La Música es el arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas que ligada a un grupo social y a sus acontecimientos, sea la expresión de éstos últimos.
"Thin Line Between Love and Hate"
es una canción del famoso grupo vocal estadounidense The Persuaders
que fue lanzada como single en 1971
Gracias a esta canción esta banda,
oriunda de Nueva York, logró la fama mundial entrando en los
primeros lugares de los charts de todo el mundo.
Esta canción fue escrita por los
hermanos Robert y Richard Poindexter (que además fueron los
productores en la grbación de este hit) y contaron con los arreglos
de Jackie Members.
La idea de estos compositores era
ofrcer esta canción a algun cantante pop necesitado de algun hit,
pero al no recibir ofertas concretas por la canción decidieron
contratar a un cuarteto vocal formado por Douglas "Smokey"
Scott, Willie Holland, James Holland y Charles Stoghill, estos chicos
se hacían llamar en el escenario: The Persuaders.
Los Persuaders escucharon la canción y
en minutos dijeron que tenían que grabarla, pero pidieron un
requisito escencial a los productores. El requisito era que tenían
que grabar esta canción con sus propios musicos, para suerte del
grupo los hermanos Poindexter no pusieron ninguna queja ni reclamo.
La banda de apoyo de los Persuaders
tenía como nombre "Young Gifted and Black" y estaba
formada por los guitaristas Angel Luis Paniagua y Ronny Drayton, el
bajista Harry Giscombe, el baterista Leroy Quick y el tecladista Paul
Young.
Asi fue como Los Persuaders junto a los
"Young Gifted and Black" grabaron la hermosa y delicada
"Thin Line Between Love and Hate".
El sello discgráfico Atlantic Records
fue la resposable de lanzar el single debut de este grupo vocal y no
lo hizo nada de mal, ya que en pocas semanas llegaron a vender mas de
un millón de copias.
Además estuvo dos semanas liderando el
Billboard R&B charts en Estados Unidos, donde tambien llegó a la
casilla #15 del Billboard Hot 100 chart y recibió un disco de oro
por parte de la RIAA en 1971.
"Donna" es una canción del
cantautor estadounidense Ritchie Valens que fue publicada como single
en 1958.
Valens, que hizo bailar a todo el mundo
con La Bamba, es considerado por muchos artistas (entre esos el gran
Carlos Santana) como el pionero del movimiento del rock and roll
latino. pese a que no hablaba ni una pizca de español y la unica
relación que tenía con el mundo latino era el origen mexicano de
sus padres.
Pero no solo de "La Bamba"
hizo su carrera, ya que tambien dejó un legado de hermosas canciones
que maravillaron al mundo en su corta pero fructífera carrera que se
vió terminada en un accidente aéreo, donde perdió la vida junto al
gran Buddy Holly y J.P "El Big Bopper" Richardson. Ese
fatídico hecho se conoce como "el día en que murió la
música".
Pero volvamos a lo estrictamente
musical. Una de esas canciones que Valens dejó como legado es una
hermosa balada llamada "Donna", la cual estaba dedicada a
Donna Ludwig, que supuestamente fue su novia aunque oficialmente
nadie sabe si realmente lo fueron.
La historia cuenta que Valens y Ludwing
se conocieron en la secundaria en San Francisco y el músico estaba
locamente enamorado de esta niña, y fue tanto su amor hacía esta
muchacha que le escribió esta preciosa canción.
"Donna" destaca por ser una
balada lenta y bastante simple, pero de una calidad inigualable y que
marcó a muchos cantantes "poperos" que tenían en las
baladas su mejor "caballo de batalla".
Valens nos canta sobre esa niña de
nombre Donna que lo dejó loco y que desde el momento en que él vió
su rostro angelical jamás volverá a ser el mismo. Hasta allí la
canción parece ser una simple balada Pop hecha para bailar pegados
en las fiestas, pero la diferencia viene en el estado de ánimo del
cantante, que no tiene el timbre vocal de los grupos vocales
integrados por jovenes de raza negra pero tiene esa energía simple,
suave sin tanta tecnica ni gritos que deja a la balada como una joya
de repeticiones armonizadas de manera perfecta, como si fuera un
Mantra.
Esta canción fue lanzada como single a
finales del año 1958 y a la poste fue la ultima canción que grabó
Valens antes del fatídico acidente aéreo.
Un mes despues de la muerte del músico,
la canción llegó al casillero # 2 del Billboard Hot 100, siendo una
de las canciones mas famosas de este gran artista...
Les dejamos esta gran canción que fue
de gran influencia para muchos artistas, incluso para la banda punk
The Misfits, que en el año 2003 le hicieron un justo y rockero
homenaje a este gran artista llamado Ritchie Valens.
"Fortunate son" es una
canción de la banda Creedence Clearwater Revival que forma parte de
su álbum Willy and the Poor Boys en 1969. Fue lanzado como single,
junto con "Down on the Corner", en septiembre de 1969. Fue
escrita por John Fogerty. Esta canción alcanzó el puesto 14 en los
rankings de los Estados Unidos.
