The Temptations – Papa Was a Rollin' Stone

"Papa Was a Rollin' Stone" es una canción de la banda de soul, rhythm and blues y pop The Temptations que fue lanzada como single un 28 de Septiembre de 1972 y se convirtió en una de las canciones mas famosas de esta agrupación vocal oriunda de Detroit.

Con esta canción, que fue incluída en el disco All Directions, la banda lograba renacer en gloria y majestad a la popularidad mundial luego de experimentaciones musicales influenciadas por la psicodelía setentera y el soul en su estado mas oscuro.

Esta canción fue escrita por los famosos compositores, pertenecientes al legendario sello Motown, Norman Whitfield y Barrett Strong y fue grabada en primera instancia por The Undisputed Truth en el año 1971, pero la canción no logró el éxito que tanto le habían prometido los productores y la dejaron almacenada en algun lugar para olvidarla rápidamente.

Un año despues el productor Norman Whitfield, que trabajaba junto a los Temptations en la grabación de su nuevo LP, decidió presentarles la olvidada y mal interpretada "Papa was a Rollin' Stone".

Pero elegir esta canción como una pieza del disco no fue fácil debido a que el cantante Dennis Edwards odiaba la canción. La razón de su disgusto con esta pieza musical era la fecha que se dice al inicio de la canción: 3 de septiembre, ya que coincidía con la fecha en que murió su padre, que era un famoso predicador. Edwards, que estaba seguro que ese detalle no fue una mera coincidencias, estaba tan disgustado con esa frase que increpó violentamente a Whitfield en una sesion de grabación.

Mas allá de las peleas y las coincidencias de fechas, la nueva versión de "Papa Was a Rolling Stone" es una de las mejores joyas musicales que nos regalaron los Temptations, ya que combina arreglos musicales notables. Una parte de bajo muy interesante y a la vez misteriosa, un amenazante toque de baterpia y unos ligeros toques de Jazz en los bronces, hacen que esta canción sea una experimentación muy notable de Soul Psicodélico...

La interpretación vocal es otro punto alto de este hit setentero. Mucha improvisación y buenos adornos vocales logran una mágica sensación para el oyente.

No hay dudas de que estamos frente a una pieza clásica del Soul y de la música popular contemporánea...

"Papa Was a Rollin' Stone", en voz The Temptations, llegó al primer lugar del Billboard Hot 100 y ganó tres premios Grammy en 1973. Pero no solo fue famosa en Norteamerica, ya que en el Reino Unido la canción llegó al puesto #14 del UK Singles Charts.

Con el paso de los años, esta canción no a dejado de aparecer en rankings y en las radios de todo el mundo, por ejemplo la revista Rolling Stone la situó en el puesto #168 dentro de su lista titulada como "The 500 Greatest Songs of All Time".

The Beatles – I Will

"I Will" es una canción de la famosa y aclamada banda británica The Beatles, que fue incluida en su exitoso disco homónimo (también conocido como "White Album" por su simple portada) que fue publicado en Noviembre de 1968.

Esta delicada y simple balada es una de las piezas musicales muy poco conocida del extenso repertorio de esta gran banda, pero musicalmente es una joya envuelta en una experimentación lejana de la psicodelía y las voces en reversa.

Esta canción fue escrita en su totalidad por Paul McCartney (aunque comercialmente fue acreditada a Lennon / McCartney) y se la dedicó de corazón y alma a Linda Eastman, su novia de aquel entonces y que después sería su compañera de toda la vida.

Pero "I Will" no fue escrita en Londres, sino que pertenece a las piezas musicales creadas en el periodo en que la banda estuvo Rishikesh, ubicado en la India. Según varios comentarios de los miembros de la banda, esta canción fue escrita en solo minutos por Paul e incluso pensó cantarla a dúo con Donovan, que andaba junto a la banda en esa aventura espiritual. Pero todo quedó en nada y decidió dejarla grabada en un "demo" para luego "cocinarla" en los estudios de Abbey Road.

Entre el 16 y el 17 de Septiembre, McCartney grabó 67 tomas de esta canción y se quedó a gusto con la toma 65, la cual fue incluida en el disco.

En esta canción Harrison no participó en la grabación, y Ringo junto a Lennon se hicieron cargo de las percusiones (John golpea un yunque con un palo y Starr se da el lujo de tocar los bongos), mientras que Paul llevó la batuta creativa cantando, tocando la guitarra y entonando "un bajo vocal". Si señoras y señores, en esta canción el bajo fue hecho con un efecto vocal dejando de lado su bajo eléctrico.

Este singular efecto sonoro puede ser escuchado en el segundo verso de la canción en su versión "mono", mientras que en la versión stereo se puede escuchar desde el principio de la canción.

The Trammps – Disco Inferno

"Disco Inferno" es una canción de la banda norteamericana The Trammps, que fue lanzada como single en 1976.

Esta canción, incluida en el disco cuyo titulo deriva del nombre de este single, fue el primer gran éxito de esta agrupación oriunda de Filadelfia y fue el emblema musical de la onda disco y tuvo su segundo momento de fama cuafo fue incluída en la banda sonora de la aclamada cinta cinematográfica Saturday Night Fever en 1977, donde un flaco John Travolta se lucía en las pista dando clases de baile y de actuación al mundo.

Esta pegajosa canción fue escrita por los productores Leroy Green y Ron Kersey, que se inspiraron en una escena de la pelicula The Towering Inferno, donde una discoteca arde en llamas y la tragedia toma puntos altos en la cinta.

