Que es la Música Techno?

El techno (o tecno) es un género musical de música electrónica que se caracteriza por el compás de 4/4, cuyos tiempos (negras) son marcados por un bombo (habitualmente llamado kick o bassdrum), y la consecuente utilización de instrumentos electrónicos, como sintetizadores y samplers. A diferencia de otros géneros como el electro pop, el techno no utiliza la estructura de una canción, sino que es estructurado de manera repetitiva, para maximizar el efecto bailable de la música.

Junto con el house, que es semejante al techno en muchos aspectos pero generalmente más lento y con mayor influencia del funk, el techno es uno de los estilos de música electrónica más populares. Su origen generalmente se lo ubica en Detroit a mediados de los años 80, aunque los antecedentes se pueden remontar hasta fines de los años 60.

Sus primeros antecedentes: 1978-1995

Si hay algo en que basarse sobre los comienzos del ajetreo, hay que transportarse varias décadas atrás, en los comienzos de uno de los grupos pioneros de la música electrónica actual: Kraftwerk. Ellos comenzaron a producir durante fines de los '60 y comienzos de los '70, basándose en la búsqueda de las simbiosis perfecta entre el hombre y la máquina, siendo su cuarto álbum Autobahn (1974) el que los catapultaría a la popularidad. Este LP contiene los primeros antecedentes del electropop, una de las derivaciones fundamentales de la furtiva música electrónica. Otras producciones como Man Machine (1978) y Computer World (1981) exhibían las primeras sonoridades minimalistas que se tiene en conocimiento dentro de la música popular, siendo éstos los elementos fundamentales para lo que se viene en aquellos mismos años, pero fuera de Europa.

En 1978, un programa nocturno de la radio WPUP-U FM en Detroit, EE. UU., llamado Midnight Funk Association, conducido por Charles Johnson (alias The Electrifying Mojo), sirvió de fuente de inspiración para los productores locales Derrick May, Kevin Saunderson y Juan Atkins, quienes en aquel entonces eran estudiantes del Belleville High School (de ahí viene el apodo de grupo de aquel entonces: The Belleville Three). Ellos realizaron los primeros experimentos electrónicos en aquella ciudad, exhibiéndolas primordialmente en fiestas colegiales y universitarias, dando como resultado una pronta consolidación de una nueva escena local. Es precisamente Juan Atkins quien publica en 1984 producciones bajo el nombre de Cybotron, como el legendario Techno City. Poco después sería entrevistado para la revista inglesa The Face, donde se le consulta cual es el ajuste musical de Cybotron. Atkins contesta: «Call it techno» (‘llamadle techno’). Así es como ésta experimentación musical llega a tener este nombre como el definitivo.

Ya en fines de los ochenta, los mismos Derrick May y Kevin Saunderson se basan en la escena house de Chicago para realizar sus producciones —influenciados supuestamente por producciones de Farley "Jackmaster Funk" como House Nation (1986)— siendo esta la ocasión en que el Techno empieza a adquirir la línea de beats 4x4 (antes, el Techno tenía más parentezco con el Electro de Afrika Bambaataa).

Llegada del techno a Europa y su evolución [editar]A fines de los años ochenta, este género se empezó a popularizar en Europa, gracias al lanzamiento de la compilación Techno!, The New Dance Sound Of Detroit (Virgin Records Reino Unido, 1988) primero en Gran Bretaña y después en el resto de aquel continente. Una de las primeras ciudades en Europa en llegar el techno es Fráncfort, en el sur de Alemania.

Es allí donde surge primero el Techno Hardcore, de la mano del alemán Marc Acardipane (alias Mescallinum United, DJ Bubbi, Marshall Masters, proyectos) en 1990, con el tema Reflections Of 2017 (Planet Core Productions).

Después vendría el turno de Paul Elstak (alias DJ Paul), quien logra patentar su estilo en Holanda, específicamente en Rótterdam. Es allí cuando él crea el sello Rotterdam Records en 1992 y lanza junto con su grupo Euromasters el tema Alle Naar De Kl-Te (1992). En definitiva, ellos serían los creadores de la escena del Gabber (más que nada, un termino de subcultura).

El Gabber (o Gabba) en definitiva es el principal concepto que consolida la escena techno en Europa.

Gran Bretaña crea su propia escena [editar]Tres acontecimientos se da con el techno en Gran Bretaña, aunque se distan en cierta medida uno del otro tanto en estructuras como en concepto musical: el Acid Techno, el Intelligent Techno (IDM) y el Experimental Techno.

El primero surge como una respuesta al ya desaparecido Acid House alrededor de 1991 y 1992, y se desarrolló específicamente en Londres durante el desarrollo de las llamadas Squat Party (o Free Party, antecedente primordial del concepto de Rave). Con las mismas estructuras del techno, la diferencia está en los sonidos sintetizados que se utilizan y que son creadas con maquinas como el otrora sintetizador Roland TB-303, dando un resultado potente de ambientes ácidos.

El segundo tal vez no es un concepto de techno puramente tal, pero de todas formas tiene mucho que ver con este género: los primeros indicios del furtivo Intelligent Techno (o IDM, Intelligent Dance Music). Un concepto que si bien tiene mucho de Ambient, tiene influencias directas de las producciones techno «cósmicas» de Carl Craig y de Derrick May. Los primeros en imponer este nuevo sonido son Musicology, Redcell y B12 (Principalmente el primero, con su álbum homónimo lanzado por B12 en 1991). Pero la popularidad del subgénero en el país británico se da gracias a las producciones incluidas en el compilado Artificial Intelligence lanzado por el sello Warp Records en 1992, donde incluían tracks de Musicology y Redcell, pero también artistas de la talla de Autechre, Speedy J o de Polygon Window. Estos y otros artistas como LFO, Future Sound of London, Atom Hearth, Orbital, Seefel o The Black Dog serían los primeros en imponer los primeros tópicos de este nuevo concepto musical. Uno de los primeros sellos en surgir con esta nueva tendencia es el Rephlex Records. Pero no sería hasta 1994, cuando se lanza el segundo Artificial Intelligence, que se define el IDM o Intelligent Techno (algunos hasta lo llaman Experimental Techno) como el nombre de esta nueva forma de música electrónica.

Y el tercero surge en las ideas experimentales del DJ y Productor anglo-chileno Cristian Vogel, quien en 1991 empieza a pinchar discos con el género en la ciudad de Brighton, logrando crear una pequeña escena local resultado del montaje de fiestas ilegales, y quien produce EPs del corte de Infra (Magnetic North, 1993). No pasaría mucho tiempo para que aparezcan más adeptos a esta movida, los cuales más adelante se convertirían en referentes de esta corriente vanguardista: Neil Landstrumm, Dave Tarrida, Andrew Weatherall, Oval, Pan Sonic (otrora Panasonic), Si Begg y varios otros. El Experimental es el resultado de algo parecido al anterior concepto, pero con la diferencia de que existe más énfasis en los típicos beats 4x4 del techno.

Alemania, cuna del techno en Europa [editar]Alemania es el centro de la movida techno en Europa. Es allí donde se ha creado los más diversos conceptos: el anteriormente señalado Hardcore Techno y el Schranz en Fráncfort. Alemania es también el primer país europeo en crear medios de difusión para el techno, ya que el 14 de Diciembre de 1991 nace la Rave Mayday en Dortmund, un nuevo concepto de fiesta que llegaría a ser uno de los primeros eventos en promover el techno en Europa, junto con la Loveparade de Berlín. También en Alemania se crea las primeras revistas especializadas en techno, como la Frontpage, el Raveline, el TenDance, el Partysan, entre otros (aunque varias de estas, como la misma Raveline, son medios de difusión más pluralistas en cuanto a difusión de la música electrónica.

