ensayo, como si fuera la rutina de siempre y sin tantos arreglos, condimentos musicales de otro mundo o efectos sonoros, o sea querían sonar al natural y en esta canción lo lograron de manera perfecta.

Ojo con el bajo de  Bill Wyman, el cuál suena sólido y se mezcla de manera perfecta con el mar de guitarras, una sinfonía perfecta para cualquier día de Otoño.

La canción llegó al puesto #8 del Billboard Hot 100, y logró que las críticas fueran positivas ante este nuevo retorno de la banda a las pistas. Pero eso no fue todo, ya que en el año 2004 la revista Rolling Stone la ubicó en el puesto #435 en su lista "The 500 Greatest Songs of All Time" y en la casilla #433 de las " 500 Greatest Rock and Roll Songs of all time".

Martha & The Vandellas – Dancing In The Street

"Dancing in the Street" es una canción del grupo femenino Martha and the Vandellas, que fue publicada como single un 31 de Julio del año 1964 y que se convirtió en una de las canciones mas emblemáticas de este conjunto vocal y además como una de las piezas musicales mas importantes y a la vez polémicas para el famoso sello Motown.

Este trío vocal liderado por Martha Reeves, una secretaria de profesión que llegó a tocar la puerta de la Motown para que le hicieran una audición y que tras lograr su propósito no llegó a quedar seleccionada, pudo dar su primer paso en el sello cuando la mandaron nuevamente a contestar teléfonos y enviar documentos pero esta vez contratada por Berry Gordy, el jefe de la casa disquera.

Tras largos meses nuevamente como secretaria, y dado el arduo trabajo de los productores, un día fue invitada por uno de ellos para que participara como corista en una grabación. Fue en ese momento donde volvió a la carga y tras mostrar sus dotes vocales tuvo una oportunidad para grabar un single en 1962. Para ello contactó a sus compañeras Annette Beard y Rosalyn Ashford para formar de una vez por todas Martha Reeves & The Vandellas, que con el tiempo se convertiría en uno de los principales conjuntos femeninos de la Motown gracias a su estilo Pop-Soul mezclado con aires bailables. Así empezaba la leyenda...

No hay dudas que la canción mas reconocida de este trío musical es "Dancing in the Street", una simpática pieza musical  escrita por el equipo Motown conformado por: Marvin Gaye (un maestro!), Ivy Jo Hunter, y William "Mickey" Stevenson.

La historia de esta canción empieza en los primeros días de Junio del año 1964, cuando Stevenson y Gaye conducían por las calles de Detroit. Como era época veraniega y los termómetros reventaban a causa de una fuerte ola de calor, ambos músicos se dieron cuenta que en varias esquinas de la ciudad la gente abría los grifos para refrescarse y a la vez jugar con sus hijos y así disfrutar de ese simple juego. Para Stevenson esas personas parecían estar bailando bajo el agua y se le vino el título para alguna canción.

Una vez que llegó a su hogar, William "Mickey" Stevenson empezó a escribir una letra y ensayar algunos acordes que acompañaran esa imagen de ver niños y adultos jugar bajo el agua en plena calle y bajo ese sol amenazante.

Al otro día, Stevenson volvió al estudio de grabación y le enseñó parte de su canción a Marvin Gaye. Cuando este ultimo leyó la letra, declaró de manera inmediata que la canción era ciento por ciento bailable. Una vez que ambos compositores encontraron los arreglos perfectos y completaron la letra, decidieron llamar a terreno a la cantante Kim Weston para que la grabara en primera instancia. Lamentablemente

la interprete de "Love Me All The Way" no quedó conforme con el resultado final y decidió bajar los brazos y elegir otra canción como futuro single.

Tras varios descartes, Gaye decidió que fuera Martha Reeves  quien grabara esta canción junto a sus compañeras de grupo. En ese entonces Martha andaba en busca de un nuevo single que tuviera aires renovados y que ayudará a realzar su regular carrera musical que con éxitos no tan rotundos y  con fracasos bien marcados la tenían algo triste y apresurada por lograr realzar su talento ante el público. Esta podía ser la oportunidad.

