The Clash – The Guns Of Brixton

"The Guns of Brixton" es una canción de la famosa banda británica The Clash que es parte de su exitoso disco London Calling, de 1979. Fue compuesta y cantada por el bajista Paul Simonon quien era oriundo de Brixton, en el sur de Londres, lugar al que remite la letra de la canción.

Ésta canción ha sido calificada en varias ocaciones, como por la revista Mojo o la revista Q como la mejor canción de reggae de todos los tiempos.

La letra de la canción esta basada en los disturbios callejeros que tuvieron lugar en esa zona durante los años 1980. Nos da a entender el sentimiento de descontento que existía entre los habitantes de Brixton por la brutalidad y represión de las acciones policales, la recesión económica de la época y otros conflictos que fueron inspiadores para esta composición de Simonon. Ademas tenia un fuerte influencia de la pelicula de gangster jamaicanos llamada The Harder They Come.

El tema tiene una fuerte influencia del reggae, lo cual refleja la cultura de dicha área donde habitan muchos jamaiquinos. A diferencia de otras canciones de The Clash que tenian fuertes influencias del reggae, como "Police & Thieves" y "(White Man) In Hammersmith Palais", "Guns of Brixton" puede definirse como una canción puramente de reggae pero con influencias del punk rock en su letra y en algunos pasajes musicales.

Podemos tambien mencionar que "The Guns of Brixton" no fue emitida como single en el lanzamiento del disco pero, en julio de 1990 cuando London Calling fue remasterizado y vuelto a la venta, fue lanzada como single llegando hasta el #57 en el UK Singles Chart.

Como podran ver en algunos videos por ahi, cuando era tocada en vivo Simonon cambiaba instrumentos con el vocalista y guitarrista Joe Strummer ya que se sentía incómodo tocando el bajo y cantando al mismo tiempo. Con respecto a esto, a pesar de que Simonon aprendió a tocar dicho instrumento de manera apurada y defectuosa (gracias a la ayuda de Mick Jones), con el tiempo se convirtió en un bajista talentoso, Puesto que su estilo contrapuntual e influenciado por el reggae para tocar lo diferenciaron de la generalidad de bajistas del punk rock. Sumado a esta caracteristica, y a diferencia de la mayoría, tocaba con púa (uñeta) en lugar de usar solamente sus dedos.

Una parte de "The Guns of Brixton" es cantada por María Gallagher, con un simple acompañamiento de teclado en el tema "Broadway" del álbum Sandinista!.

Iggy Pop – Lust For Life

"Lust for Life" es una famosa canciónde Iggy Pop que aparece en el disco del mismo nombre del tema editado en 1977.

La canción fue escrita por Iggy Pop y David Bowie (Bowie le dió ese estilo a la música Pop y escribió parte de la letra), la canción es ampliamente conocida por su ritmo de bateria que se escucha en la apertura y el riff de guitarra (interpretado por Hunt Sales), muy parecido a la melodía de la canción "You Can't Hurry Love" de la banda The Supremes (que luego Phil Collins haría famosa en las pistas ochenteras). Tambien tiene una leve similitud a la canción "I'm Ready For Love" de Martha and the Vandellas. Tambien nos podemos percatar que el riff de guitarras y la batería son inspiradas de la canción de The Incredible Bongo Band's llamada "Let There Be Drums" editada en 1973.

La letra de la canción contiene una serie de referencias al libro del novelista, ensayista y crítico social estadounidense, William S. Burroughs titulado The Ticket That Exploded, en particular cuando menciona a "Johnny Yen" y "hypnotizing chickens".

En una entrevista hecha en 1995, el ex-tecladista de la banda The Doors, Ray Manzarek y el manager de la banda Danny Sugerman señalaron con algo de rabia que el riff de esta canción era una copia al clasico de Los Doors llamado "Touch Me". Ademas como un "datito" anexo,e n esa misma entrevista señalaron que la mayoria de las canciones de la banda que hizo popular y mitologico a Jim Morrison fueron hechas bajo los efectos de la heroína... pero eso es otro cuento, asi que sigamos hablando de este clasico de Iggy Pop... xD

Siguiendo en el tema, en el año 1996, la canción volvió a ser popular cuando fue utilizadaen la banda sonora para la película Trainspotting. En efecto, este hecho hizo que la canción estuviera en la privilegiada lista de de las Top 11 Canciones del rock clasico usadas en el cine hecha por UGO Networks.

En 1977, la canción alcanzó el puesto número 3 en el Top 40 holandés. Su éxito se debió a que en una legendaria actuación de Iggy Pop en el popular programa de la TV holandesa llamado Toppop, donde el musico, como parte de la histeria del tema lo requería, dejó destrozado parte del escenario.

Como era de esperar, muchos televidentes y la prensa se quejaron al otro día por ese daño violento visto por las pantallas, ante ese asombro el director de Toppop admitió que conocían de antemano lo que Iggy iba a hacer y que los daños eran baratos asi que no querian mas polémicas.. era solo rock and roll.

Queen – We Will Rock You

We Will Rock You es una famosa canción de la banda britanica Queen. Fue compuesta por el guitarrista de la banda y doctor en astronomia Brian May. Fue editado por primera vez en el disco News of the World (1977) y reeditada varias veces en las numerosas recopilaciones (grandes exitos, discos en vivo, Bootlegs y cuanto disco mas) sacadas a la venta luego de la muerte del líder de la banda Freddie Mercury. Cabe destacar que el videoclip de la canción fue grabado en el patio trasero de la casa del baterista Roger Taylor.