La tematica de la canción fue
inspirada por David Eisenhower, quien era nieto del ex-Presidente
estadounidense Dwight David Eisenhower, quien se casó con Julie
Nixon, hija del presidente Richard Nixon en 1968 (después de
Eisenhower se alistó en la Reserva Marina). Esto fue visto como una
union de diplomaticos "hijos de afortunados" que
simplemente ocultaban con sonrisas todas las problematicas sociales
que habian arrastrados en sus mandatos.
Ademas este rock and roll fue muy
popular durante la guerra de Vietnam y ha sido incluido en muchas
peliculas sobre esa tematica y documentales, ademas de juegos de
ordenador sobre guerras.
Todo esto se inspira en que la canción
simboliza el pensamiento de un hombre que se está quejando ante la
autoridad. Por ello se toma desde la perspectiva de alguien que esta
contra la guerra en Vietnam.
Se canta desde la perspectiva de uno de
estos hombres o soldados (que no es el hijo de un senador,
millonario, o jefe militar, por lo tanto, no es un "hijo
afortunado"), que termina en la lucha contra la guerra de
Vietnam.
El 31 de diciembre de 1999, John
Fogerty interpreto la canción delante del Presidente Bill Clinton y
una audiencia de TV nacional en los pasos del Lincoln Memorial
durante la fiesta de cambio de milenio.
La revista Rolling Stone puso a la
canción en el # 99 en su lista de las "500 mejores canciones de
todos los tiempos."
"Patience" es una canción de
la banda estadounidense de hard rock Guns N' Roses publicada en el
disco G N' R Lies y editada como sencillo en 1989.
La canción alcanzó el cuarto puesto
en la lista de ventas de los Estados Unidos.
Fue compuesta en su totalidad por Izzy
Stradlin y grabada en una sola sesión por el productor Mike Clink.
La banda utilizó tres guitarras acústicas en la versión de
estudio.
También se grabó un vídeo de este
tema, en el cual sólo los miembros de la banda permanecen en la
imagen, mientras que los demás aparecen por un momento y luego
desaparecen.
La canción habla sobre los problemas
entre Axl Rose y su ex mujer Erin Everly, aunque nada de esto ha sido
confirmado nunca por ningún miembro del grupo.
Otra teoría dice que la canción habla
sobre la antigua relación de Stradlin con su ex novia Angela
Nicoletti McCoy, algo tampoco confirmado pero que le da ese
ingrediente necesario para la mistica de la canción. El hotel en el
que fue filmado en vídeo fue derruido pocos días después de su
grabación. Además, este es el último vídeo en el que aparece
Steven Adler, aunque no toca en la canción.
Tras la partida de Izzy Stradlin de la
banda, la canción fue un número fijo durante el tour de 1991 y
1992, con Gilby Clarke y Slash interpretando como introducción una
versión improvisada de Wild Horses, de los Rolling Stones.
"Are You Lonesome Tonight?"
es una canción cuya música pertenece a Lou Handman y la letra fue
hecha por Roy Turk. Se publicó por primera vez en 1926, pero la
versión mas famosa es la interpretada por Elvis en 1960.
Se dice que Elvis Presley escuchó la
versión original de la canción mientras estaba en su publicitado
servicio militar en Europa, ya que también en esos dias escuchó
otras canciones como "O sole Mio" y "Return to
Sorrento", que tambien grabaria en su regreso a la actividad
musical en 1960.
El single que lanzó Elvis con esta
canción fue lanzado al mercado un 4 de abril de 1960 y en el lado B
venia la canción "I gotta now".
Esta canción fue la favorita de su
famoso manager el Coronel Parker y por ello aceptó que Elvis grabará
su propia versión de esta balada.
La versión de Presley esta basada en
la version de Blue Barron Orchestra que fue famosa en 1950 y la parte
hablada (como la versión de Al Jolson's) se inspira en un texto de
Shakespeare: "Todo el mundo es un escenario, y todos los hombres
y mujeres deben interpretar un papel..."
En pocos días pasó a ser uno de los
singles más vendidos de 1960, alcanzando el puesto número uno del
Billboard durante seis semanas.
En muchas ocasiones cuando Elvis la
interpretaba en vivo, este le cambiaba la letra para darle un poco de
humor al espectaculo. Un popular ejemplo, se registró en el
International Hotel en Las Vegas el 26 de agosto de 1969. Durante la
ejecución, en lugar de cantar: "Do you gaze at your doorstep
and picture me there", él canta "Do you gaze at your bald
head and wish you had hair" (estaras mirando tu cabeza calva y
deseando tener pelo) donde la gente se empezó a reir con tal frase
ironica para luego ver a un Elvis serio que continuaba con la
canción. Esta version fue muy popular en 1983, cuando la RCA decide
vender el audio de ese concierto.
Para finalizar, esta balada nostalgica
que interpreta Elvis figura en el puesto # 81 del ranking de las
mejores cancones de todos los tiempos de la revista Billboard.
The Times They Are a-Changin' es una
canción escrita por Bob Dylan y apareció por primera vez en el
álbum del mismo nombre The Times They Are A-Changin' de 1964.
La historia de como se hizo esta
canción ocurre cuando Tony Glover, un amigo de Dylan, va a visitar
el apartamento de Dylan en septiembre de 1963, cuando vio una serie
de canciones y poemas sobre una mesa. "The Times They are
a-Changin " todavía no se había grabado, pero Glover vio una
copia de la canción. Después de leer las palabras "venir
senadores, congresistas, por favor haced caso a la llamada",
Glover preguntó a Dylan: "¿Qué es esta mierda, hombre?",
A lo que Dylan respondió: "Bueno, tú lo sabes, parece que es
lo que a la gente le gusta escuchar".