Otro detalle es la frase "Burn, baby, burn", que se puede escuchar en el coro, la cual está inspirada en las "polemicas" palabras del activista nortemaericano Bill Epton, que por decir esa frase fue llevado a la carcel por parte de sus detractores.

"Disco Inferno" realmente hio bailar a todo el mundo y conquisto los rankings de todo el mundo. En estados Unidos la canción lideró el Hot Dance Club Play y ocupó el casillero #11 del Billboard Hot 100. Mientras que en el Reino Unido esta cancón llegó al puesto #16 y fue considerada como un hit bailable de alto calibre calibre.

Pero su popularidad no solo llegó a las pistas de baile sino que tambien pasó al las canchas de Beisbol. Resulta que "Disco Inferno" fue muy coreada en la casa de los New York Yankees, ya que los hinchas se la cantaban al jugador Bernie Williams con la singular frase: "Bern, burn, Bern" mientras bailan la canción con mucha energía y pasión, Notable!!!

Los Trammps tuveron en Disco Inferno un "caballito de batalla" para ser homenajeados y recordados por las futuras generaciones que aun bailan al ritmo de estos acordes. Asi fue como un 19 de septiembre del año 2005, esta canción fue incluída en el Salón de la Fama de la Música Disco, con una impactante ceremonia celebrada en Nueva York.

The Eagles - Tequila Sunrise

"Tequila Sunrise" es una canción de la banda estadounidense The Eagles, que fue lanzada como single el 17 Abril de 1973 y fue incluída en el repetertorio del aclamado segundo LP titulado Desperado.

Es considerada como una de las canciones mas reconocidas y aplaudidas dentro de la carrera musical de esta banda oriunda de Los Angeles, California.

Esta canción fue escrita por Glenn Frey y Don Henley bajo el concepto "country" que querían implantar en el disco.

La historia cuenta que Glenn Frey escribió la letra de esta canción mientras tomaba tequila en una noche solitaria. Fue tanta su emoción e inspiración que cuando terminó de escribir "Tequila Sunrise" el sol ya estaba saliendo del horizonte.

El titulo, Tequila Sunrise, proviene del nombre de un famoso y exquisito trago que es una mezcla de un buen tequila mexicano con jugo de naranja. Algunos "barman" le echan granadina para que el licor tome un color equivalente al amanecer.

En la letra de la canción, el narrador nos cuenta su reflexión sobre los acontecimientos que ocurrieron en la noche anterior a la resaca (?), donde no es muy claro en sus palabras y esconde muchas cosas sobre que el lo que realmente pasó en esa trágica noche.

Si nos ponemos a investigar o a indagar por medio de las pistas que nos da el relator, nos podemos dar cuenta que, al parecer, este individuo traicionó a su mejor amigo metiendose con la mujer de este pobre ser humano castigado por la vida en un mísero bar. Bajo un ritmo lento, a ratos relajado y con un lamento mexicano, esta canción sale adelante bajo el sabor de un tequila sunrise, que fue el culpable de tal traición a la amistad.

"Tequila Sunrise", musicalmente, sigue la linea de canciones como "Peaceful Easy Feeling", que fueron exitosas y marcaron el estilo musical de esta gran banda. Pero la canción fue la joya imperfecta para la banda, ya que luego de tener tres singles consecutivos en los top 20 en las listas norteamericanas, esta canción solo llegó a entrar al Top 40 y fue catalogado por los productores y los miembros de la banda, como un single "decepcionante".

Pero con el paso de los años, la canción fue tomando fama y se convirtió en una de las canciones favoritas de los fans de esta mítica banda, especialmente por ser incluída en el famoso y multiventas Eagles / Their Greatest Hits 1971-1975, que se convirtió en uno de los discos mas vendidos del siglo XX y además forma parte del famoso disco Hell Freezes Over.

Electric Light Orchestra – Telephone Line

"Telephone Line" es una canción de la banda británica Electric Light Orchestra que fue publicada como single en Mayo de 1977 y fue incluída en el aclamado disco multiventas en todo el mundo A New World Record .

Esta hermosa balada es una de las canciones mas clásicas del repertorio de esta banda liderada por el maestro Jeff Lynne y logró liderar los rankings de toda Europa con estos maravillosos acordes.

La historia cuenta que gracias al disco A New World Record, los muchachos de la Electric Light Orchestra quedaron muy felices porque lograron igualar el éxito de su pieza anterior titulada Face The Music. Es que repitieron la misma formula musical, la cual estaba representada en hacer canciones poperas con arreglos musicales magistrales.

Una de esas piezas musicales mas notables de esa época dorada dela banda es "Telephone Line", cuya autoría pertenece a Jeff Lynne, y se convirtió en una de las baladas mas aclamadas en la historia de la agrupación.

La magia de la canción va mas allá de la música, ya que contiene una letra fenomenal donde se utiliza un narrador que quiere hablar con su amada, pero esta mujer no le contesta y su único "premio de consuelo" es conversar su pena a un operador telefónico.

Lynne se dió el lujo de crear un melodrama cuyas frases son memorables. Un buen ejemplo la aprte que dice: "I look into the sky/The love you need ain’t gonna see you through" y la parte dle coro " Oh, telephone line/Give me some time/I’m living in twilight."