Así fue como un 19 de Junio de 1964, en los estudios Hitsville U.S.A, el dúo de compositores le presentó la canción a Reeves. En esa ocasión Gaye fue el encargado de cantarla frente a las chicas y de enseñarle cada detalle que tuvera que ver con la voz principal. Tras escucharla, Martha encontró que la canción era muy repetitiva y  le preguntó a los compositores si ella se podía hacer cargo de los arreglos vocales, ya que tenía una idea para encajar los coros con la parte musical y hacerla mas vendible. La respuesta fue positiva, y la banda con los productores empezaron a trabajar.

Pero tras grabar las voces, Gaye y Stevenson no estaban muy a gusto aún con la parte instrumental, y para  incluir nuevas ideas decidieron contactar al también productor y compositor Ivy Joe Hunter. Este personaje venía de trabajar junto a Stevenson en varias grabaciones de emblemáticas y su especialidad era hacer arreglos instrumentales de alta calidad.

La tarea para la que Hunter fue contactado era depurar algunos detalles de "Dancing in the Street" , con el fin de darle mas "power"  y hacerla aún mas bailable de lo que ya era en ese entonces. Una vez que escuchó la canción, Ivy le señaló a sus colegas que la canción no estaba mal pero que el único detalle que estaba faltando era una buena pista de batería (la cuál fue tocada por Gaye) , y eso era mas que esencial para una pieza con aires festivos y positivos.

Cuenta la leyenda que tras dar su veredicto a la "rola", Hunter fue a su auto en busca de una llave de cruceta, y tras volver al estudio de grabación se sentó en el suelo y le pidió a sus colegas que empezaran a grabar. Imagínese esa cara de sorpresa de Marvin y William al ver a un motivado (y mega-sudado) Hunter golpear el piso de concreto con esa herramienta para aflojar y apretar las llantas de cualquier vehículo y que ahora tenía un fin musical, y este era darle un efecto potente a la percusión. Eran otros tiempos, hoy sería fácil programar un sonido en el computador o usar un sintetizador, pero ese simple y artesanal efecto de sonido marcó historia para la Motown.

En el momento de su lanzamiento al público, Estados Unidos vivía un periodo marcado por las protestas a causa del apogeo del movimiento de los derechos civiles, donde muchos afro-americanos salieron a la calle a reclamar en contra de la discriminación y ponerle punto final a la segregación racial.

Si bien "Dancing in the Street" solamente fue hecha para la pista de baile (de hecho varios analistas dicen que fue uno de los pilares fundamentales para la música Disco setentera), muchos de los manifestantes y activistas la tomaron como un himno que llamaba a salir a la calle y pelear por esta causa social que provocaba disturbios en diversas ciudades del Sur de Estados Unidos. Esto tuvo cierta repercusión en los medios, donde incluso fue catalogada como canción "protesta" y en mas de una ocasión fue censurada de las parrilas programáticas de las radios que no se querían mezclar con los problemas que aquejaban a su país  Pero también este hecho ayudó a su popularidad, ya que la canción fue muy  valorada por los líderes de este movimiento social y fue entonada durante las marchas.

Mientras la canción escalaba en los charts de Estados Unidos (donde llegaría hasta el puesto #2) y la popularidad de Martha y sus compañeras iba en aumento, crecía la tesis de que esta canción tenía cierto mensaje ligado a esas causas sociales. Muchos periodistas intentaron dar con la opinión de los autores pero estos simplemente no querían responder y dejaban todo revotando en la incertidumbre.

Pero cuando llegó el momento en que "Dancing in the street" entró en el Top Ten de los charts británicos y el trío femenino tuvo que ir a promocionarlo a la tierra de Los Beatles, muchos periodistas fueron al aeropuerto a capturar alguna frase de la interprete con respecto esta polémica. Lo que pasó en esa ocasión fue de antología, ya que un periodista catalogó a Martha Reeves como líder y militante de las agrupaciones que apoyaban el movimiento social de su país y que en su canción ella llamaba públicamente a la revuelta. Tras escuchar eso, y en medio de una plaga de flashes, sombreros y preguntas por doquier, una sorprendida Martha le respondió a ese periodista "Querido, solo es una canción para bailar".