En el fondo es una canción de
protesta, a menudo es vista como un reflejo de la brecha generacional
y de la división política propia de la cultura americana en 1960.
Dylan, sin embargo, contradijo esta interpretación en 1964,
diciendo: "Esas fueron las únicas palabras que pude encontrar
para separar la vida de la muerte. No tiene nada que ver con la
época." Un año más tarde, Dylan diría: "No puedo decir
que los adultos no entienden a los jóvenes como se puede decir que
los peces grandes no entienden a los peces pequeños. The Times They
are a-Changin' no es una declaración ... Es un sentimiento. "
En 1996, "The Times They Are
a-Changin" creó una cierta controversia cuando Dylan dejó que
el Banco de Montreal usase la canción en su campaña publicitaria lo
que provocó un enojo en los fans.
La canción también fue citada por
Steve Jobs cuando Apple Computer presentó el primer ordenador
Macintosh, Macintosh 128K en 1984.
La canción ha sido interpretada por
muchos otros artistas, sobre todo Joan Baez, The Seekers, Phil
Collins, Simon and Garfunkel, y Nina Simone.
En el año 2004, esta canción ocupó
el puesto el puesto # 59 en la Lista de Rolling Stone de las 500
mejores canciones de todos los tiempos.
"Long Cool Woman (in a Black
Dress)" es una canción de la banda oriunda de Manchester
llamada The Hollies. El single fue lanzado el 1 de febrero de 1972.
Fue escrito por los integrantes Clarke, Cook y Greenaway.
La letra de la canción relata en
primera persona una historia de un agente del FBI antes de una
redada. En donde mezcla una historia de amor ante una mujer extraña
y que segun el narrador "lo tiene todo".
En el momento que sale al mercado el
single de la canción, el vocalista Allan Clarke decide abandonar el
grupo, auqnue aparece en los ultimos videos como cantante y
guitarrista. La canción aparece en su album Distant Light en 1971.
Luego de una opaca carrera como
solista, Clarke decide volver a la banda en 1972.
La canción llegó al número 1 en los
Estados Unidos y en el Reino Unido solo llego al puesto 32.
La musica del tema esta inspirado en el
estilo que ya habian incursionado bandas tan representativas como
Creedence Clearwater Revival que implantó un estilo de rock and roll
llamado "rock del pantano" por su influencia de las costas
de los Estados Unidos.
"Every Rose Has Its Thorn" es
una balada (muchos las llaman power ballads) de la banda Poison.
Apareció en 1989 en el disco Open Up And Say...Ahh!.
La canción comienza con un tranquilo
rasgueo de guitarra y cuenta con dos bien interpretados solos de
guitarra, uno suave y otro de ritmo mas rápido.
El vocalista Bret Michaels escribió la
canción en respuesta a un fallido amor con una chica de Los Angeles.
La historia cuenta que Poison estaba
haciendo un show en un bar llamado "The Ritz" en Dallas,
Texas. Después del espectáculo, Michaels llama a su mujer desde la
pieza del hotel y escucha una voz de hombre en el fondo de la
conversación. Triste y confundido Michaels escribió la canción con
una guitarra acústica en la lavandería del hotel.
La canción también es reconocible por
su referencia a los vaqueros en el coro, lo cual no era muy tipico de
las baladas en la epoca de los ochentas.
Las power Ballads fueron un genero
musical muy popular y que eran muy bien bailados en las fiestas de
aquellos años. Este tipo de canciones (a veces llegan a ser cursis)
fueron, segun palabras de la banda Twisted Sisters (pronto hablaremos
de algun hit de ellos), lo que acabó con el hard rock de los
ochentas. Increible!!!
Poison, que era una banda de Glam rock
, de muchas guitarras y solos de bateria ademas con letras rebeldes y
sarcasticas tuvo que llegar a tener su balada por culpa de un corazon
roto.
"Let It be" es una canción
del grupo The Beatles y la más representativa del disco que lleva su
nombre junto con "Get Back" y "The Long And Winding
Road".
Fue compuesta de manera completa por
Paul McCartney (aunque en los créditos viene firmada como
Lennon/McCartney) y lanzada como sencillo en marzo de 1970. El
sencillo alcanzó el número uno en los Estados Unidos y el número
dos en el Reino Unido. También fue número uno en las listas de
países como Australia, Noruega y Suiza.
En el momento en que el disco se estaba
desarrollando en el estudio, se proyectaba que el título fuese Get
Back, motivo por el cual este tema fue interpretado en el famoso
concierto en la azotea de Apple Records, pero finalmente el trabajo
fue pospuesto hasta 1970, momento en el que los cortes originales
fueron reeditados por Phil Spector, a quien se había encargado la
producción por deseo de John Lennon.
Fue en ese momento cuando los Beatles
decidieron que el disco se llamaría Let It Be, ya que las canciones
quedaron con un toque "majestuoso", y no "crudo",
tal y como esperaba Paul McCartney, debido a la incorporación de
arreglos orquestales en algunos de los temas, y la mayor
preponderancia dada a los coros y otros arreglos en detrimento de la
batería, en aplicación de algunas de las técnicas popularizadas
por Spector, y conocidas como wall of sound.