A esa hermosa poesía, Lynne y compañía le idearon una hermosa música, llena de arreglos orquestales que van mas allá de un simple acompañamiento. Incluso, muchos críticos musicales han advertido que esta canción puede ser facilmente reconocida como una mini-sinfonía clásica mezclada con instrumentos disgnos del buen rock.

Esta canción entró al Top Ten, tanto en el Reino Unido y los Estados Unidos, alcanzando el puesto # 8 en territorio britanico y llego a la casilla # 7 en el país del dólar, dodne además logró el primer disco de Platino para la banda en tierras norteamericanas.

Tambien logró liderar los charts Nueva Zelanda, Austria, Alemania, Holanda, Suecia y Suiza.

Paul McCartney – Too Many People

"Too Many People" es una canción del famoso cantante y compositor británico Paul McCartney, que fue lanzada como single el 2 de Agosto de 1971 (como labo B) y además forma parte del disco Ram, en el cual el ex-Beatle comparte creditos msicales con su esposa Linda.

Esta canción quizás no es una de las piezas clásicas dentro del extenso repertorio musical de Paul pero tiene una singular historia, marcada por el fin de la existencia de Los Beatles, ya que contiene ciertas frases venenosas hacía dos de sus ex.-compañeros de banda.

Esta canción, escrita por McCartney, es considerada por la prensa especializada como un "francotirador musical" hacía Ringo, John y George, que luego del termino de Los Beatles, le echaron toda la culpa al autoritarismo del bajista como caracteristica fundamental para ese trágico hecho que dejó a muchos fans, de todo el mundo, en la depresión absoluta al saber que los 60's se iban y con ello se llevaban a la banda mas famosa de todos los tiempos.

Pero los versos y la temática de la canción venían mas cargados hacia el lado de John Lennon, especialmente la frase 'You took your lucky break and broke it in two', que hace cierta alusión a que gracias a los Beatles él era un personaje mundial, sino iba a ser un desconocido mas de este mundo.

Pero Paul no quedó solo ahí en sus metáforicos versos, ya que tambien le tira dardos a la campaña politica-pacifista de John y Yoko, declarando de manera metaforica que simplemente "vendían humo al mundo". En 1984, en una entrevista para la revista Playboy, Paul declaró sobre esta canción que "John (Lennon) me tenía hasta las narices de tanta predicación, por eso le dediqué esa frase, que iba directamente hacia él y Yoko".

Musicalmente esta canción es notable y nos trae a un McCartney cantando en un cursioso falsete, que extrañamente nos hace rememorar a "Baby youre a rich man" de The Beatles, que fue grabada por Lennon en voz principal.

Pero "Too Many People" tambien contiene un grandioso solo de guitarra eléctrica en manos de Hugh McCracken, que nos deja con los pelos de punta con todos esos acordes energeticos.

Pero los ecos de esta polémica canción no se hicieron esperar y Harrison le dedicó a sus ex- compañeros de banda un tema llamado "Wah-Wah", mientras que Lennon demostró su enfado hacía Paul McCartney dedicandole la irónica "How Do You Sleep?", que era una respuesta musical a "Too Many People".

Miriam Makeba – Pata Pata

"Pata Pata" es una canción de la cantante sudafricana Miriam Makeba que fue lanzada como single en 1967.

Con esta pegajosa y rítmica canción esta famosa cantante y activista africana logró llegar a los primeros lugares de los rankings en todo el mundo, logrando entrar con fuerza y mucho éxito a mercados musicales tan importantes como el de Estados Unidos e Inglaterra.

Esta canción fue escrita en 1957 por Makeba, pero recien en 1967, y bajo los consejos de sus productores, decidió entrar a un estudio de grabación y cantarla para su nuevo LP, que llevaría el nombre de la canción.

Lo llamativo de la canción, es que esta cantada en idioma xhosa, que es una de las once lenguas oficiales de Sudafrica y que pertenece al grupo étnico del cual la cantante es originaria.

"Pata Pata" fue toda una sorpresa musical en el otoño de 1967, el cual estaba plagado de bandas rockeras que caminaban por la psicodelía y la experimentación musical algo rebuscada.

Es que Makeba se asesoró musicalmente con el famoso músico Hugh Masakela, quien le hizo el trabajo mas importante de la canción, nos referimos a los arreglos.

Masakela le dió a "Pata Pata" ( que en español sería algo como "toca, toca") ese sabor a samba, con toques musicales maravillosos y potenció el coro con un divertido y efectivo juego de voces, que nos deja cantando en pocos minutos esa frenética palabra.

De agradecimiento hacia toda la ayuda de Masakela en este hit, Miriam Makeba le regaló una canción llamada "She's desn't write", la cual fue grabada en el aclamado disco Emancipation of Hugh Masakela en 1968.

"Pata Pata" fue todo un éxito alrededor del mundo y en el mercado estadounidense un suceso nunca antes visto. legó al casillero #12 del Billboard Hot 100 y recorrió los cinco continentes cantando esta energética canción bailable.

Uno de los paises que visitó en su gira mundia fue Chile, donde Miriam Makeba fue invitada a participar del Festival de Viña del Mar en 1972, donde le dedicó su tema “Pata Pata” al presidente Salvador Allende. Al escuchar las pifias del publico, que se comía día a día las mentiras de diarios como El Mercurio, la cantante no bajó la mirada y les gritó: “Viva el presidente Allende”, para luego cantar su hit que dejó a las pifias y los ideales a un lado.