Y en Alemania también es el país donde se ha creado muchos de los primeros sellos discográficos en distribuir las primeras producciones techno europeas. Tales son los casos de Eye Q , sello creado en 1992 por el legendario Sven Väth, o también Frankfurt Beat Productions. En Berlín, el mìtico club Tresor tenía su propio sello, donde se pasaba producciones «tecnoides» de Jeff Mills, Daniel Bell y Joey Beltram. Otros sellos: Noom Records y Superstition Records.

Desarrollo posterior del techno en EE. UU. [editar]Mientras en Europa se daba un desarrollo substantivo del techno (como ya dijimos, gracias a la buena cantidad de conceptos musicales que se crearon allá), en EE. UU. (principalmente en su cuna, Detroit) aun el género se desarrollaba de manera underground, aunque surgía uno de los sellos más importantes en la promoción del techno a nivel mundial: Underground Resistance, fundado por Jeff Mills y Mike Banks en 1989. Gracias a este sello, las producciones techno estadounidenses se hacían cada vez más populares en Europa, por consiguiente, algunos de sus artistas obtuvieron sus primeras residencias en el viejo continente (caso ejemplar: Jeff Mills en Berlín).

Años más tarde, en 1994 (también en Detroit) se crea un nuevo concepto musical: Minimal Techno, creado por el productor Robert Hood (gracias a las producciones de su álbum Minimal Nation lanzado en el mismo año). Al mismo tiempo, Terrence Dixon lanza su sello Utensil Records, así como también aparece artistas importantes como el canadiense Richie Hawtin, oriundo de Oxfordshire, Ontario.

También en 1994 se crea el concepto del Ghettotech también en Detroit, que es la fusión entre el Miami Bass, el Hip Hop, el Electro y el Ghetto House de Chicago.

En el mismo año, ahora en Nueva York, se produce un nuevo acontecimiento con una transformación a la derivación europea del Hardcore Techno: el surgimiento del llamado Speedcore, patentado por el trío neoyorkino Disciples of Annihilation (D.O.A.) con el tema Industrial Power 9D4 lanzado por el sello Industrial Strength Records en 1994. Un concepto con el que se creó una nueva escena electrónica en Nueva York, pero que no demoraría mucho en llegar a Europa.

Comercialización [editar]Debido al éxito del techno (fundamentalmente en Europa), la industria comercial de la música se interesó en beneficiarse con ello. Se lanzaron temas como Dass Boot de U 96 (1991), James Brown Is Dead de L.A. Style y también Don't You Want Me de Felix (1992), las cuales fueron las primeras de una secuencia de producciones que se lanzaban como producciones tipo «techno comercial». Así es como se empieza a crear diversos tipos de géneros para el consumo de las masas avidas de ritmos arrabaleros y digeribles. Es así como una mezcla entre el Hip House, el Pop y el Techno, se deriva el concepto del Eurobeat, patentado primordialmente por 2 Unlimited y también por Culture Beat. Cerca de 1994 se crean las primeras producciones de trance más comerciales, que también se dieron gracias a las sonoridades del techno. Era también el comienzo de los Charts, de los rankings de temas musicales, de la maquinaria del marketing musical. Tal era la tentación que incluso algunos sellos empezaron a lanzar compilaciones ocupando el término techno (siendo que aquellas producciones no eran techno como tal):uno de esos casos se da en la compilación Techno is Cool (1995), quea pesar de todo tuvo mucho éxito en los Charts europeos de música.

Internacionalización Si bien el techno tuvo un éxito rotundo de adhesión principalmente en Europa Occidental y en EE. UU., a partir de 1992 gradualmente se da el salto al mundo entero. En Europa Oriental, el Techno y los Housepartys se convirtieron en un símbolo para el nuevo capitalismo y una nueva clase de entretenimiento, accesibles solo para la clase alta. En Sudamérica (particularmente en Argentina, Perú y Brasil) alrededor de 1990 se dan los primeros eventos techno en las ciudades más importantes, aunque una escena techno como tal recién se da alrededor de 1996. El interés por este género musical ha acrecentado progresivamente con el tiempo en este lado del Mundo.

También en Japón comienza a dar los primeros pasos de una escena techno que, aunque tuvo un desarrollo lentamente progresivo, es cada vez más influyente. Los productores japoneses se interesan particularmente en realizar fusiones entre el techno y otros géneros (ejemplo: Towa Tei), dentro de los cuales sin embargo también se da un fenómeno parecido a lo del Eurobeat: el Jpop, un género de música electrónica netamente comercial.

Gracias a eventos como la Love Parade en Alemania o la Street Parade en Suiza, después de sus creaciones llevaron a cabo en mediados de los '90 la organización de sus paradas en diversas metrópolis del mundo, han contribuido para hacer del techno un fenómeno global de crecimiento progresivo. Aunque gran parte de África y de Asia del Sur (continente más adepto al Goa trance) forman una excepción de ello, así como también el mundo árabe, donde el techno por razones culturales tiene muchas dificultades para ser manifestado.

Inicios de otras escenas techno en Europa [editar]Si bien Alemania y Holanda son los primeros países en patentar el techno en Europa, ya casi a la vez el techno también llega a diferentes partes del continente y justamente tienen sus propias evoluciones. Por ejemplo en Italia, el techno llega en 1993 y justamente se da dos escenas diferentes, una en Reggio Emilia y otra en Nápoles. La primera comienza gracias a gente como DJ Cerla, Davide Riva o Larry Pignagnoli. Aunque no eran techno en esencia pura, sus producciones se basaron en el género musical, aunque con una línea más Happy Hardcore (concepto de Hardcore Techno). La segunda, en cambio, surge gracias a gente de la talla de Rino Cerrone (quien posteriormente, en 1994, crea el proyecto QMen), Gaetano Parisio también conocido como Gaetek, Davide Squillace, Marco Carola y Random Noize. Una escena underground más consolidada donde sí se producía techno de corte más puro.

Algo así también se da en España, donde en las ciudades de Valencia y de Barcelona se originan las primeras escenas Techno en comienzos de los '90, aunque también con diferencias parecidas a la escena italiana. En aquellas mismas ciudades se dan los primeros sonidos del denominado Makina, aproximadamente en 1989-1990. Así como también en Valencia emerge el primer grupo que produce techno de corte puro: Megabeat, proyecto que comenzó en 1990 con gente como Gani Manero, Julio Nexus y Fran Lenaers, y que tuvieron éxito gracias las producciones Strange (bajo el nombre de Interfront, disco Invisible 01) y, un mes después, con Es Imposible, No Puede Ser en Invisible 02.

Aproximadamente en 1994, tras la caída del comunismo y la división de la antigua Yugoslavia, Eslovenia ha pasado de ser un país sin una escena importante a jugar un papel muy importante en el panorama electrónico europeo y en concreto dentro del techno. Ljubljana, es el núcleo de actividad más importante. Pionero del género en aquel país es el connotado DJ y productor Uros Umek. Aunque también los antiguos países Yugoslavostienen muchos otros nombres para tener en cuenta: Valentino Kanzyani y Marko Nastic (aunque es serbio, pero le une la amistad con los anteriormente mencionados).

En Suecia, el techno llega a principios de los '90. DJs como Adam Beyer o Cari Lekebusch fueron los primeros en mezclar el estilo en aquel país, aunque no sería Jesper Dahlbäck quien crearía la primera génesis de la escena sueca del techno principalmente en Estocolmo, fundando en 1993 el Globe Studios junto a Peter Benisch y Adam Beyer, un pequeño estudio de grabación casero donde también llegó a unirse unos años más tarde otro grande de la escena sueca como Joel Mull. Posteriormente, Adam Beyer elaboraría su propio sello: Drumcode (1996) donde acogería a gente de la talla del mismo Joel Mull, Tomas Krome, Lenk o Henrik B.

Que es la Música New Age o Música Espiritual?