Mientras la canción llegaba hasta hasta la sexta posición en los charts  del Reino Unido, Berry Gordy, el que fuera compositor, dueño y creador de la Motown, le señalaba a la prensa que la canción solo tenía una letra inocente y no tenía nada que ver con el contexto social y político del país. Es que Gordy no quería por ningún motivo que se le hiciera alguna relación de su compañía discográfica con los movimientos sociales, ya que su  idea de crear un sello musical para cantantes negros se debía simplemente a que quería preservar el pensamiento y la creación musical, lo cuál estaba muy alejado de las actividades políticas.

A pesar de todos los intentos por sacarle esa chapa de supuesta "canción protesta", el clamor popular fue mas fuerte y "Dancing in the street" dejó de ser una simple canción bailable para quedar por siempre como una canción que llamaba a la paz y que además llamaba a reclamar en la calle, de manera pacífica, por esas cosas que encuentras injustas o cuando se quiere encarcelar la libertad con leyes absurdas, quedando dentro del soundtrack de uno de los movimientos sociales mas comentados en la historia de los Estados Unidos.

Estos fueron los motivos para que la canción se convirtiera en un éxito rotundo y que en 1982 apareciera la banda estadounidense Van Halen entonando esta canción (con sintetizadores incluidos)  y logrando entrar al puesto #38 del Billboard Hot 100 y volviendo al ruedo musical a Martha & The Vandellas.

Pero el golpe mas fuerte, desde el lanzamiento de la versión original, lo dio la dupla conformada  por Mick Jagger y David Bowie, quienes en 1985 hicieron una llamativa versión de la canción con fines benéficos. Es que estos dos monstruos del rock lograron llegar al séptimo lugar de Billboard e hicieron mas planetaria esta canción tan comentada en los 60's.

The Beatles – For No One

"For No One" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue publicada originalmente en su séptimo álbum, Revolver.

Este aclamado disco, lanzado al mercado un 5 de Agosto del año 1966, es considerado por la prensa especializada como uno de los mejores trabajos de la banda por la calidad musical de cada canción que lo compone y líricas mas elaboradas, con metáforas interesantes y llamativas polémicas. Es que por esa época los Beatles ya no hacían giras y se enfocaban sólo a trabajar en el estudio, donde fueron indagando, aprendiendo técnicas y llevando a cabo esa idea de experimentar acordes, efectos, loops con todo lo que los rodeaba. 

Es por esa razón que en este disco podemos ver a Harrison con una pieza que deja lo eléctrico por la tabla y el sitar, mientras que Lennon colocaba canciones que incluían increíbles loops de cinta e instrumentos reproducidos hacia atrás (idea original de su compañero de créditos en las canciones), y a un Paul interesado a full en el sonido Motown, incluyendo secciones de metales y efectos especiales caseros en esa mítica canción cantada por el simpático Ringo.

"Revolver" fue un éxitazo en todo el mundo, llegó a vender casi dos millones de copias y lideró los charts de Europa y Norteamerica, dejando en claro que esta banda no necesitaba ya de las giras ni de tanta publicidad en los medios, sólo bastaba talento, buenas ideas, retocar lo clásico con aires nuevos y ser un Beatle.