McCartney dijo que escribió "Let
It Be" tras soñar con su madre durante la tensas sesiones para
la grabación del disco. McCartney explicó que su madre, que había
fallecido cuando él tenía 14 años, fue la inspiración de la
Mother Mary a la que se refiere la letra. Posteriormente McCartney
declaró:
"Me encantaría que me volviera a
visitar. Me sentí bendecido por tener ese sueño. Eso me hizo
escribir 'Let It Be'."
El master fue grabado el 31 de enero de
1969, como parte del proyecto Get Back Album, con McCartney al piano
(un Blüthner Flügel), Lennon al bajo, Billy Preston al órgano (que
era musico invitado) y George Harrison y Ringo Starr a la guitarra y
a la batería, respectivamente. La voz principal de McCartney fue
acompañada por Lennon y Harrison como se puede ver en el documental.
El master incluye un solo de guitarra de Harrison que puede ser
escuchado en el documental Let It Be.
El 30 de abril de 1969, Harrison
realizó arreglos sobre un nuevo solo de guitarra. Harrison volvió a
arreglar otro solo el 4 de enero de 1970 y, aunque tienen similitudes
estilísticas, este solo pudo haber sido interpretado por McCartney.
El primer solo fue utilizado para la versión del sencillo, y el
segundo para el álbum. Algunos seguidores creen erróneamente que
existían dos versiones de la pista básica, basadas en los
diferentes solos, pero también en arreglos y mezclas.
Exiten tres versiones de este tema:
La del sencillo que contiene un solo te
teclado Hammond, la del disco que tiene muchos arreglos
instrumentales y la del Let it Be naked lanzada años atras que es el
audio del video que hemos puesto.
"White Riot" fue la primera
canción emitida como sencillo junto a "1977" por la banda
punk The Clash.
El tema fue incluido en su álbum de
debut en dos versiones distintas; una para el Reino Unido en 1977 y
otra con diferente introducción para los Estados Unidos en 1979.
Musicalmente "White Riot" se
asemeja al estilo punk puro de las primeras composiciones de The
Ramones con tiempos rápidos y riffs de guitarra muy simples. Otra
semejanza con el estilo Ramone se puede apreciar en la introducción
de la versión original de la canción cuando el guitarrista Mick
Jones cuenta "1-2-3-4" emulando las introducciones de los
temas de Ramones. Sin embargo, en la versión estadounidense que ha
sido usada en la mayor parte de las recopilaciones posteriores la
canción comienza con un sonido de sirenas policiales.
La letra del tema obtiene su
inspiración de la participación del vocalista Joe Strummer, el
bajista Paul Simonon y el mánager Bernie Rhodes en los violentos
disturbios sucedidos en los carnavales de Notting Hill de 1976.
Dicho conflicto comenzó cuando la gran
patrulla policial que vigilaba el carnaval arrestó a un niño de
raza negra por un supuesto robo ante lo cual la mayoría negra que
participaba de la celebración reaccionó violentamente lanzando
ladrillos a los uniformados y formmando una guerra campal contra los
uniformados. Cuando el conflicto explotó Simonon se unió
inmediatamente lanzando un ladrillo que por poco derriba a un
motociclista y Strummer intentó incendiar un vehículo policial. Una
foto del director cinematográfico y amigo de los miembros del grupo
Don Letts caminando frente a una línea policial durante el disturbio
fue utilizada como portada de la recopilación Black Market Clash.
La canción aborda la temática de la
lucha de clases y refiere al disturbio desde su segunda estrofa ("los
hombres negros tienen muchos problemas pero no les molesta tirar
ladrillos"). En un principio el tema también fue erróneamente
asociado al racismo pues no comprendian bien la letra y caian en la
confusión.
La canción con el tiempo pasó a ser
un clásico de The Clash pero cuando el grupo maduró musicalmente,
Mick Jones se negó a tocarlo por considerarlo estilísticamente muy
pobre ademas de estar pasando por otras influencias musicales. Tras
la separación de la banda Joe Strummer interpretó el tema en
reiteradas oportunidades con su banda The Mescaleros.
En marzo de 2005 la Revista Q la
posicionó #34 en su lista de las 100 mejores pistas de guitarra.
"White Riot" también fue incluida en la banda sonora del
videojuego Tony Hawk's Downhill Jam.
"The Logical Song" es un
super exito de Supertramp y fue lanzado en 1979 como parte del album
Breakfast in America. La letra y musica pertenece a Roger Hodgson.
Una de las caracteristicas principales
de esta canción es su particular sonido que fue catalogado
"contemporaneo" para la epoca. Con el tiempo se le conoció
con el nombre de "Takled" que es un sonido muy parecido a
aquellos que pueden ser escuchados en los partidos de futbol
americano.
Los musicos a cargo de la grabacion de
este tema fueron Roger Hodgson en voz, guitarras y teclados, Rick
Davies en piano, organo Hammond y sintetizadores y coros. John
Helliwell se encargo del saxo alto y coros, Bob Siebenberg en
castañuelas, bateria y pandero y Dougie Thomson en bajo.