La música New Age se extiende desde el Easy Listening a la música meditacional o la música espiritual. Tiene tanto de música como casi de filosofía vital. Usando la electrónica, instrumentos occidentales así como no occidentales, y el acompañamiento vocal, los músicos New Age crearon sonidos subordinados como un contrapunto a la velocidad de la vida moderna. Aspirando a la curación espiritual o a la trascendencia, los músicos New Age a menudo toman prestados elementos de la música no occidental – tal como la filosofía New Age adopta partes de filosofía no occidental. 

El movimiento cristalizó en los años 80, más notablemente por artistas en el sello Windham Hill, como el pianista George Winston y el guitarrista William Ackerman. La expansión del New Age sigue imbatible a través de programas de radio especializados y demás canales de transmisión.

Un gran porcentaje de la música Nueva Era es instrumental, y electrónica, aunque los arreglos vocales también son comunes. Enya, que ganó un Grammy por su música neoerista, canta en una variedad de lenguas, incluyendo el latín y en gaélico, en muchos de sus trabajos. 

Medwyn Goodall, no tan ampliamente conocido, confía principalmente en efectos de teclado electrónico, e incluye la guitarra acústica. Comprender esta categoría musical puede ayudar a arrojar luz sobre la perspectiva de la Nueva Era.

Al parecer, esta música tiene sus raíces en la década de 1970s en los trabajos grupales del jazz de forma libre que grababa bajo la etiqueta ECM como Oregon, the Paul Winter Group, y otras bandas preambiente; así como en ejecutadores "ambiente" como Brian Eno.

La música considerada Nueva Era suele tener una visión de un mejor futuro, expresa el aprecio por la bondad y la belleza, incluso una anticipación, relevante para ciertos acontecimientos. Raramente la música de la Nueva Era se detiene en un problema de este mundo o sus habitantes; en cambio, ofrece una visión pacífica de un mundo mejor. Frecuentemente la música es 'celestial', cuando el título habla de las estrellas o las exploraciones en el espacio profundo. 

Ennio Morricone escribió la banda sonora de la película Mission to Mars, y mientras se muestran los créditos podemos oír a All the Friends, un estilo orquestal de Nueva Era. Si bien es cierto que existen compositores meritorios de este tipo de música: Andreas Wollenweider, Kitaro, Vangelis, Enigma Era, Eloy Fritsch, la mencionada Enya, o los grupos Popol Vuh, Cocteau Twins, Arco Iris,Tangerine Dream y Angels of Venice que ofrecen propuestas bastante más elaboradas que la mayoría de la música, más que realizada, fabricada, a finales del siglo XX y en el primer lustro del presente siglo.

En los títulos de las canciones los artistas intentan transmitir su versión de la verdad en muy pocas palabras. Cuando se escucha la música, uno puede entender la idea del título. Ejemplos de títulos son: "Enlace de unión", "Yermo dulce", "Animus anima", etc.

Qué es la Música ?

La música ha sido compañera del ser humano desde los comienzos de su historia. Se especula que los comienzos de su historia tiene relación con la imitación de los sonidos de la naturaleza, como el canto de las aves y también de la naturaleza interna del ser humano, por ejemplo el ritmo natural de los latidos del corazón; las últimas teorías concernientes a los comienzos del arte le dan muchísima importancia a este último punto (formas percibidas internamente), refiriéndose a estas influencias como "entópicas", y relacionándolas fuertemente con el quehacer de los chamanes y sus experiencias internas.

Por increíble que parezca, los últimos hallazgos confirman que los conceptos de la armonía (varías notas tocadas a la vez) ya se encontraban presentes en la música prehistórica (por ejemplo la música encontrada en escritura cuneiforme con data de más de 4.000 años en la ciudad da Ur, en Mesopotamia la incorporaba). Durante la prehistoria la música formaba parte de celebraciones y rituales, lo que no difiere mucho de los usos que se le da hoy en día. De hecho, nuestro sistema nervioso es prácticamente el mismo, por lo que aquello que emociona al ser humano es de naturaleza universal.

Las teorías de los antiguos filósofos griegos concuerdan con las especulaciones de los eruditos en la época medieval, definiendo a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal (melodías) y vertical (armonía). Este orden o estructura que deben tener un grupo de sonidos para ser llamados música esta por ejemplo presente en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo a la última como "música congelada". La mayoría coincide en el aspecto de la estructura, pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable. Para comprender el desarrollo de esta maravillosa forma de arte, exploraremos su evolución en occidente, tanto en su tradición clásica o docta y sus formas populares.

A medida que la cultura se fue desarrollando, algunas formas musicales fueron siendo dominantes, para terminar caracterizando la música de una época determinada. Es asi como de las formas prehistóricas de la música llegamos a la música medieval, a partir del año 476 (caída del imperio romano) hasta el año 1450 (el Renacimiento). La forma más popular en esta época son los famosos cantos gregorianos, solos monofónicos interpretados tradicionalmente por monjes, que incluso gozan de gran popularidad como música cristiana hasta el día de hoy por sus cautivantes y repetitivas melodías que inspiran un aire místico.

Con la llegada del Renacimiento, entre 1450 y el año 1600, se hace común una instrumentación más compleja y se introduce el concepto del bajo como base. Uno de los instrumentos destacados de la época es la viola da gamba (viola de piernas), que siguió siendo utilizada hasta el barroco; este tipo de viola no es como la perteneciente a la familia de los violines (cuyo nombre en realidad es viola da braccio o de brazo), sino que es algo así como una mezcla entre una guitarra (tiene trastes o separaciones) y un violonchelo. Este instrumento se fabricaba en varios tamaños, siendo el bajo el más popular, inmortalizado en la actualidad con la película "Todas las Mañanas del Mundo", sobre el uso de este instrumento en las cortes de Francia.

Luego, entre el año 1600 y 1750 llegamos al barroco, en donde se refina la estructura y sobretodo los "adornos" interpretativos de la música. Es en esta era en donde se populariza y se afianza la opera como forma musical. El órgano a tubos y el clavecín eran norma en los teclados de la época, y las antiguas violas da gamba fueron reemplazadas por los instrumentos de la familia del violín, con un sonido más potente, apto para salones y presentaciones de mayor envergadura. Los músicos destacados son J.S.Bach (como no mencionar su Arte de la Fuga, las Partitas para Violín solo y la Pasión Según San Mateo), George Friederich Händel, Antonio Vivaldi (popular hasta hoy con sus cuatro estaciones) y Claudio Monteverdi.

Avanzando por la línea del tiempo llegamos al período clásico, y en este punto conviene detenernos y aclarar un importante concepto: ¿Qué es la música clásica? Estrictamente, corresponde a la música docta compuesta entre 1730 y 1820, pero el uso común y también aceptado de este nombre es para toda la música docta del barroco en adelante, incluso hasta nuestros días con las composiciones de músicos doctos contemporáneos (por ejemplo John Williams, que lo podemos reconocer en su inolvidable sound track para la Guerra de Las Galaxias, realmente espectacular). En el período clásico (1730-1820) se establecieron muchas convenciones en cuanto e estilo y forma, y en cuanto a los instrumentos utilizados, destaca el favorecimiento del piano (cuyo nombre completo es "piano forte") frente al clavecín. Los músicos infaltables de esta época son Ludwig van Beethoven (en su primera etapa de composiciones) y Wolfgang Amadeus Mozart. Además destacan Joseph Haydn y Muzio Clementi.