"Creo que ha fue escrita tras una discusión. Nunca tengo relaciones fáciles con las mujeres" diría Paul McCartney tras ser consultado por esa hermosa balada "For No One", una de las tantas balas de ese "Revolver". Claro, era Marzo del año 1966 y Paul junto a su novia, la actriz Jane Asher, decidieron ir de vacaciones a un centro de esquí en  Klosters, Suiza.  Se especula que durante su estadía en ese hermoso lugar para pasar la temporada invernal, la pareja tuvo una fuerte discusión que incluso la llevó a pasar algunos días separados o quizás sin tantas miradas dulces. Es que por ese entonces Paul quería retener a su novia, la quería simplemente a su lado, que fuera con él a los lanzamientos de discos, a las fiestas de algún colega y que fuera la "esposa perfecta para un Beatle". Pero Jane no quería eso para su vida. Ella no quería ser la dueña de casa que esperara a su Beatle viendo la novela ni menos vivir a costa de su pareja. Jane quería consolidarse como actriz y salir por toda Europa con su grupo de teatro a disfrutar de las artes escénicas  hacer carrera, conocer gente ligada a las tablas y ser feliz. Ese era el motivo de la discusión.

El resultado final fue que Paul tuvo que tragarse sus palabras, volver a pensar quizás en otra estrategia para salvar su relación (o moldearla a lo que él quería) y para ello en una fría noche que pasaron en un viejo chalet alquilado en medio de la nieve, el músico botó varias frases en una canción que tituló  "Why Did It Die", una pieza que hablaba sobre la indiferencia y el término de una, también fría, relación amorosa a ritmo de vals, a 4/4.

El 9 de Mayo de 1966, en le estudio 2 de Abbey Road, Paul apareció en los estudios de grabación con esta canción bajo el brazo. Una vez que la interpretó para el resto de la banda y para George Martin, le pidió a los asistentes que dieran nuevas ideas para su parte instrumental. Pero nadie se atrevió a cuestionar tamaño demo ya que, al parecer era otra pieza maestra de este músico que ya los había sorprendido con "Yesterday". Pero Paul tenía una genial idea.

"De vez en cuando les pedía alguna una idea para la letra o algún aporte en la instrumentación, sobre todo para los solos ... En "For No One" yo estaba interesado en poner una parte de corno francés, porque era uno de los instrumentos que desde niño siempre amé. Tiene un sonido hermoso, asi que fui donde George Martin y le dije '¿Cómo podemos hacerlo? "Y él dijo, 'Bueno, voy a buscar al mejor'" comentaría Macca en el Anthology.

En esa primera sesión, y mientras Martin buscaba al encargado del corno, se grabó la primera toma de la canción, con McCartney al piano y Ringo Starr a la batería. Luego, ambos músicos incluirían otras pistas de percusión adicionales, pero al parecer todavía le faltaba algunos detalles a la parte instrumental y decidieron volver a grabar la canción cuando tengan más ideas en mente.

Pero fue en ese momento en que George Martin decidió darle un nuevo retoque a la canción usando un clavicordio, el cuál, según palabras del productor, le daría un sello distintivo a esta pieza. Para ello, fue con uno de sus asistentes a su casa en busca de ese instrumento y en un par de horas ya estaba instalado en el estudio 2 y listo para ser usado. De manera inmediata Martin se puso a escribir una melodía acorde a  la idea principal presentada por Macca. Finalmente fue Paul quien se encargó de ese instrumento, tras previo entrenamiento con el productor. "Fue muy extraño grabar este instrumento, y Paul se hizo a cargo. Es que queríamos un sonido muy especial" comentaría años después el famoso productor de la banda.

El 16 de Mayo, fue la fecha exacta en que Paul grabó las voces de la canción e hizo uno que otro arreglo a la melodía, y tres días después en el estudio 3 de Abbey Road apareció en escena Alan Civil, un músico muy distinguido en toda Gran Bretaña y que fue contactado por Martín para interpretar el anhelado solo de corno francés.

En el libro "The Beatles: Revolución en la mente" (McDonald, Ian; 2000) se menciona que al momento de grabar este solo, el cuál había sido escrito por Civil, este se dio cuenta que tras la grabación de la parte vocal, la canción había bajado en cuanto a velocidad. Esto provocó cierto disgusto ya que el músico se dio cuenta que esta versión estaba en el cuarto de tono que hay entre el Si y el Si bemol y esto cambiaba los planes. Tras varios arreglos en la cinta, el interprete del corno logró grabar esta famosa parte que le da un "plus" especial a la canción.