Esta canción es considerada como la obra cumbre de la carrera musical de Makeba, que además de ser una famosa cantante tambien luchó por la libertad de su país y se convirtió en un ícono de la lucha contra el apartheid en su país y en cada concierto siempre mostraba algo caracteristico de su tierra natal.

Scorpions – Rock You Like a Hurricane

"Rock You Like A Hurricane" es una canción de la banda alemana Scorpions que fue lanzada como single en 1984 y forma parte del repertorio del famoso disco Love at First Sting.

Con el lanzamiento de su noveno albúm, esta banda alemana logró atravezar todas las fronteras del mundo e hizo que sus canciones fueran escuchadas en los cnco continentes y que además, fueran visto como una banda seria y muy profesional dentro de la escena del rock ochentero.

No hay dudas de que "Rock you Like a Hurricane" es una de la canciones mas reconocidas de esta banda oriunda de Hannover y que nos trae todo el "power" de esta banda que sus melodías estan mas cercanas al Hard Rock, pero que los periodistas solo dicen conocerla por dos baladas y la sitúan en esa casilla musical.

Este himno del rock, empieza con una sencilla parte de guitarra en manos del simpático Rudolf Schenker junto a unos delicados y energeitocs adornos rockeros por parte de las seis cuerdas de Matthias Jabs.

Esta canción destaca por sus amplios y sosprendentes solos de guitarra y un coro épico, que la deja catalogada como una poeza apta para cantar a viva voz en los estadios.

Con una letra que habla sobre la rebeldía y la sexualidad extrema, la cual fue escrita por el vocalista Klaus Meine, que tuvo que arreglar casi diez veces la letra, ya que no quedaba conforme con los arreglos.

Según el guitarrista Rudolf Schenker, en una entevista con Songfacts, "esta canción es un himno del rock y la frase 'The bitch is hungry, she needs to tell, so give her inches and feed her well' resume toda la tensión y la pasión del coro. Lo curioso es que las chicas, cuando escuchan los acordes de " Rock You Like A Hurricane ', dicen,' Oh, me encanta su canción.."

Es que luego de diez años, en que la banda no lograba nada en Estados Unidos, esta canción volvió a colocarlos en la alta escena del rock a mediados de los 80's.

Es cierto, esta canción tiene un videoclip promocional muy malísimo, una letra que no se sabe si es irónica o realmente es una payasada mundial y que quizás, es una mufa a la alta escena del rock que estaba muy manoseada por musicos Glam ultramegamaquillados. Eso solo lo saben los Scorpions.

Pero sin lugar a dudas la canción logró ser un hit de cinco acordes y logró entrar a los primeros lugares de los charts d toda Europa y Norteamerica. Los críticos quedaron sorprendidos ante esta canción, que sonaba potente pero que tenía algo extraño, algo genuino pero a la vez olía a basura curci.

Pero no hay dudas, y el tiempo les dió la razón, porque "Rock You Like a Hurricane" sigue siendo su mejor emblema rock para la banda y es una verdadera joya llena de una ironía rebelde y ultra-metafórica.

Pero la canción tambien tuvo su polémica, y fue por parte de la "cariñosa" Tipper Gore que en una entrevista acerca de las razones y funciones de la recien creada PMRC (Parents Music Resource Center), criticó abiertamente a "Rock You Like A Hurricane', como tambien a "Hot For Teacher" de Van Halen, "Looks That Kill" de los Motley Crue y las acusó de fometar la violencia juvenil con sus "pornograficas" imagenes que traían sus videoclips.

Según Gore, los jovenes "cuando ven a estas mujeres ligeras de ropa y luciendo sus curvas delante de la pantalla, donde las ponen en jaulas y le dan latigazos, se les está haciendo un daño a su personalidad, ya que ven la sexualidad como algo salvaje y ellos lo recogen así".

Cabe señalar que el PMRC fue fundado en 1985 por cuatro mujeres casadas con poderosos políticos conservadores de Estados Unidos. Su "supuesta" misión era educar a los padres sobre "modas alarmantes" en la música popular. Estas mujeres aseguraban a viva voz que el rock apoyaba y glorificaba la violencia, el consumo de drogas, el suicidio, las actividades criminales, etc. mientras que abogaban por la censura o la catalogación de la música.

Es por ello que muchas bandas le hacían duras criticas a este movimiento conservador y le dedicaron mas de alguna canción a las "madres de Washington".

Pero ni las criticas de esas damas pudieron derrocar el éxito de esta canción, ya que la banda logró entrar en la casilla #5 del Billboard Top Rock Tracks en Estados Unidos y a la casilla #25 del Billboard Hot 100.

Con el paso de los años la canción fue tomando más fama, especialmente cuando ocupó el cuarto lugar en la lista de los mejores riffs de guitarra de todos los tiempos hecha por la revista Sync en el año 2006 y demás, cuando el canal VH1 colocó esta canción en el número 31 de su conteo sobre las 100 mejores canciones de hard rock.

Seal – Kiss From a Rose

"Kiss from a Rose" es una canción del cantante británico Seal que fue lanzada como single el 18 de Julio de 1994 en el Reino Unido y un año despues en Estados Unidos.

Esta canción fue incluída en el repertorio de su segundo disco titulado simplemente "Seal" (tambien conocido como Seal II) y además fue incluída en la banda sonora de la película Batman Forever (1995).

Gracias a la promoción en la pelicula, esta canción fue tomando éxito en el mundo, hasta llegar a los primeros lugares de los rankings de los cinco continentes y dejar a Seal entre los cantantes mas famosos de los 90's.