Durante el período romántico, entre 1815 y 1910, se definieron con precisión los cánones y técnicas de interpretación, y se formalizaron instituciones para la enseñanza y diseminación de la música por Europa. Para los compositores del período, lo importante era emplear la emoción, los sentimientos y la intuición para expresar las verdades más profundas. Entre los compositores tenemos a Franz Schubert, a Rossini, al increíble pianista Franz Liszt, a Felix Mendelssohn, a Chopin y a Berlioz. Toda una estirpe de impresionante música. Además están Robert Schumann, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, y para los amantes del violín tenemos al mayor prodigio de todos los tiempos, a Niccolo Paganini; tal era la habilidad de este violinista, que se pensaba estaba poseído por fuerzas sobrehumanas.

La música moderna, entre 1905 y 1985, es una consecuencia de la crisis y el rompimiento de los valores tradicionales en las artes, tendencia global caracterizada por la fe en el progreso y la ciencia; la idea es básicamente romper los moldes antiguos y comenzar algo nuevo. La verdad es que la música clásica o docta de este punto en adelante no es tan accesible como la de épocas anteriores, por su aire abstracto y más intelectual. Nombres que podrían sonar al auditor actual son los de Arnold Schoenberg, Igor Stravinsky (cuya Consagración de la Primavera es bastante popular), Alan Berg y Bela Bartók..

Por último, en lo que es la música docta llegamos a lo que se conoce como música contemporánea, del siglo XX a la actualidad. Como mencionamos, el público general se inclina por los períodos barroco al romántico, por ser más accesibles y "agradables" a la audición. Afortunadamente, como en realidad la buena música nunca pasa de moda podremos disfrutar siempre de recreaciones de las composiciones de estos tiempos pasados.

Ahora, delinearemos a grandes rasgos el género no docto o popular, aunque la distinción entre ambos no es fácil y la verdad es que la división es más bien con fines de clasificación y estudio, pero la música es una. Nuevamente debemos hacer una distinción, ya que por música popular nos referimos al subgénero del "pop" y también a todos los estilos musicales de tipo más accesible al público en general.

En cuanto al subgénero del pop, aunque siempre ha estado presente en todas las culturas, es en la época más reciente donde se habla de la música pop propiamente tal, masificada por los avances en los medios de comunicación y la reciente globalización. El pop tiene sus raíces en la música folk (estilo moderno con influencias folclóricas tradicionales, como en el caso de Bob Dylan) y la cultura negra; esto sumando a la moda o las tendencias de una época, traducido en melodías simples y pegajosas nos dan como resultado el pop. Destacan para el género en orden cronológico Frank Sinatra, Los Beatles, Carole King, Neil Diamond, Steve Wonder, los Beach Boys, los BeeGees, Billy Joel, Elton John, los Eagles, Michael Jackson, Madonna (por supuesto), Abba y The Police. Los fenómenos más recientes son las Spice girls, los New Kids on the Block, Backstreet Boys, y Britney Spears, todo un icono para las adolescentes.

Un género de música popular que ha tenido importantes influencias en el pop, el jazz y el rock, son los Blues, cuyas raíces se encuentran en los ritmos africanos y las melodías de los "Spirituals" Afro-americanos. No podemos dejar de mencionar a Robert johnson (icono de los Delta Blues, originarios de Misisipi) y a B.B.King, ambos dotados guitarristas. Para los más fanáticos se recomienda la película "Encrucijada" o en inglés "Crossroads", con la música de Johnson y las interpretaciones del guitarrista contemporáneo Steve Vai.

Por otro lado tenemos al jazz, también de raíces africano americanas, considerado la primera forma original de arte desarrollada en los Estados Unidos. Sus características son es uso de notas sincopadas, el "swing" y la improvisación. Puedes encontrar un artículo especialmente dedicado a esta forma en nuestro sitio.

El rock and roll, que aprovechó aportes de todos los géneros mencionados anteriormente fue una verdadera revolución en su época, y cuyos ritmos y variaciones actuales son conocidos simplemente como rock. Se debate sobre la primera grabación "pura" de este género, pero en sus inicio es indiscutible que destacan Bill Halley y sus cometas, el legendario Elvis Presley, Chuck Berry y Little Richard.

Uno de los géneros populares más actuales corresponde a la música electrónica, que tiene sus inicios ligados a el desarrollo del sintetizador, un instrumento que permite la generación de sonidos electrónicos, brindando alternativas más allá de los instrumentos tradicionales. En la década de 1970, músicos como Jean Michel Jarre y Kitaro sentaron las báses para la electrónica de hoy en día, y otros subgéneros como el New Age, por ejemplo. Destaca esta forma orientada al baile en sus versiones como el Tecno, Trance y House.

En la actualidad la pasión por la música en el ser humano ha sido avivada aún más por medio de una serie de innovaciones tecnológicas. Sin mencionar a los dispositivos de reproducción, la tecnología de almacenamiento ha sufrido una increíble revolución con el desarrollo de la computación y en particular el formato Mp3, que se ha masificado permitiendo a los individuos guardar en computadoras y dispositivos especializados una gran cantidad de obras musicales. Nunca en la historia fue tan fácilmente accesible el arte musical de todos los tiempos para una persona; los efectos de este fenómeno están aún por verse, y es mucho lo que se especula.

Como hemos podido apreciar en este recorrido por el apasionante mundo de la música, esta siempre ha estado con nosotros y lo seguirá estando, ya que es parte inseparable de lo que somos como seres humanos. Además hemos visto que por un lado es atemporal, siempre vigente y válida, y además una representación fidedigna de épocas y sentimientos particulares de la historia.

Que es el Rock?

Rock es un vocablo inglés que hace referencia a un género musical de ritmo  muy marcado, nacido a partir de la fusión de varios estilos del folclore estadounidense y popularizado desde de la década de 1950.

El concepto original mencionaba al rock and roll como la mezcla del blues, el rhythm and blues, el country y otros estilos.

En la actualidad, suele utilizarse el término rock para nombrar a los estilos modernos derivados del rock and roll, quedando éste último concepto para designar al ritmo original que surgió en los ’50.

Entre los muchos subgéneros que han nacido o que han tenido como origen el rock podríamos destacar el jazz rock, el rock progresivo, el punk rock, el heavy metal, el blues rock, el country rock o el folk rock.

Este último estilo se atribuye su creación a uno de los artistas más alabados del siglo XX. 

Nos estamos refiriendo al estadounidense Bob Dylan, que es conocido por canciones tales como “The Times They Are a-Changin” o “Beyond Here Lies Nothin´”.

El músico y cantante Elvis Presley (1935-1977) es considerado el Rey del Rock y uno de sus pioneros. Elvis se convirtió en un ícono de este estilo musical gracias a sus bailes, su vestimenta y su capacidad vocal.

La banda más importante del rock, en cambio, surgió en Inglaterra: The Beatles. Fue formada en 1960 por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.

No obstante, existen otros muchos artistas que se consideran figuras míticas dentro del rock, en toda su extensión y vertientes. Este sería el caso de los siguientes grupos:

The Doors. En la década de los años 60 apareció en escena esta formación estadounidense que está catalogada como una de las bandas más influyentes e importantes dentro del rock. 

Así lo demuestra el hecho de que ha conseguido vender más de 100 millones de discos en todo el mundo.

Pink Floyd. Grupo clave dentro del llamado rock británico es este que ha vendido más de 300 millones de álbumes entre los que han destacado los titulados “The Dark Side of the Moon” o “Animals”.

Queen. Mítica dentro del panorama musical internacional es esta banda que apareció en la década de los años 70 y que convirtió a su líder, Freddie Mercury, en un auténtico icono.

The Rolling Stones. Una de las formaciones musicales de rock más importantes dentro de la historia y que aún sigue en activo es esta de la que forman parte Mick Jagger o Keith Richards.

El rock siempre se asoció a la rebeldía  y al ímpetu juvenil. En sus orígenes, de todas formas, aparecía más asociado a su tempo elevado, la amplificación de las guitarras y los bailes. 

Con el tiempo, se empezó a hablar una cultura rock, con sus propios ideales y principios más allá de la música.