Cuenta la leyenda que tras grabación del solo, un motivado Paul se acercó a Civil  y le dijo "Bueno, está bien, creo que puedes hacerlo mejor , ¿verdad, Alan?".  Tras ese comentario, Alan se mostró disgustado, es que no había tiempo para otra sesión, así que grabó unas cuantas tomas a pedido del autor d ela pieza, para luego cobrar la tarifa negociada, arreglar sus cosas e irse a casa. Paul y Martin se quedaron finalmente con esa primera (e histórica) toma.

"La toqué varias veces, una tras otra ... Para mí era simplemente un día mas de trabajo, ya que era la tercera sesión, pero fue muy interesante" comentaría años después el mismísimo Alan Civil en el libro "The Complete Beatles Recording sessions" de Mark Lewisohn.

El resultado final fue una de la canciones mas aplaudidas de Paul, ya que contenía una parte instrumental muy depurada, y una letra bastante particular donde el desamor, la indeferencia y el fin de una relación quedan muy bien plasmadas en ese ambiente sonoro. Incluso en el año 1972, cuando los Beatles ya eran historia y pasaban en tribunales por asuntos económicos y de egos, John Lennon declaraba en la "Hit Parade" que ""For No One" es una de mis favoritas".

De hecho, en 1984 cuando Paul promocionaba la malisima pelicula "Give My Regards To Broad Street", que incluía en su (excelente) banda sonora algunas piezas de The Beatles, no dudó en incluir una nueva versión de esta pieza musical tan renombrada con los años. En una entrevista con la revista Musician, el ex-Beatle declaró : "'For No One' no la había tocado nunca en ninguna parte. Compuse la canción, la llevé al estudio, la grabé en un día y fin de la historia. No era más que una grabación, una pieza de museo. Odiaba la idea de que siguiera siendo pieza de museo".

Led Zeppelin – That’s The Way

"That's the Way" es una canción de la banda inglesa Led Zeppelin  y que fue publicada en el Lp "Led Zeppelin III", publicado un 5 de Octubre del año 1970.

La tercera placa musical de esta emblemática banda ha sido catalogada por la crítica como uno de los mas "flojos" e incluso se atrevieron a decir o escribir que era uno de sus trabajos menos sobresalientes. 

Pero con el paso de los años este disco empezó a tomar fuerzas, y mas que ser un trabajo sin la energía blusera y rockera de los dos anteriores, era un recreo acústico para que la banda se diera también un relajo y dejara muy en claro que también tenían derecho a experimentar. Y si este disco es "flojo" entonces que queda para esos especialistas por los temazos que aparecen en su tracklist, empezando con la bulliciosa y energética "Immigrant Song" junto a la también rockera "Celebration day", para pasar de un salto a un blues en estado natural, con guitarras furiosas y un Plant cantando a todo pulmón con "Since I've been loving you". 

Pero también se dan el lujo de tomar las guitarras acústicas por un rato, sentarse a observar el mundo exterior tras los abusos de la fama y entonar piezas con aires a Folk británico, y entre esas aparece la sensibilidad de una canción tan delicada en arreglos y acordes como "That's the Way", la cuál contaremos su historia.

La historia de esta canción empieza mas menos en Mayo de 1970 cuando, tras una larga gira por los Estados Unidos, Page y Plant se encontraban descansando en Bron-Y-Aur , una cabaña ubicada en Gales donde siempre la banda se iba a retirar en busca de inspiración y nuevas pilas.