Seal, que era hijo de padres Nigerianos y de pequeño fue enviado a Londres para estar con una familia que lo adoptó, escribió esta canción como un justo homenaje musical para la banda Crosby, Stills & Nash.

Con un curioso tiempo de vals y unos detalles musicales destacables y con un sonido extraordinario, esta canción destacó por brillos propios más que por ser parte de una pelicula del rey de la noche (?).

La canción tambien tiene un cierto "aire" a Stairway To Heaven de Los Led Zeppelin, especialmente en la parte donde se usa un sonido algo medieval con flautas y llamativos efectos sonoroso.

Pero la canción también tuvo su polémica, ya que diversos medios especularon que la letra de "Kiss from a Rose" hablaba sobre el abuso y el consumo de Cocaína.

Lo que pasó es que muchos (ociosos) periodistas no tenían nada mas qe hacer que decidieron darle doble sentido a algunas frases de la canción, mencionando en sus páginas que Seal había dejado un mensaje oculto sobre los efectos de las drogas.

Obviamente los fans del cantante salieron a defender la canción y sus palabras recaían en que era una simple balada de amor, que relata la relación entre el hombre y una mujer cuya historia está muy reflejada en la trama de La Bella y la Bestia (???).

Esta canción fue todo un éxito en EE.UU., donde llegó al primer puesto del Billboard Hot 100 gracias a "Batman" y además llegó al casillero # 1 del Adult Contemporary charts y estuvo en ese puesto durante doce semanas.

En 1996, Seal ganó tres Grammy en la categoria: Grabación del Año, Canción Del Año y Mejor Interpretación Vocal Pop . Además fue nominada en los MTV Movie Awards en ese mismo año.

Les dejamos esta enigmatica canción de amor, con la cual Seal se hizo famoso en too el mundo y hasta estos días siga llenando teatros y ganado discos de Oro conquistando a las damas con sus romanticas canciones.

The Persuaders – Thin Line Between Love And Hate

"Thin Line Between Love and Hate" es una canción del famoso grupo vocal estadounidense The Persuaders que fue lanzada como single en 1971

Gracias a esta canción esta banda, oriunda de Nueva York, logró la fama mundial entrando en los primeros lugares de los charts de todo el mundo.

Esta canción fue escrita por los hermanos Robert y Richard Poindexter (que además fueron los productores en la grbación de este hit) y contaron con los arreglos de Jackie Members.

La idea de estos compositores era ofrcer esta canción a algun cantante pop necesitado de algun hit, pero al no recibir ofertas concretas por la canción decidieron contratar a un cuarteto vocal formado por Douglas "Smokey" Scott, Willie Holland, James Holland y Charles Stoghill, estos chicos se hacían llamar en el escenario: The Persuaders.

Los Persuaders escucharon la canción y en minutos dijeron que tenían que grabarla, pero pidieron un requisito escencial a los productores. El requisito era que tenían que grabar esta canción con sus propios musicos, para suerte del grupo los hermanos Poindexter no pusieron ninguna queja ni reclamo.

La banda de apoyo de los Persuaders tenía como nombre "Young Gifted and Black" y estaba formada por los guitaristas Angel Luis Paniagua y Ronny Drayton, el bajista Harry Giscombe, el baterista Leroy Quick y el tecladista Paul Young.

Asi fue como Los Persuaders junto a los "Young Gifted and Black" grabaron la hermosa y delicada "Thin Line Between Love and Hate".

El sello discgráfico Atlantic Records fue la resposable de lanzar el single debut de este grupo vocal y no lo hizo nada de mal, ya que en pocas semanas llegaron a vender mas de un millón de copias.

Además estuvo dos semanas liderando el Billboard R&B charts en Estados Unidos, donde tambien llegó a la casilla #15 del Billboard Hot 100 chart y recibió un disco de oro por parte de la RIAA en 1971.

Ritchie Valens – Donna

"Donna" es una canción del cantautor estadounidense Ritchie Valens que fue publicada como single en 1958.

Valens, que hizo bailar a todo el mundo con La Bamba, es considerado por muchos artistas (entre esos el gran Carlos Santana) como el pionero del movimiento del rock and roll latino. pese a que no hablaba ni una pizca de español y la unica relación que tenía con el mundo latino era el origen mexicano de sus padres.

Pero no solo de "La Bamba" hizo su carrera, ya que tambien dejó un legado de hermosas canciones que maravillaron al mundo en su corta pero fructífera carrera que se vió terminada en un accidente aéreo, donde perdió la vida junto al gran Buddy Holly y J.P "El Big Bopper" Richardson. Ese fatídico hecho se conoce como "el día en que murió la música".

Pero volvamos a lo estrictamente musical. Una de esas canciones que Valens dejó como legado es una hermosa balada llamada "Donna", la cual estaba dedicada a Donna Ludwig, que supuestamente fue su novia aunque oficialmente nadie sabe si realmente lo fueron.

La historia cuenta que Valens y Ludwing se conocieron en la secundaria en San Francisco y el músico estaba locamente enamorado de esta niña, y fue tanto su amor hacía esta muchacha que le escribió esta preciosa canción.

"Donna" destaca por ser una balada lenta y bastante simple, pero de una calidad inigualable y que marcó a muchos cantantes "poperos" que tenían en las baladas su mejor "caballo de batalla".