Hay quienes consideran que el rock debe ser un movimiento que se enfrenta al sistema desde las actitudes de sus intérpretes y las letras de sus canciones.

Para otros, en cambio, el rock no es más que un estilo que forma parte de la industria musical.

Existe conexión entre El Rock y el Satanismo?

La conexión entre la música rock y el satanismo es un fenómeno complejo de orden artístico-cultural, religioso y socio-político que involucra tres áreas de análisis principales:

1) Artistas del rock e industria musical: contenido lírico satánico (explícito o subliminal) en el material artístico, manifestación pública u ocultamiento de ideas satanistas, conductas y modos de vida relacionados con las diversas corrientes del satanismo e involucramiento de la industria musical en el asunto.

2) Público consumidor: Opiniones, reacciones y conductas de los aficionados, seguidores y fans de la música rock con respecto al satanismo.

3) Sociedad y autoridades: Opiniones, reacciones y conductas de la sociedad y de las autoridades públicas con respecto al satanismo y a su relación con el rock. De parte de las autoridades, las políticas públicas pueden ir encaminadas hacia la aprobación o la censura, mientras que los órganos legislativos tienen a su cargo la normatividad al respecto.

Cabe apuntar que el satanismo no es una doctrina única y establecida, sino que implica diversas corrientes filosóficas, cultos, grupos sociales, sectas y manifestaciones religiosas, muchas veces en desacuerdo entre sí, por lo que no necesariamente todos los músicos de rock relacionados con el satanismo se agrupan bajo una sola creencia ni comparten las mismas ideas, opiniones o ritos.

Por otro lado, para evitar confusiones, es importante distinguir entre:

Músicos de rock que profesan y practican el satanismo, ya sea públicamente o en secreto.

Músicos de rock que utilizan el satanismo como estrategia publicitaria pero que no necesariamente lo profesan o lo practican.

Músicos de rock relacionados con el ocultismo, la magia, la alquimia, el hermetismo, el paganismo, el luciferismo o la wicca. Estas doctrinas y prácticas no necesariamente están relacionadas con el satanismo, incluso algunos de sus seguidores y practicantes se han manifestado en contra de éste.

Músicos de rock anticristianos, ateos, agnósticos o irreligiosos que no están relacionados con el satanismo.

Precedentes:

Las relaciones entre el rock y el satanismo se remontan a las raíces del género y a los orígenes del rock and roll como género (en los 50s); así, ya en el campo del blues, precedente más directo de la música rock, se recoge la popular leyenda que relata el encuentro del intérprete Robert Johnson quien habría vendido su alma al Diablo en el cruce de la autopista 61 con la 49 en Clarksdale, (Misisipi), a cambio de interpretar el blues mejor que nadie [cita requerida]. La leyenda tiene su reflejo en su tema "Me and the Devil Blues"; este tipo de imaginería influiría más tarde en bandas posteriores de hard rock como Led Zeppelin.

Asimismo, posteriormente, los artistas Elvis Presley y Jerry Lee Lewis fueron acusados por sectores de la Iglesia, de promover el satanismo a través de su música, debido a la pronunciada sexualidad que se podía apreciar en ella, y la amenaza para la moral tradicional que ello suponía.

La imaginería satánica:

La utilización de imaginería de tipo satánica y ocultista en el rock se fue incrementando a finales de la década de los años sesenta, como consecuencia del creciente interés por el ocultismo y otras creencias que se anteponían a las convenciones sociales, facilitó el nacimiento del movimiento hippie. The Rolling Stones como un ejemplo, publicaron el álbum titulado Their Satanic Majesties Request ("El requerimiento de sus satánicas majestades") y posteriormente su clásico tema Sympathy for the Devil ("la palabra sympathy tiene dos significados: simpatía y compasión, por lo que este título se convierte en juego de palabras que causa confusión"), perteneciente al álbum "Beggars Banquet"; cobraron gran trascendencia los sucesos ocurridos en el festival de Altamont, en el cual un fan fallecería durante la interpretación de este último tema a manos de los ángeles del infierno.

Más aún al respecto, la portada del álbum de la banda británica The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" muestra, entre un amplio elenco de personajes, la fotografía de Aleister Crowley, uno de los ocultistas ingleses más representativos del siglo XX. Más tarde, en el seno del grupo Led Zeppelin, se dio un ferviente interés en la figura del citado Aleister Crowley, personaje por el que el guitarrista de la banda, Jimmy Page, cultivó una creciente admiración, llegando a adquirir su mansión y diversos objetos pertenecientes al popular hechicero. Sin embargo, sería la banda inglesa de heavy metal Black Sabbath una de las que más explotaría la imaginería de tipo Satánico y ocultista en sus letras, en el diseño de sus álbumes y en su actitud. Sobre la banda pesaba la leyenda en torno a la portada de su homónimo primer álbum, en el cual aparecía una misteriosa figura femenina de la cual se afirmaba que no estaba presente al momento de ser tomada la fotografía. Así mismo, en la portada de su disco "Sabbath Bloody Sabbath" entre otros símbolos aparece el "666" (la marca de la Bestia según la Biblia Cristiana). Este tipo de estética continuaría durante toda la carrera del grupo, y discos posteriores como "Heaven and Hell", incluían portadas sugerentes y provocativas.

 

Una supuesta maldición pesaba sobre el grupo, motivo por el cual portaban en todo momento unas voluminosas cruces metálicas, fabricadas por el padre del vocalista del grupo, Ozzy Osbourne, las cuales les acompañaron durante su carrera;el vocalista sería bautizado posteriormente por la comunidad fanática como el “Príncipe de las Tinieblas”.

El satanismo de Black Sabbath es más que discutible, basta con prestar atención al contenido cristiano de las letras de las canciones After Forever y Lord of this World, del disco Master of Reality; lo cual relevaría el uso de imaginería satánica a mero marketing.

De igual manera, el disco Hotel California, de The Eagles mostraba en su portada un edificio, que en su momento fue supuestamente identificado como la sede de la Iglesia de Satán de Anton LaVey, un movimiento conocido por hace hincapié en un aspecto filosófico del satanismo.

Otra banda que se sirvió de la temática satánica dentro de la historia del rock fue la banda de heavy metal, Iron Maiden, la cual encabezaría la conocida nueva ola del heavy metal Británico, conocida como NWOBHM, con el disco titulado "The Number of the Beast" en (1982), el cual incluía el tema del mismo título, un corte que se convertiría en su canción más emblemática, y que hacía referencia a la famosa marca de la bestia. Un año más tarde, el grupo de hard rock y glam metal, Motley Crüe se serviría también del pentagrama invertido (un símbolo tradicionalmente satánico), en la portada de su álbum de 1983 "Shout at the Devil" ("Grítale al diablo").

Este tipo de referencias se convirtieron en habituales en otros muchos grupos, y en concreto en el campo del heavy metal se volvieron una temática recurrente, incidiendo en su aspecto más fantástico, y apartándose del interés suscitado en los años 60 por el ocultismo como creencia o filosofía alternativa a lo convencional.

El "Backmasking" y las críticas conservadoras:

Uno de los pilares del rock & roll de los sesentas (“The Beatles”) había sido acusado de incluir mensajes satánicos en el tema "Revolution 9" perteneciente al denominado "Álbum blanco", mensajes que habrían sido de tipo subliminal, grabados para ser escuchados al revés mediante la técnica conocida como "Backmasking". Así mismo Charles Manson luego de los asesinatos que realizó señaló que había sido inducido por el tema Helter Skelter, del mencionado álbum blanco de The Beatles, acrecentando la especulación en torno a supuestos mensajes ocultos en las canciones del género. Muy posteriormente, Brian Hugh Warner, tomaría parte de su nombre artístico del apellido del popular asesino junto con el nombre de Marilyn Monroe, formando el nombre de Marilyn Manson, el cual según el propio artista, formaba su particular Yin y Yang.