La canción fue un gran exito en las
radios y llegó al sexto lugar en los charts de Estados Unidos. En el
Reino Unido ocupó el septimo puesto de las listas de ventas.
Es una de las canciones mas reconocidas
de esta banda y en pocos días su vocalista y compositor de este
clasico, Roger Hodgson, estará en el festival de Viña mostrando
todos los clasicos de su ex-banda.
Thank You For The Music es una canción
y un sencillo que publicó el famoso grupo sueco ABBA. Fue publicado
un año después de la separación del grupo, exactamente el 6 de
noviembre de 1983. Aparece en el disco "ABBA The Album" que
salió a la par con una pelicula documental.
Fue escrita por Benny, Björn y Stig, y
grabada el 21 de julio de 1977, en el Glenstudio en Stcoksund.
La canción pertenece al mini-musical
"The Girl With The Golden Hair". La protagonista canta que
tiene un don musical, y que esta orgullosa de él y que esa será su
herramienta para llegar a la cima.
Existe tambien una versión en español
llamada "Gracias Por La Música", es la que le dio nombre
al LP de ABBA en español y se convirtió en un sencillo exitoso en
México y Argentina.
En 1983, cuando se lanzó The
Anniversary Collection, un box set que contenía todos los Sencillos
de ABBA, se decidió sacar un nuevo para promocionar la venta del box
set. Se decidió sacar "Than You For The Music", que
anteriormente había sido lado B de "Eagle". El sencillo
tuvo un poco de éxito en Europa y previamente, en 1977 había
conseguido llegar al #2 en Sudáfrica y al #1 en Costa Rica.
Posteriormente fue relanzada en 1992 en Alemania llegando al #55.
La canción forma parte actualmente del
musical Mamma Mia!, basado en las canciones de ABBA. Comúnmente era
interpretada por el grupo en sus tours de 1977, de 1979 y de 1980.
"Something in the Way" es una
canción de la banda estadounidense de grunge Nirvana. Esta es la
canción final del álbum de 1991 Nevermind (sin contar la pista
"secreta" incluida en algunas ediciones del álbum,
"Endless, Nameless").
Siempre se creía que "Something
in the Way" fue escrita durante un tiempo en el cual su autor,
el famoso cantante Kurt Cobain, no tenía un hogar y dormía debajo
del puente de la calle Young en su pueblo natal, Aberdeen
(Washington). Este mito, propagado por dichos de Cobain, fue refutado
en el 2001 con la publicación de la biografía de Cobain "Heavier
than Heaven", escrita por Charles Cross, que afirmaba que
hubiera sido llevado por la marea del río Wishkah si éste hubiera
pasado una noche ahí. En realidad, Cobain pasaba su tiempo durmiendo
en casas de amigos, cajas de cartón, apartamentos abandonados y
salas de espera de hospitales del pueblo.
La canción fue escrita en 1990, ya que
fue tocada por primera vez en el The Off Ramp Cafe el 25 de Noviembre
de 1990 en Seattle
De acuerdo al productor de Nevermind,
Butch Vig, los planes originales de Cobain consistían en que toda la
banda grabara la canción, pero cuando los primeros intentos de esto
fracasaron, Cobain interpretó la canción para Vig para mostrarle
como debía sonar y lo hizo de manera acustica.
Vig se sintió impresionado con el
sonido de la interpretación, y después de desactivar el aire
acondicionado y los teléfonos del estudio, encendió los micrófonos
y grabó la canción de la misma manera. Ésta parte se convirtió en
la más importante de la pista; el baterista Dave Grohl y el bajista
Krist Novoselic añadieron posteriormente sus partes, pese a que
ambos tuvieron algunas dificultades con el ritmo lento de la canción.
Novoselic también tuvo problemas para afinar su bajo al tono de la
guitarra de Cobain (una antigua guitarra acústica Stella de 12
cuerdas con 5 cuerdas de nylon que difícilmente se mantenían
afinadas) y Grohl tuvo que dejar a un lado su conocido estilo pesado
en la batería para que la canción obtuviese un suave sonido.
En el último día de las sesiones de
grabación, Kirk Canning, un amigo de la banda, complemento la
canción con una melodía de violonchelo, aunque también tuvo
dificualtades para afinar su instrumento con la guitarra de Cobain.
Existe la versión en vivo de la
canción que aparece en el álbum acústico de 1994 MTV Unplugged in
New York. La misma versión fue usada como un lado B en el sencillo
de la versión acústica de "About a Girl", y en ediciones
japonesas de la compilación de grandes éxitos de la banda Nirvana.
Ésta versión incluye a Pat Smear como segundo guitarrista, y a Lori
Goldston en el violonchelo.
Como dato raro, hay una versión
eléctrica fue grabada en el programa de Mark Goodier en BBC Radio
One en los estudios de la BBC en Londres. Fue grabada el 9 de
noviembre de 1991. Ésta versión es eléctrica, y nunca ha sido
lanzada oficialmente.
Under Pressure es una canción del año
1981, creada por Queen (todos sus integrantes colaboraron) y David
Bowie. Pertenece al disco Hot Space lanzado en 1981 por la agrupación
britanica.