Valens nos canta sobre esa niña de nombre Donna que lo dejó loco y que desde el momento en que él vió su rostro angelical jamás volverá a ser el mismo. Hasta allí la canción parece ser una simple balada Pop hecha para bailar pegados en las fiestas, pero la diferencia viene en el estado de ánimo del cantante, que no tiene el timbre vocal de los grupos vocales integrados por jovenes de raza negra pero tiene esa energía simple, suave sin tanta tecnica ni gritos que deja a la balada como una joya de repeticiones armonizadas de manera perfecta, como si fuera un Mantra.

Esta canción fue lanzada como single a finales del año 1958 y a la poste fue la ultima canción que grabó Valens antes del fatídico acidente aéreo.

Un mes despues de la muerte del músico, la canción llegó al casillero # 2 del Billboard Hot 100, siendo una de las canciones mas famosas de este gran artista...

Les dejamos esta gran canción que fue de gran influencia para muchos artistas, incluso para la banda punk The Misfits, que en el año 2003 le hicieron un justo y rockero homenaje a este gran artista llamado Ritchie Valens.

Creedence Clearwater Revival – Fortunate Son

"Fortunate son" es una canción de la banda Creedence Clearwater Revival que forma parte de su álbum Willy and the Poor Boys en 1969. Fue lanzado como single, junto con "Down on the Corner", en septiembre de 1969. Fue escrita por John Fogerty. Esta canción alcanzó el puesto 14 en los rankings de los Estados Unidos.

La tematica de la canción fue inspirada por David Eisenhower, quien era nieto del ex-Presidente estadounidense Dwight David Eisenhower, quien se casó con Julie Nixon, hija del presidente Richard Nixon en 1968 (después de Eisenhower se alistó en la Reserva Marina). Esto fue visto como una union de diplomaticos "hijos de afortunados" que simplemente ocultaban con sonrisas todas las problematicas sociales que habian arrastrados en sus mandatos.

Ademas este rock and roll fue muy popular durante la guerra de Vietnam y ha sido incluido en muchas peliculas sobre esa tematica y documentales, ademas de juegos de ordenador sobre guerras.

Todo esto se inspira en que la canción simboliza el pensamiento de un hombre que se está quejando ante la autoridad. Por ello se toma desde la perspectiva de alguien que esta contra la guerra en Vietnam.

Se canta desde la perspectiva de uno de estos hombres o soldados (que no es el hijo de un senador, millonario, o jefe militar, por lo tanto, no es un "hijo afortunado"), que termina en la lucha contra la guerra de Vietnam.

El 31 de diciembre de 1999, John Fogerty interpreto la canción delante del Presidente Bill Clinton y una audiencia de TV nacional en los pasos del Lincoln Memorial durante la fiesta de cambio de milenio.

La revista Rolling Stone puso a la canción en el # 99 en su lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos."

Guns N' Roses - Patience

"Patience" es una canción de la banda estadounidense de hard rock Guns N' Roses publicada en el disco G N' R Lies y editada como sencillo en 1989.

La canción alcanzó el cuarto puesto en la lista de ventas de los Estados Unidos.

Fue compuesta en su totalidad por Izzy Stradlin y grabada en una sola sesión por el productor Mike Clink. La banda utilizó tres guitarras acústicas en la versión de estudio.

También se grabó un vídeo de este tema, en el cual sólo los miembros de la banda permanecen en la imagen, mientras que los demás aparecen por un momento y luego desaparecen.

La canción habla sobre los problemas entre Axl Rose y su ex mujer Erin Everly, aunque nada de esto ha sido confirmado nunca por ningún miembro del grupo.

Otra teoría dice que la canción habla sobre la antigua relación de Stradlin con su ex novia Angela Nicoletti McCoy, algo tampoco confirmado pero que le da ese ingrediente necesario para la mistica de la canción. El hotel en el que fue filmado en vídeo fue derruido pocos días después de su grabación. Además, este es el último vídeo en el que aparece Steven Adler, aunque no toca en la canción.

Tras la partida de Izzy Stradlin de la banda, la canción fue un número fijo durante el tour de 1991 y 1992, con Gilby Clarke y Slash interpretando como introducción una versión improvisada de Wild Horses, de los Rolling Stones.

Elvis Presley – Are You Lonesome Tonight?

"Are You Lonesome Tonight?" es una canción cuya música pertenece a Lou Handman y la letra fue hecha por Roy Turk. Se publicó por primera vez en 1926, pero la versión mas famosa es la interpretada por Elvis en 1960.

Se dice que Elvis Presley escuchó la versión original de la canción mientras estaba en su publicitado servicio militar en Europa, ya que también en esos dias escuchó otras canciones como "O sole Mio" y "Return to Sorrento", que tambien grabaria en su regreso a la actividad musical en 1960.

El single que lanzó Elvis con esta canción fue lanzado al mercado un 4 de abril de 1960 y en el lado B venia la canción "I gotta now".

Esta canción fue la favorita de su famoso manager el Coronel Parker y por ello aceptó que Elvis grabará su propia versión de esta balada.

La versión de Presley esta basada en la version de Blue Barron Orchestra que fue famosa en 1950 y la parte hablada (como la versión de Al Jolson's) se inspira en un texto de Shakespeare: "Todo el mundo es un escenario, y todos los hombres y mujeres deben interpretar un papel..."

En pocos días pasó a ser uno de los singles más vendidos de 1960, alcanzando el puesto número uno del Billboard durante seis semanas.