En relación a estos supuestos significados ocultos, y al "Backmasking" en particular, cobraron posteriormente una especial popularidad, los comentarios en torno al tema Stairway to Heaven, del grupo Led Zeppelin, tema del que se decía que, al pincharlo en sentido inverso, se escuchaban claramente textos y frases completas relativas al diablo o de temática satánica. Más tarde, en 1990, el grupo británico de heavy metal, Judas Priest se enfrentó a un juicio en Nevada, EE.UU., del que salieron absueltos, debido al suicidio de dos de sus fans, según la acusación por un supuesto mensaje oculto mediante la citada técnica del Backmasking en el tema "Better By You, Better Than Me", perteneciente a su álbum de 1978, Stained Class (según familiares de las víctimas, al encontrar los cadáveres de los fanáticos, se apreciaba que se suicidaron mientras escuchaban la clásica canción en su reproductor de sonido).

Muchos de estos rumores se desataron durante la década de los 80, principalmente en Estados Unidos. A ello ayudó la creciente influencia durante esta década, en EEUU, de grupos conservadores y sectores cristiano/evangélicos fundamentalistas que sostuvieron tesis de este tipo. En 1985, Tipper Gore creó el PMRC, (Parents Music Resource Center o Centro de Recursos Musicales de Padres), una entidad encaminada a la persecución de determinadas temáticas o actitudes que consideraban perniciosas en el mundo del rock. Se dio en los EEUU durante la Era Reagan todo un ambiente de crítica de corte conservador a la imaginería usada habitualmente en la música rock. Ello facilitó el crecimiento de diversos rumores, uno de los cuales apuntaba a que el nombre de la banda de hard rock y heavy metal de Nueva York "Kiss" era una sigla satánica, la cual significaria Knights in Satan Service ("Caballeros al servicio de Satanás"), además de que las dos últimas letras en el símbolo de Kiss parecerían ser Rayos, "Signos Satánicos". Además se creyó estaban inspirados en el símbolo de las SS, Servicio Secreto Nazi, aunque después de esto, Gene Simmons, el bajista, vocalísta y líder de la banda, declaró que era muy poco probable, ya que era de ascendencia judía directa. Las puestas en escena con disfraces y maquillajes reforzaban, a juicio de los críticos, el argumento.

Ayudó a alimentar este tipo de rumores, las muertes en circunstancias extrañas de estrellas como el vocalista de AC/DC Bon Scott y John Bonham, baterísta de Led Zeppelin, ambos muertos por causa de abusos de alcohol. Un caso especial es el asesinato de John Lennon, el 8 de diciembre de 1980, a manos de Mark David Chapman. Lennon fue asesinado frente a la puerta de su casa, el célebre edificio Dakota de Nueva York, el cual ya arrastraba una leyenda negra como lugar de encuentros sátánicos a principios del siglo XX, debido a que fue habitado por el mencionado mago Aleister Crowley; a leyenda cobró otros matices al rodar Roman Polanski en su interior el film "Rosemary's Baby"; sufriendo, en 1969, tras estrenar la película, el asesinato de su esposa Sharon Tate, a la sazón embarazada, a manos del ya mencionado Charles Manson.

El black metal:

Mientras que en Estados Unidos se buscaba "limpiar" la industria musical, en Europa surgían bandas donde el satanismo cobraba más importancia líricamente, entre ellas una banda británica llamada Venom. A pesar de que sus primeros álbumes (Welcome to Hell y Black Metal, este último consagrandose como el que le daría el nombre al género) serían considerados musicalmente como thrash metal para los estándares actuales, líricamente el tema de mayor importancia era "la maldad" que incluía el sexo y las drogas, pero cuyo centro de atención eran las prácticas "satánicas" como el sacrificio humano, por ende, Venom es considerado la banda que inició el black metal. Venom, junto a bandas tales como Mercyful Fate y Bathory fueron los precursores del black metal, que en ese entonces se refería a música con letras con contenido satánico (aunque algunos miembros pertenecientes a estos tipos de bandas han declarado que las letras fueron escritas por razones de mera provocación hacia los conservadores) cuya melodía era predominantemente de thrash metal.

El movimiento del black metal se hizo especialmente fuerte en el país de Noruega, donde ahí se desprendió un movimiento distintivo, pero esta vez, era más ideológico y tenía como objetivo imponer una cultura nativista pagana basada en la época de los vikingos. Este movimiento, liderado por la banda Mayhem pero cuyo mayor representante ideológicamente hablando fue Varg Vikernes, provocó una ola de violencia en el país, incluyendo los incendios de múltiples iglesias tanto por los seguidores como algunos músicos de este género. Todo culminó con el asesinato de Euronymous, guitarrista de Mayhem, por parte de Vikernes, y la subsequente condena a prisión de este último.

Este último movimiento fascinó a los medios tanto noruegos como internacionales, al punto de crearse libros como Lords of Chaos: The Bloody Rise of the Satanic Metal Underground y documentales fílmicos como Until The Light Takes Us.

Basta decir que varios músicos de black metal fueron o son practicantes del satanismo, tales como King Diamond y recientemente, Infernus de Gorgoroth.

Glen Benton, vocalista de Deicide se ha marcado una cruz invertida en la frente repetidas veces, se proclamó una vez abiertamente practicante del satanismo tradicional o teísta, fue ordenado sacerdote satánico por Anton LaVey al igual que Marilyn Manson y otros artistas. Muchos le acusan de usar el satanismo para vender. El mismo dijo que a los 33 años se suicidaría, edad en la que crucificaron a Cristo, cosa que luego no hizo. Hubo rumores de que se convirtió al cristianismo en el año 2009.

Sucesos recientes:

Al iniciar la década de 1990, la organización de Parents Music Resource Center ya era prácticamente inexistente, para finales de los 80's esta organización se enfocó más en la censura del rap y el hip-hop. Al establecerse el sticker de Parental Advisory (Aunque voluntario, era necesario para que un álbum con contenido ofensivo pudiese ser almacenado en un lugar apropiado y fuera de la vista de los menores), la PRMC ya no era necesaria. Al mismo tiempo, las bandas de rock (generalmente de glam y hard rock) criticadas por la PRMC iban perdiendo popularidad.

Aunque la banda Marilyn Manson ya existía para 1990 (Y tenía varios incidentes para 1995), no fue sino hasta 1996, con la salida de su segundo álbum Antichrist Superstar que vino la controversia y la subsequente popularidad. Cada fecha del tour Dead to the World recibió protestas de grupos conservadores alrededor del mundo. En ese tour, uno de los momentos más polémicos era cuando Manson rompía una Biblia sobre un estrado, al estilo de un "reverendo" satánico (cabe decir, que Manson es satanista, únicamente busca provocar a conservadores y religiosos, tiene el título de sacerdote en la Iglesia de Satán, el cual le fue conferido por el fundador Anton LaVey).

Denuncias:

Jean-Paul Régimbald es conocido por su denuncia de los mensajes subliminales satanicos en la música rock en uno de sus libros.

Que es Una Ópera Rock?

Una ópera rock es un género de música nacido en el siglo XX el cual combina las voces que habitualmente se utilizan en la ópera, pero con un ritmo diferente a ésta, en su lugar, se le agrega el ritmo de la música rock, o el del heavy metal. Muchas veces este tipo de composiciones difieren de los álbumes de rock convencionales ya que mantienen una temática determinada en la letra de las canciones o recurren a canciones cíclicas.