La historia cuenta que originalmente,
Bowie se había juntado con Queen, para que cantara en la canción
"Cool Cat" , pero al final no hicieron esto, ya que la
banda se sintió desconforme con ese tema. Entonces después de un
tiempo de estar juntos, escribieron esta canción que sería un hit
mundial.
La canción fue desarrollada en una
sesión que la banda tenía con Bowie en su estudio de Montreux,
Suiza, por lo tanto los derechos de la canción son para los cinco
músicos.
El bajista de Queen John Deacon (según
una entrevista para Francia en 1984) dijo que sin embargo, el
compositor musical principal de la canción fue Freddie Mercury
—aunque todos ayudaron a arreglarla. También hay una versión
anterior, que es como el demo de la canción y sin la participacion
de Bowie llamada "Feel Like" y está extensamente
disponible en forma de "Bootleg" para los fans en mas de
alguna pagina dedicada a este gran grupo ingles.
Siempre ha habido una cierta confusión
sobre quién creó el bass line famoso de la canción. John Deacon
dijo (en una entrevista de la revista japonés "Musiclife"
en 1982, y la anterior entevista) que David Bowie lo había creado.
En entrevistas más recientes, el guitarrista de Queen Brian May y el
baterista Roger Taylor han acreditado el bass line a Deacon; Bowie
también dijo en su Web site que el bass line fue escrito ya antes de
que él se integrara a la canción.
El bass line tiene un parecido con el
primer tema, en el tercer movimiento de la primera sinfonía de Jean
Sibelius en 1898. En todo caso, la edición de septiembre de 2005 de
la popular revista musical online Style seleccionó el bass line como
el mejor de la historia popular de la música.
El primer título de la canción fue
“People on Streets”. Entonces se cambió a “Under Pressure".
Muchos fans y estudiosos de esta banda
dicen que Roger Taylor fue el principal escritor de la canción, sin
embargo parece que él fue un intermediario entre Mercury y Bowie ,
ya que él era amigo de los dos.
Taylor estuvo implicado en la
producción de la canción e hizo algunas mezclas preliminares con
Bowie en Nueva York, pero Bowie estaba insatisfecho con estos
resultados y deseó regrabar todo. Al final, la mezcla fue realizada
con ayuda de Mercury y del ingeniero Reinhold Mack en la grabación y
todos quedaron contentos con el resultado, convirtiendo esta canción
en una de las más importantes del grupo y en una de las que mejores
posiciones lograron en las listas mundiales de éxitos.
En aquella epoca unir a Queen y Bowie
era tener a ambos genios del rock de la epoca unidos por un hit.
Hay una versión previa que se puede
escuchar por partes a modo de ensayo en el concierto de Puebla en
México, la estructura y la letra están prácticamente completas.
Solamente "Queen" incorporó
la canción en sus presentaciones en vivo en ese entonces. Bowie
eligió no presentar la canción ante una audiencia hasta el
concierto de 1992 que era un tributo a Freddie Mercury, cuando él y
Annie Lennox ( la vocalista del duo electronico Eurythmics) lo
cantaron como dueto (acompañados por los miembros de Queen que están
vivos).
Sin embargo, desde la muerte de Mercury
y de "Outside tour" en 1995, Bowie ha cantado la canción
virtualmente en cada una de sus presentaciones en vivo, en donde el
bajista "Gail Ana Dorsey" hace la parte vocal de Mercury.
La canción también fue presentada en el "A Reality Tour"
hecho por Bowie entre los años 2003 y 2004, con frecuencia se la
dedicaba a Mercury.
"Queen + Paul Rodgers"
también han tocado recientemente la canción. Bowie y Mercury nunca
cantaron la canción, juntos en vivo, por lo tanto Roger Taylor
siempre hacia las partes de Bowie, pero a veces Mercury cantaba la
canción totalmente solo y transformaba la canción desde una balada
hasta una pieza pesada de rock.
"Theme from New York, New York"
(tambien conocida por el titulo "New York, New York")es una
cancion hecha para una pelicula de Martin Scorsese filmada en 1977
titulada New York, New York. La canción fue compuesta por John
Kander y la letra es de Fred Ebb.
En la pelicula fue interpretada po Liza
Minnelli quien se dio el lujo de cantarla en el estadio olímpico
durante los Juegos Olímpicos de verano 1984, acompañado por 24
pianos y luces estroboscópicas.
Sin lugar a dudas, la version mas
popular es la que grabo en 1979 el cantante Frank Sinatra para su
álbum Trilogy: Past Present Future (1980), y desde entonces quedó
como un clasico de su repertorio. Sinatra la grabo nuevamente esta
vez a dúo con Tony Bennett para su álbum Duets de 1993.
El sigle alcanzó el puesto # 30 en
junio de 1980, convirtiéndose en uno de sus últimos éxitos en los
rankings mundiales.
Sinatra realizó dos grabaciones en
estudio de la canción. Una en 1981 (para su especial de televisión
de la cadena NBC) y en 1993 (para Capitol Records).
Como dato curioso, la letra de la
versión que canta Sinatra difiere de la original de Ebb. Esto llamó
la atención del autor de la letra quien se mostraba sorprendido por
el buen orde que le dio a algunas frases que no estaban en la
original dandole ese toque especial de Sinatra. O sea haciendola suya
para encantar a sus fans de todo el mundo.