En muchas ocasiones cuando Elvis la interpretaba en vivo, este le cambiaba la letra para darle un poco de humor al espectaculo. Un popular ejemplo, se registró en el International Hotel en Las Vegas el 26 de agosto de 1969. Durante la ejecución, en lugar de cantar: "Do you gaze at your doorstep and picture me there", él canta "Do you gaze at your bald head and wish you had hair" (estaras mirando tu cabeza calva y deseando tener pelo) donde la gente se empezó a reir con tal frase ironica para luego ver a un Elvis serio que continuaba con la canción. Esta version fue muy popular en 1983, cuando la RCA decide vender el audio de ese concierto.

Para finalizar, esta balada nostalgica que interpreta Elvis figura en el puesto # 81 del ranking de las mejores cancones de todos los tiempos de la revista Billboard.

Bob Dylan – The Times They Are A-Changin'

The Times They Are a-Changin' es una canción escrita por Bob Dylan y apareció por primera vez en el álbum del mismo nombre The Times They Are A-Changin' de 1964.

La historia de como se hizo esta canción ocurre cuando Tony Glover, un amigo de Dylan, va a visitar el apartamento de Dylan en septiembre de 1963, cuando vio una serie de canciones y poemas sobre una mesa. "The Times They are a-Changin " todavía no se había grabado, pero Glover vio una copia de la canción. Después de leer las palabras "venir senadores, congresistas, por favor haced caso a la llamada", Glover preguntó a Dylan: "¿Qué es esta mierda, hombre?", A lo que Dylan respondió: "Bueno, tú lo sabes, parece que es lo que a la gente le gusta escuchar".

En el fondo es una canción de protesta, a menudo es vista como un reflejo de la brecha generacional y de la división política propia de la cultura americana en 1960. Dylan, sin embargo, contradijo esta interpretación en 1964, diciendo: "Esas fueron las únicas palabras que pude encontrar para separar la vida de la muerte. No tiene nada que ver con la época." Un año más tarde, Dylan diría: "No puedo decir que los adultos no entienden a los jóvenes como se puede decir que los peces grandes no entienden a los peces pequeños. The Times They are a-Changin' no es una declaración ... Es un sentimiento. "

En 1996, "The Times They Are a-Changin" creó una cierta controversia cuando Dylan dejó que el Banco de Montreal usase la canción en su campaña publicitaria lo que provocó un enojo en los fans.

La canción también fue citada por Steve Jobs cuando Apple Computer presentó el primer ordenador Macintosh, Macintosh 128K en 1984.

La canción ha sido interpretada por muchos otros artistas, sobre todo Joan Baez, The Seekers, Phil Collins, Simon and Garfunkel, y Nina Simone.

En el año 2004, esta canción ocupó el puesto el puesto # 59 en la Lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

The Hollies – Long Cool Woman (In a Black Dress)

"Long Cool Woman (in a Black Dress)" es una canción de la banda oriunda de Manchester llamada The Hollies. El single fue lanzado el 1 de febrero de 1972. Fue escrito por los integrantes Clarke, Cook y Greenaway.

La letra de la canción relata en primera persona una historia de un agente del FBI antes de una redada. En donde mezcla una historia de amor ante una mujer extraña y que segun el narrador "lo tiene todo".

En el momento que sale al mercado el single de la canción, el vocalista Allan Clarke decide abandonar el grupo, auqnue aparece en los ultimos videos como cantante y guitarrista. La canción aparece en su album Distant Light en 1971.

Luego de una opaca carrera como solista, Clarke decide volver a la banda en 1972.

La canción llegó al número 1 en los Estados Unidos y en el Reino Unido solo llego al puesto 32.

La musica del tema esta inspirado en el estilo que ya habian incursionado bandas tan representativas como Creedence Clearwater Revival que implantó un estilo de rock and roll llamado "rock del pantano" por su influencia de las costas de los Estados Unidos.

Poison – Every Rose Has Its Thorn

"Every Rose Has Its Thorn" es una balada (muchos las llaman power ballads) de la banda Poison. Apareció en 1989 en el disco Open Up And Say...Ahh!.

La canción comienza con un tranquilo rasgueo de guitarra y cuenta con dos bien interpretados solos de guitarra, uno suave y otro de ritmo mas rápido.

El vocalista Bret Michaels escribió la canción en respuesta a un fallido amor con una chica de Los Angeles.

La historia cuenta que Poison estaba haciendo un show en un bar llamado "The Ritz" en Dallas, Texas. Después del espectáculo, Michaels llama a su mujer desde la pieza del hotel y escucha una voz de hombre en el fondo de la conversación. Triste y confundido Michaels escribió la canción con una guitarra acústica en la lavandería del hotel.

La canción también es reconocible por su referencia a los vaqueros en el coro, lo cual no era muy tipico de las baladas en la epoca de los ochentas.

Las power Ballads fueron un genero musical muy popular y que eran muy bien bailados en las fiestas de aquellos años. Este tipo de canciones (a veces llegan a ser cursis) fueron, segun palabras de la banda Twisted Sisters (pronto hablaremos de algun hit de ellos), lo que acabó con el hard rock de los ochentas. Increible!!!

Poison, que era una banda de Glam rock , de muchas guitarras y solos de bateria ademas con letras rebeldes y sarcasticas tuvo que llegar a tener su balada por culpa de un corazon roto.