Este tipo de composiciones fueron ideadas por la banda británica The Who quienes pensaron que en un disco, cada canción no tenía que contar una historia, por lo que idearon una ópera rock, donde todo el disco en completo contaba una historia. Esto dio lugar a Tommy, la primera ópera rock en popularizarse. Pese a esto la primera ópera rock de la historia fue SF Sorrow de los Pretty Things, quienes se adelantaron a los Who al publicar este tipo de discos. Debido a la gran fama de The Who aún muchos siguen creyendo que fue Tommy la primera ópera rock, aunque Pete Townshend reconoce que utilizó algunas ideas de SF Sorrow el proyecto Tommy había nacido mucho antes.

Óperas rock notables

Década de los 60

Gerome Ragni James Rado Galt Mac Dermot, Hair (1967), ópera beat estrenada en diciembre de 1967 en Nueva York.

The Pretty Things, S.F. Sorrow (1968): Primera ópera rock publicada.

The Who, Tommy (1969): Segunda ópera rock. El álbum que popularizó el término.

The Kinks, Arthur Or the Decline and Fall of the British Empire, (1969)

Plus Seven deadly sins, (1969) unico Disco de esta banda inglesa que paso desapercibido.Esta obra esta centrada en los siete pecados capitales.

Década de los 70

Vox Dei, La Biblia: Primera ópera rock de América, compuesta entre 1969 y 1970 y estrenada en el Teatro Presidente Alvear de Buenos Aires en julio de 1971

The Kinks, Lola versus Powerman and the Moneygoround, Part One, 1970

Tim Rice & Andrew Lloyd Webber, Jesucristo Superstar (1970)

David Bowie, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)

Arco Iris, Sudamérica o el regreso de la Aurora: esta banda argentina estrenó su ópera en 1972.

Materia Gris, Oh Perra Vida de Beto: esta otra banda argentina también estrenó su opera en 1972.

Jethro Tull, Thick As A Brick (1972)

The Who, Quadrophenia (1973)

Lou Reed, Berlin (1973)

Genesis, The Lamb Lies Down on Broadway (1974): Una de las óperas rock más conocidas del rock progresivo.

Phoenix, Cantafabule (1975) - Ópera rock basada en la mitología romana.

Espítiru, Libre y Natural (1976) - Opera Rock de la banda argentina.

Jethro Tull, Too Old To Rock 'n' Roll: Too Young To Die! (1976)

Meat Loaf, Bat Out Of Hell (1977): Vendió más de 30 millones de copias alrededor del mundo. Tuvo dos secuelas Back into Hell y The Monster is Loose

Frank Zappa, Joe's Garage (1979)

Pink Floyd, The Wall (1979): Famosa ópera rock creada por Roger Waters y Pink Floyd conocida por su extenso y costoso show en vivo y por la posterior película dirigida por Alan Parker.

Queen "Bohemian Rhapsody" (1975) Es el tercer sencillo más vendido de todos los tiempos. Cuenta la historia de un hombre que mató a alguien y sabiendo que va a ser ejecutado, reflexiona, mostrándose arrepentido. Todo esto mientras dos facciones debaten por el alma del joven. Escrita por Freddie Mercury. Esta canción ha sido globalmente aclamada y nombrada como una de las mejores de todos los tiempos.

Década de los 80

Los Jaivas, Alturas de Machu Picchu (1981): Ópera de rock folk progresivo de esta banda chilena, inspirada en los versos del poeta Pablo Neruda, y conocida por su posterior montaje documental en las ruinas peruanas del mismo nombre.

Frank Zappa, Thing-fish (1984)

János Bródy y Levente Szörényi, István, a Király (Esteban, El Rey) (1984): Ópera de rock húngara compuesta en honor al rey San Esteban I de Hungría. Ícono de la cultura húngara contemporánea que ha calado profundamente en al sociedad magiar residente en el extranjero y en Hungría.

Dorso, Guerra de Criaturas (1985) Ópera Metal basada en la mitología griega, cada canción representa una historia diferente sobre los mitos de dicha civilización y es la primera Ópera-Demo de la historia y más tarde publicada en Bajo la Luna Cámbrica (1989) y es un adelanto de lo que sería el Metal progresivo años más tarde.

Los demenciales chicos acelerados, "Eskorbuto" (1987) la primera opera punk de la historia.

Blue Öyster Cult, Imaginos (1988)

Queensrÿche, Operation: Mindcrime, (1988): Una historia de amor, sexo, muerte, poder, religión, corrupción, traición, codicia y locura. Considerada como la primera ópera rock del metal progresivo.

Década de los 90

 

La Tabaré Riverock Banda (1990) La ópera de la mala leche (Uruguay)“ Tanta mala leche no es más que el reflejo de un tiempo feroz, montevideano, y en él, el de un modus vivendi no pasteurizado.

La juventud perdida durante una dictadura, el tedio, el nihilismo, la soledad y la rabia en un espectáculo de teatro y rock ".

Savatage, Streets - a rock opera (1991): La trama trata sobre la vida de un músico de Nueva York, su ascenso fulgurante al estrellato, su caída y su recuperación. No es autobiográfica, pero está basada en una novela nunca publicada del productor de la banda en ese momento, Paul O'Neill, aunque fue escrita en los 70.

W.A.S.P., The Crimson Idol (1992): Es un álbum conceptual que cuenta la historia del ascenso y caída de una estrella de rock ficticia llamada Jonathan Steel. Dicho concepto sería utilizado nuevamente en un álbum de W.A.S.P. llamado The Neon God, pero contando la historia de otro joven de dura infancia, Jesse Slane.

Juan Ramón Sola, Natura, (1994): Trata la temática del desmantelamiento de la población rural en España y la idea siempre presente de la vuelta a lo natural.Compuesta y ambientada en el pueblo de Senés (Almería).

Charly García, La Hija de la Lágrima, (1994): Cuenta la historia y diferentes momentos vividos por una gitana española, quien se autodenomina "la hija de la lágrima".

Marillion, Brave (1994).

Mägo de Oz, Jesús de Chamberí (1995): Ópera rock basada en un segundo regreso de Jesucristo a la tierra, con el fin de renovar su mensaje y hacer frente a las ideas de la Iglesia Católica.

La Tabaré Riverock Banda "Putrefashion". (1998) -Montevideo- Uruguay- La ex becaria Mónica Lewinsky, haciendo uso de sus atributos y derechos femeninos, logró lo que Saddam Hussein no pudo: ridiculizar el poder. Ella, futura top-model, dejó al descubierto que detrás de la industria de la moda, puede esconderse (a pesar suyo y entre todos los payasos) un terrorista, o en todo caso, lo "fashion" es más peligroso que las bombas. Mientras Uruguay es bombardeado por la estupidez, un grupo de "putrefactos" buscan un escape.

Dream Theater, Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory (1999). Continuación del tema "Metropolis Pt. 1: The miracle and the sleeper", cuenta la historia de un hombre que tiene pesadillas acerca de la vida de una muchacha.

Lacrimosa, Elodia (1999). Álbum de la banda gótica originaría de Alemania, en la que se relata la vida de una pareja en tres actos, el inicio de la relación, el decaimiento de esta, llegando a sentimientos de odio y resentimiento y terminando con un prologo de esperanza, diciendo que al final "Solo quedaremos los dos"

Década de los 2000

Trans-Siberian Orchestra, Beethoven's Last Night (2000): Narra la historia de los sucesos que tuvieron lugar alrededor de la muerte de Beethoven y la décima sinfonía.

Drive-By Truckers, Southern Rock Opera (2000)

Queen & Ben Elton, "We Will Rock You": Cuenta la historia de un mundo futurista, donde la música es creada únicamente por máquinas. Galileo, un joven rebelde y diferente, llegaría a cambiar esa historia.

Szilveszter Jenei, András Adorján y Mihály Kocsis, 1956-Aki Magyar Velünk Tart (1956-El que es húngaro está con nosotros) (2000): Ópera Rock húngara en conmemoración a los hechos y muertos de la Revolución húngara de 1956, cuando intentaron liberarse del comunismo soviético.