"Crying" es una balada
escrita por Roy Orbison y Joe Melson e interpretada por Orbison. El
single de esta canción salió en julio de 1961 llegando a ocupar el
segundo lugar en el Billboard.
La canción contiene "una
combinación de un anhelo hiriente y romántico combinado con una voz
de opera" segun la biografia de Roy Orbinson.
Resulta muy notable que la forma de
cantar de Roy Orbison este tan marcada por los climax de la musica.
Tiene notas finales ligeramente planas y muchos deslizamientos por el
final de la nota saliendo de la afinación correcta. En las
presentaciones en vivo no habia cambio alguno, Orbinson llegaba a
todas las notas con su fina y excelente voz.
En 1987, Orbison regrabó la canción a
dúo con KD Lang como parte de la banda sonora de la película Hiding
Out. Esya colaboración ganó el premio Grammy a la Mejor
Colaboración con otros artistas.
Esta versión tuvo menor éxito e
varios paises, alcanzando solo el pueso # 42 en las listas de Estados
Unidos.
"Carrie" es un super exito de
la banda sueca de Hard rock Europe lanzada en 1987.
Fue el tercer single lanzado de su mas
clasico álbum The Final Countdown, y fue número 3 en el ranking
Billboard Hot 100 en los EE.UU. durante el otoño de 1987. La
producción del tema estuvo a cargo de Kevin Elson.
La canción fue escrita por el
vocalista Joey Tempest y el tecladista Mic Michaeli durante el año
1985 entre giras y giras alrededor del mundo.
Existe una primera versión de la
canción que sólo consistía en teclados y voz, se interpretó en
una gira por Suecia, el mismo año.
La versión deñ Demo es similar, pero
la versión final que se incluyó en el álbum se incluyó a los
demas integrantes tocando el tema.
En los recientes conciertos de la banda
Europe (siguen vigente en estos años y quien sabe si vuelven algun
día al festival de Viña) interpretan una versión acústica de
"Carrie" donde solo Tempest y su guitarra deleitan al
publico de esta "Power-Ballad" mas clasica de finales de lo
ochenta.
"We're an American Band" es
una canción de la banda Grand Funk Railroad lanzado en 1973 y que
forma parte del disco del mismo nombre del tema.
Es el primer número uno que obtuvo la
banda en su trayectoria y fue escrito por Don Brewer bajo la
produccion de Todd Rundgreen. Con este tema la banda atrajo a mucho
mas publico en sus conciertos.
La letra de Brewer es autobiografica y
trata de una descripcion de las recientes giras de la banda y sus
enérgicas actuaciones en directo.
En la canción, la banda menciona que
viajan a través de Little Rock, Arkansas y por ese lugar se detienen
a buscar y compartir con cuatro "groupies" en su hotel
ubicado en Omaha, Nebraska. La letra también hace mención a "Sweet
Connie", que es el nombre de la primera groupie de la banda
llamada Connie.
De acuerdo con el critico y escritor
sobre rock Dave Marsh en su libro The Heart of Rock and Soul señala
que Grand Funk fue de gira con el grupo británico Humble Pie a
principios de 1973. Después de una actuación, los dos grupos
estaban bebiendo y conversando en un bar, cuando se pusieron a
dicurtir sobre el rock ingles y el estadounidense.
Fue ahí cuando el baterista Don Brewer
se levantó y después de dar datos sobre sus héroes del rock gringo
como Jerry Lee Lewis, Fats Domino, Little Richard y Elvis Presley,
anunció con orgullo, "Somos una banda de América!".
Despues de ese apisodio Brewer escribió la canción a la mañana
siguiente, y fue la canción más vendida en el mundo en septiembre
de 1973.
El single de esta canción fue editado
en un vinilo trasparente, ademas el canal de television VH1 en su
conteo de las 100 canciones mas grandes del rock la colocó en el
puesto 99.
Esta canción ha sido intepretada por
muchos artistas despues de su lanzamiento, entre ellos Poison, Kid
Rock y los Village People.
Mr. Blue Sky es una gran canción de
Electric Light Orchestra. Forma parte del disco Out of the Blue
lanzado en diciembre de 1977.
La canción es la cuarta y última
pista del "Concerto for a Rainy Day" que es uno de los
discos que comforman el album. En la version original la canción
termina con una voz diciendo "Please Turn Me Over", a lo
cual el vocalista y lider Jeff Lynne señaló que era un mensaje al
oyente del disco que tenia que cambiar de lado o de disco para seguir
escuchando sus creaciones.
Jeff Lynne escribió esta canción en
Suiza, que fue el lugar que sirvió de inspiración para escribir
material para el disco doble.
Después de un período de dos semanas
de escribir canciones bajo dias lluviosos, humedos y nublados, Lynne
fue inspirado a escribir "Mr. Blues Sky" después de una
pausa en el tiempo cuando toda la zona fue bañada por el sol.
Esto inspiró en su "concierto
para dias lluviosos" que esta profundamente inspirado en el
clima que sintieron en Suiza.
La canción fue elegida como himno de
la región de los Midlands ganandole a otras grandes canciones como
Come on Eileen (de Dexys Midnight Runners) y Stairway to Heaven
(famoso tema de Led Zeppelin) y se toca en los estadios antes de cada
partido del club de futbol Birmingham City (club donde jugó Mauro
Zarate), Esto se debe a que Jeff Lynne es hincha y amigo del ex
jugador Trevor Francis que es idolo del cuadro de Birmingham y jugó
el mundial de 1982 para los ingleses.