The Beatles – Let It Be

"Let It be" es una canción del grupo The Beatles y la más representativa del disco que lleva su nombre junto con "Get Back" y "The Long And Winding Road".

Fue compuesta de manera completa por Paul McCartney (aunque en los créditos viene firmada como Lennon/McCartney) y lanzada como sencillo en marzo de 1970. El sencillo alcanzó el número uno en los Estados Unidos y el número dos en el Reino Unido. También fue número uno en las listas de países como Australia, Noruega y Suiza.

En el momento en que el disco se estaba desarrollando en el estudio, se proyectaba que el título fuese Get Back, motivo por el cual este tema fue interpretado en el famoso concierto en la azotea de Apple Records, pero finalmente el trabajo fue pospuesto hasta 1970, momento en el que los cortes originales fueron reeditados por Phil Spector, a quien se había encargado la producción por deseo de John Lennon.

Fue en ese momento cuando los Beatles decidieron que el disco se llamaría Let It Be, ya que las canciones quedaron con un toque "majestuoso", y no "crudo", tal y como esperaba Paul McCartney, debido a la incorporación de arreglos orquestales en algunos de los temas, y la mayor preponderancia dada a los coros y otros arreglos en detrimento de la batería, en aplicación de algunas de las técnicas popularizadas por Spector, y conocidas como wall of sound.

McCartney dijo que escribió "Let It Be" tras soñar con su madre durante la tensas sesiones para la grabación del disco. McCartney explicó que su madre, que había fallecido cuando él tenía 14 años, fue la inspiración de la Mother Mary a la que se refiere la letra. Posteriormente McCartney declaró:

"Me encantaría que me volviera a visitar. Me sentí bendecido por tener ese sueño. Eso me hizo escribir 'Let It Be'."

El master fue grabado el 31 de enero de 1969, como parte del proyecto Get Back Album, con McCartney al piano (un Blüthner Flügel), Lennon al bajo, Billy Preston al órgano (que era musico invitado) y George Harrison y Ringo Starr a la guitarra y a la batería, respectivamente. La voz principal de McCartney fue acompañada por Lennon y Harrison como se puede ver en el documental. El master incluye un solo de guitarra de Harrison que puede ser escuchado en el documental Let It Be.

El 30 de abril de 1969, Harrison realizó arreglos sobre un nuevo solo de guitarra. Harrison volvió a arreglar otro solo el 4 de enero de 1970 y, aunque tienen similitudes estilísticas, este solo pudo haber sido interpretado por McCartney. El primer solo fue utilizado para la versión del sencillo, y el segundo para el álbum. Algunos seguidores creen erróneamente que existían dos versiones de la pista básica, basadas en los diferentes solos, pero también en arreglos y mezclas.

Exiten tres versiones de este tema:

La del sencillo que contiene un solo te teclado Hammond, la del disco que tiene muchos arreglos instrumentales y la del Let it Be naked lanzada años atras que es el audio del video que hemos puesto.

The Clash – White Riot

"White Riot" fue la primera canción emitida como sencillo junto a "1977" por la banda punk The Clash.

El tema fue incluido en su álbum de debut en dos versiones distintas; una para el Reino Unido en 1977 y otra con diferente introducción para los Estados Unidos en 1979.

Musicalmente "White Riot" se asemeja al estilo punk puro de las primeras composiciones de The Ramones con tiempos rápidos y riffs de guitarra muy simples. Otra semejanza con el estilo Ramone se puede apreciar en la introducción de la versión original de la canción cuando el guitarrista Mick Jones cuenta "1-2-3-4" emulando las introducciones de los temas de Ramones. Sin embargo, en la versión estadounidense que ha sido usada en la mayor parte de las recopilaciones posteriores la canción comienza con un sonido de sirenas policiales.

La letra del tema obtiene su inspiración de la participación del vocalista Joe Strummer, el bajista Paul Simonon y el mánager Bernie Rhodes en los violentos disturbios sucedidos en los carnavales de Notting Hill de 1976.

Dicho conflicto comenzó cuando la gran patrulla policial que vigilaba el carnaval arrestó a un niño de raza negra por un supuesto robo ante lo cual la mayoría negra que participaba de la celebración reaccionó violentamente lanzando ladrillos a los uniformados y formmando una guerra campal contra los uniformados. Cuando el conflicto explotó Simonon se unió inmediatamente lanzando un ladrillo que por poco derriba a un motociclista y Strummer intentó incendiar un vehículo policial. Una foto del director cinematográfico y amigo de los miembros del grupo Don Letts caminando frente a una línea policial durante el disturbio fue utilizada como portada de la recopilación Black Market Clash.

La canción aborda la temática de la lucha de clases y refiere al disturbio desde su segunda estrofa ("los hombres negros tienen muchos problemas pero no les molesta tirar ladrillos"). En un principio el tema también fue erróneamente asociado al racismo pues no comprendian bien la letra y caian en la confusión.

La canción con el tiempo pasó a ser un clásico de The Clash pero cuando el grupo maduró musicalmente, Mick Jones se negó a tocarlo por considerarlo estilísticamente muy pobre ademas de estar pasando por otras influencias musicales. Tras la separación de la banda Joe Strummer interpretó el tema en reiteradas oportunidades con su banda The Mescaleros.

En marzo de 2005 la Revista Q la posicionó #34 en su lista de las 100 mejores pistas de guitarra. "White Riot" también fue incluida en la banda sonora del videojuego Tony Hawk's Downhill Jam.