Dr. Frankenstein, Dirigida por Jose Fors

Tobias Sammet, Avantasia - The Metal Opera (2000)

Spock's Beard, Snow (2002)

Saurom Lamderth, Sombras del Este (2002): Narra la Historia de La Comunidad del Anillo (El Señor de los Anillos)

Dream Theater, Six Degrees of Inner Turbulence (2002): Álbum doble del cual se desprende la canción que le dio nombre al disco Six Deegres of Inner Turbulence, esta consiste en 8 movimientos, el tema en sí es una canción de 42 minutos y ocupa todo el segundo CD del álbum. La canción explora las historias de seis individuos que sufren de diversas enfermedades mentales, el trastorno bipolar, trastorno por estrés postraumático, esquizofrenia, autismo, depresión postparto y trastorno de identidad disociativo.

Tobias Sammet, Avantasia - The Metal Opera Pt. II (2002). Cuenta una historia ficticia de un monje dominico, Gabriel, en el año 1602.

Mojinos Escozios, Ópera Rock Triunfo (2003): Ópera rock que nos cuenta la historia de Federico, un aspirante a cantante que se quiso comer el mundo y sin embargo se comió un mojón.

Aina - Days of Rising Doom - The Metal Opera (2003): Escrita por Amanda Somerville, lanzada al mercado por Transmission y The End Records.

Neil Young & Crazy Horse, Greendale (2003)

Brian Wilson, Smile (2003): Una opera Pop que no narra una historia lineal. Se divide en tres segmentos. El primero Narra historias de una Norteamérica de colonos, la conquista del lejano oeste se puede ver en Heroes and Villains, o el Hawaii primitivo en Plymouth Roll Over o la creación de trenes Cabinessense. El segundo segmento narra al crecimiento de las personas, los cambios y la hipocresía de la sociedad. Finalizando con el último segmento que narra varias historias cortas. En este segmento se encuentra el tema más famoso de los Beach Boys Good Vibrations.

W.A.S.P., The Neon God (2004): Es un álbum conceptual de la banda norteamericana de Heavy Metal W.A.S.P., el cual se encuentra dividido en dos partes: The Rise, lanzado en Abril de 2004, y The Demise, en Septiembre del mismo año. Ambos narran la historia de un chico de dura infancia llamado Jesse, el cual se entera que tiene el poder de manipular a las personas. Ambos trabajos fueron producidos por Blackie Lawless, vocalista y guitarrista de la agrupación.

Green Day, American Idiot (2004): Ópera rock que cuenta la vida de "Jesus Of Suburbia" (Jesús de los suburbios). "Jesus of Suburbia" cuenta como es su vida en los suburbios, luego se marcha hacia la ciudad harto de las mentiras, y crea una nueva identidad que es "Saint Jimmy".

Sascha Paeth, Robert Hunecke-Rizzo, Amanda Somerville y Miro, Aina (2004).

Premiata Forneria Marconi, Dracula (Ópera Rock) (2005): Ópera rock basada en el libro de Bram Stoker, pero relatando las vivencias de un Drácula enamorado y soñador. Esta obra fue la banda de sonido de la obra de teatro homónima dirigida por el argentino Alfredo Rodríguez Arias.

My Chemical Romance, The Black Parade (2006): Cuenta la historia de un enfermo de cáncer en fase terminal.

Felipe Szarruk, Margarita y Fausto (2006): La primera Ópera Rock Colombiana, basada en la leyenda del Dr Fausto. Se cntra en el amor del personaje por una mujer pura quien no le corresponde.

Levente Szörényi, Tibor Fonyódi y Tamás Antók: "Árpád Népe" (La gente de Árpad) (2006): Ópera rock mística húngara que narra el conflicto entre cristianismo y paganismo del rey Andrés I de Hungría y su hermano Levente.

Sándor Román, Tibor Paár e Imre Czomba, Szent István - Egy ország születése (San Esteban - El nacimiento de un país) (2007): Ópera rock húngara que narra la vida de San Esteban I de Hungría y la fundación del Estado húngaro luego del año 1000.

Judas Priest, Nostradamus (2008): Ópera-metal que narra la vida del profeta Nostradamus.

True Symphonic Rockestra, Concerto In True Minor (2008): No es propiamente una ópera rock, sino una mezcla de canciones de ópera adaptadas al género metal.

Jose Fors, Dr. Frankestein (2008): Relata la historia de este epico y existencialista mosntruo así como de su creador Viktor Von Frankestein.

V.V.A.A., Edgar Allan Poe - Legado De Una Tragedia (2008): Ópera rock sobre la vida del escritor Edgar Allan Poe. Interpretada por miembros de distintos grupos heavys españoles como Stravaganzza, Sangre Azul, Topo, Lujuria, Saratoga, Avalanch, Mago de Oz...

Green Day, 21st Century Breakdown (2009), la segunda ópera rock de este grupo. Cuenta la historia de Christian y Gloria, dos adolescentes cuyos nombres son también analogías: El disco mira atrás en la historia de Estados Unidos y plantea también estos tiempos contemporáneos del siglo XXI como un siglo de caos político, social, y religioso. Medios de comunicación, revolución tecnológica, guerras, injusticias, son algunos de los temas que trata este disco mediante mensajes críticos fuertes y con mucha ironía.

Colectivo Cantata Rock Cantata Rock Santa María de Iquique (2009)

La Tabaré Riverock Banda opereta: "La Micción" (2009) Montevideo - Uruguay. “Todos venimos al mundo con una misión para cumplir, el asunto está en descubrir en nuestro corto tiempo en la tierra, cuál es y cómo cumplirla. Todos los niños vienen al mundo con una revolución bajo el brazo. ¿Una revolución en estos tiempos virtuales? ¿Dónde? ¿Aquí? ¿Ahora, te parece?... nos orinaríamos en la cama ante el mínimo acto de heroísmo, porque esta guerrilla es contra nosotros mismos.”

Mägo de Oz, Gaia(2003), Gaia II: La Voz Dormida(2005)y Gaia III: Atlantia(2010), tres discos que cuentan la historia de Azaak, Pedro Alcázar y Gaia, que termina con la destrucción de la raza humana.

Mägo de Oz, La leyenda de la mancha Relata la historia de don quijote de la mancha

Mozart l'Opéra Rock (2009) el destino de Mozart se tambalea debido al sucesor del príncipe y arzobispo de Salzburgo Schrattenbach: Colloredo.

El nuevo soberano es un hombre severo y autoritario, insensible a la música de Mozart y alérgico al fuego y la irreverencia del mismo.

Para Mozart, la vida en Salzburgo se vuelve rápidamente insostenible. Tenía 20 años cuando decidió dejar su ciudad natal con su madre en busca de un futuro mejor en una capital europea.

El viaje del compositor será salpicado de fracasos y decepciones amargas

Jose Carballido, Requiem (doble álbum) Argumento: La plena felicidad de una pareja de enamorados se ve truncada por la muerte repentina de uno de ellos. Réquiem habla del dolor y la desesperación que sufre el amante vivo al tener que enfrentarse a su vida sin la persona que más le había ayudado a vivirla... En el primer acto se narra la elección de la víctima por parte de la Muerte, la despedida de los amantes, el entierro... En el segundo acto ya ha pasado un tiempo y se nos presenta al personaje vivo atormentado y renegando de su Fe, alcanzando la acción dramática su culmen en un encuentro metafísico entre ambos amantes. Mientras tanto Dios y la Muerte discuten sobre la autoría del fatídico suceso. Finalmente nada es lo que parece...

Standstill, Adelante Bonaparte (2010): Narra en tres partes la vida de su protagonista: Bonaparte, desde la muerte del padre hasta el nacimiento de su hijo, transitando por el camino vital que le llevará de un punto al otro.