En una de las tantas salidas hacía los hermosos y tranquilos bosques que rodeaban su vivienda, Page y Plant llevaron una guitarra y una grabadora de cinta, con el fin de escribir algo inspirado en ese contexto, de paz, naturaleza y aires renovados. La tarea no era tan difícil  y cuando llegaron a un barranco, se sentaron y empezaron a escribir canciones. "Era uno de esos días en que íbamos de paseo para no estar tanto tiempo en casa. Llevamos una guitarra. El paseo era agotador, ya sabes, hasta que llegamos a un barranco, nos detuvimos y nos sentamos. Toqué una melodía y Robert (Plant) encajó con el primer verso de manera inmediata. Teníamos una grabadora y empezamos a cantar" recordaría el guitarrista  Jimmy Page en el año 1994. Además, en el año 2010 en una entrevista con la Mojo, el genio de las "seis cuerdas" también agregaría que "todavía puedo recordar de manera exacta el lugar donde escribimos  "That's the Way". Robert quedó muy impresionado por ese momento, y fue capaz de anotar todo y hacer una letra muy genial. Esto no habría sucedido si no hubiéramos estado allí".

En esta canción, que en un principio la canción fue titulada "The Boy Next Door", Plant nos habla sobre el placer de sentir y disfrutar el medio ambiente a pleno, alejado de las selvas de cemento, de la rutina cotidiana de aplanar calles y de la contaminación de las grandes ciudades.  Pero también se da el tiempo de reflexionar sobre su paso por los Estados Unidos, donde tras la gira de conciertos vio injusticia y desconfianza entre la gente que los rodeaba tras los escenarios, también vieron con sorpresa como la policía reprimía a esos jóvenes que protestaban en contra de la guerra de Vietnam. Además, cabe señalar que en su estadía por esas tierras, en la primavera de 1970, la banda fue amenazada de muerte en varias ocasiones debido a su cercanía con el ocultismo y también por su creciente fama. De hecho, cuenta una historia que cuando la banda se encontraba en el sur de Estados Unidos, decidieron ir a un bar en busca de cervezas y un buen momento. Cuando los Zeppelin quisieron  entrar un guardia los atajó rápidamente y con pistola en mano les dijo que no eran aceptados simplemente por llevar el pelo largo.

Todos esos momentos, sean extraños o de mucha emoción, hicieron que Plant imprimiera una letra cargada de emociones, ligadas a escapar de la rutina, de buscar un momento de paz, de disfrutar las cosas simples que nos rodean.

Grabada entre Mayo y Agosto de 1970, la versión de estudio cuenta con Jimmy Page  en la guitarra acústica (de 12 cuerdas), el bajo, el dulcimer y de la "Pedal Steel Guitar" mientras que John Paul Jones solo se dedica a tocar la mandolina. Como no hay pista de batería, John Bonham estuvo en el pandero, el cual fue agregado posteriormente al resto de la exquisita parte instrumental.  El resultado final fue una de las baladas mas hermosas de Led Zeppelin (una autentica balada folk!! ) y sería la patada inicial para una nueva faceta musical de la banda para no repetir siempre la formula del Hard Rock con esos espectaculares mantos de guitarras furiosas y dar paso a sesiones experimentales.

En el año 2000, el director de cine y guionista estadounidense Cameron Crowe se contactó con Page y Plant para ofrecerle una arriesgada propuesta. Resulta que por ese entonces estaba rodando su pelicula "Almost Famous", una obra autobiográfica (de su época en que era columnista de la Rolling Stone) que nos muestra las aventuras de un jóven periodista que decide seguir los pasos a una banda emergente en los años 70's. La propuesta que le tenía al 50% de los Zeppelin era usar algunas de sus canciones mas reconocidas dentro de su cinta, y por eso la tarea era arriesgada, puesto que tranzar con el vocalista y el guitarrista no era nada de fácil.

Tras largas reuniones, y ofertas por doquier, Page y Plant decidieron ver parte de la película para analizar la propuesta. Tras dar su visto positivo, la primera canción que contó con el permiso de sus autores fue "That's the Way". Además de esta rola, fueron utilizadas dentro de la cinta las canciones "Tangerine", "The Rain Song", "Bron-Y-Aur" y "Misty Mountain Hop". Lamentablemente, la única que tuvo el permiso de sus autores para aparecer en el soundtrack oficial fue esta balada con aires folk.