La canción alcanzó el puesto #6 en
los rankings britanicos y el lugar 35 en los Billboards.
La versión del video corresponde al
concierto llamado "Zoom Live".
Yellow Submarine es una canción de la
famosa banda The Beatles grabada para su album del año 1966
"Revolver" entre el 26 de mayo y el 1 de junio de 1966, en
los estudios estudios Abbey Road 2 y 3.
Segun biografias de la banda, se cuenta
que Paul escribió esta canción una noche mientras estaba tendido en
su cama en esa etapa del sueño cuando una persona se encuentra en un
ciclo REM, es decir, entre dormido y depierto, y simplemente se le
vino a la cabeza un submarino amarillo, siendo que "en ese
estado mental se suelen pensar cosas extrañas... o mejor dicho
estupideces". Esto es como "soñar despierto".
Muchas veces se ha dicho que el tema
fue hecho bajo el efecto de las drogas (especialmente el LSD) pero
esto fue rapidamente desmentido por Paul McCartney quien señaló que
era simplemente una canción para niños.
Tambien señaló en otras entrevistas
que lo único que relacionaba con submarino amarillo eran unos dulces
azucarados que él había probado alguna vez en Grecia.
Inevitablemente la juventud comenzó a nombrar a las drogas duras
como "Yellow Submarine".
Una caracteristica especial de esta
canción son los "efectos especiales" donde podemos oír a
Paul y a John haciendo burbujas en un balde con agua, a Alf Bicknell
sacudiendo una cadena en una tina y a Brian Jones (de The Rolling
Stones) haciendo chocar vasos de cristal.
La canción cuenta con la voz principal
del baterista Ringo Starr con la seguda voz de John Lennon y Paul
McCartney.
En la parte del coro se puede oir
cantar aparte de los cuatro integrantes de la banda a Neil Aspinall
(asistente de la banda),George Martin (productor de la banda), Geoff
Emerick, Patti Harrison, Brian Jones (integrante de los Stones),
Marianne Faithfull (cantante y actriz britanica, ademas de novia de
Mick Jagger) y Mal Evan (asistentes y roadie de la banda).
"Angie" es una conocida
canción de la banda The Rolling Stones que aparece en el álbum de
1973 Goats Head Soup.
Esta balada grabada entre noviembre y
diciembre del año 1972 fue escrita principalmente por Keith Richards
(aunque en los creditos dan la autoria a la dupla Jagger/Richards).
Es una pieza acústica cuyo tema
principal es el fin de un amor, su letra es la muestra de un amor
perdido y la melancolia que es perderlo y no senirlo. Entre los
elementos más característicos de esta canción se cuenta la
desgarradora interpretación vocal de Mick Jagger, el piano de Nicky
Hopkins y arreglo de cuerdas del productor Nicky Harrison.
La canción llegó al tope de las
listas americanas en el Billboard Hot 100 y al número 5 en el UK
singles chart.
Hay muchas versiones acerca del origen
de la canción, la más común es que este tema fue escrito por
Jagger para la esposa de David Bowie, Angela, pero el mismo Jagger ha
desmentido los rumores sobre este asunto.
Mientras tanto, Keith Richards afirma
que el título y los acordes de la canción los tenía un año antes.
Por lo mismo, "Angie" puede estar relacionado con la hija
recien nacida de Richards de nombre Angela.
Dato curioso: La Unión Democrata
Cristiana de Alemania usó esta canción para la campaña electoral
de Angela Merkel, aunque los Stones no dieron el permiso para
utilizar la canción.
Strange Kind of Woman es una cancion de
la banda inglesa Deep Purple, y fue originalmete lanzada como parte
del single de la canción "Black Night" en febrero 1971.
La canción rapidamente se convirtió
en un éxito de ventas, alcanzando el puesto # 8 en en los charts del
Reino Unido , y más tarde apareció en la reedición de su álbum
Fireball 1971 y en 1973 en la edicion norteamericana de dicho disco.
Al principio esta cancion llevó el
titulo de "Prostitute". Ian Gillan, vocalista de la banda,
presentó esta canción de Deep Purple en concierto: "Se trata
de un amigo nuestro que se mezcla con una mujer muy mala y lo lleva a
una triste historia. Ellos se casaron al final. Y pocos días después
de ese importante acontecimiento, la señora falleció ".
Cuando Deep Purple realiza "Strange
Kind of Woman" en vivo, Gillan y el guitarrista Ritchie
Blackmore hacen un duelo voz-guitarra en el medio de la canción.
Esto siempre es de larga duracion e improvisacion y finaliza con un
agudo grito de Gillan, antes de que la banda vuelva a tocar la
canción original.
Para muchos fans la versión en vivo
supera altamente a la original, debido a la mayor improvisación de
solos de guitarra, la velocidad mas rapida y la gran capacidad vocal
de Ian Gillan que es sin lugar a dudas una de las mas reconocidas
voces del rock and roll.
"Thin Line Between Love and Hate"
es una canción del famoso grupo vocal estadounidense The Persuaders
que fue lanzada como single en 1971