En el plano musical, la canción cuenta con un un ritmo cuadrado y conciso con voces fuertes y un coro tipo himno, acompañados con batería, palmas y un solo de guitarra. Dichos efectos de percusión fueron creados por la banda simplemente sobrecopiando los sonidos de pisotear el suelo y hacer palmas, con ello recrearon ese sonido como si todo un ejercito de personas golpeara al mismo ritmo, lo mismo hicieron en el coro.

También existe una versión que Queen realizó para empezar sus conciertos en la promoción del disco a finales de los setentas y comienzo de los ochentas. Esta versión era mas rápido y mucho mas rockera (se conoce como "fast version")e incluía guitarra, bajo y batería en toa la pista. Esta versión a pueden encontrar en los discos "Live Killers" editado en 1979 y en el dicos en vivo Queen Rock Montreal (2007). tambie se encientra en el disco Queen On Fire- Live at the Bowl publicado en el año 2004.

Esta versión mas roquera tambien está disponible en una versión de estudio. En 1977, la banda la grabó especialmente para el show de John Peel en la BBC Radio 1. Esta versión se encuentra en un cd raro editado en Italia llamado "Queen - We Will Rock You".

Hasta hoy día, el tema sigue siendo parte de los cánticos tradicionales de aliento en los estadios de fútbol, baloncesto, y de varios equipos deportivos alrededor del mundo. Tambien, esta canción da nombre al musical producido porel comediante, escritor y director británico Ben Elton y supervisado por Brian May.

Led Zeppelin – All My Love

"All My Love" es una canción de la gran banda Led Zeppelin editada e su ultimo disco en estudio llamado In Through the Out Door realizado en 1979. Fue escrita por Robert Plant y John Paul Jones (quien había tomado el mando de componer canciones debido al alcoholismo de Jimmy Page y John Bonham). Es una canción de ritmo lento (soft Rock??) con un magnifico solo de sintetizador hecho por Jones y una sensible letra escrita por Plant.

Plant escribió esta canción en homenaje a su hijo, Karac, quien falleció a causa de una infección al estómago en 1977 cuando apenas tenía cinco años de edad. Ademas fue Robert quien ideó la forma de cantar y los cambios de tonos de la canción.

Existe una rara versión demo de este tema que dura cerca de siete minutos que temrina con varias improvicasiones vocales de Plant y un solo de guitarra de Jimmy Page. Esta versión está disponible en una serie de grabaciones piratas de Led Zeppelin. El titulo original de esta canción era "The Hook".

En una entrevista hecha por Cameron Crowe para la Rolling Stone, Plant declaró que esta canción fue una de las mejores que hicieron en esa epoca Led Zeppelin. Sin embargo, el guitarrista Jimmy Page ha expresado sentimientos de rechazo hacia esta canción. En una entrevista con la revista Guitar World en 1998, Page dijo que él y eal baterista John Bonham no le gustaba este tema. "... El disco In Through the Out Door era un disco poco suave. Yo no estaba realmente interesado en "All My Love". Yo estaba muy preocupado por el coro... puesto que me imaginaba a la gente haciendo la ola y todo eso con el coro de la canción y eso no eramos nosotros como banda... espero no hacer nada mas de eso".

Para finalizar les dejamos un dato bastante curioso y llamativo: Led Zeppelin grabó In Through the Out Door en los estudios pertenecientes al grupo ABBA en Estocolmo. Vaya mezcla de estilos eh... habran hechos alguna Jam Session ambas bandas como esta.

The Ronettes – Be My Baby

"Be My Baby" es una famosa canción escrita por Phil Spector, Jeff Barry y Ellie Greenwich para el grupo The Ronettes en 1963, la cual fue producida por el propio Spector. El famoso intro de batería fue tocado por Hal Blaine.

El single al ser lanzado a la venta llegó hasta el puesto #2 en el U.S. Billboard Pop Singles Chart y escalo a la posición #4 en los UK Record Retailer chart. CCon esto se convirtió en un gran exito para la banda de las hermanas Veronica y Estelle Bennett y su prima Nedra Talley.

Ademas en la revista Rolling Stone ocupó el puesto #22 de la famosa lista The 500 Greatest Songs of All Time. Todo esto debido a su gran calidad vocal, el ritmo pegajoso de la canción y que fue inspirador para que varios artistas hicieran baladas de ese estilo. Por ejemplo, Brian Wilson considera que su canción "Don't Worry Baby" (realizada por su banda The Beach Boys) es la "respuesta masculina" a esta canción. De hecho el intro de batería es muy similar a este clasico.

A menudo se cita a Spectorcomo el creador de la tecnica de grabación llamada el "muro de sonido" (wall of sound), esto consistente en grabar múltiples pistas de acompañamiento, superponiéndolas hasta crear un sonido compacto y algo apabullante (escuchen el disco Let It Be de The Beatles ahí Phil se hace cargo de la produción y McCartney quedo disgustado) pero tambien hay que reconocer que su canción "Be My Baby" es una de las más conocidas y perdurable de su época, y posiblemente una de las canciones pop más influyentes de todos los tiempos.

El crítico Jason Ankeny escribe sobre el exito de la canción: "Nada menos que una autoridad del rock, nos referimos a Brian Wilson a dicho que 'Be My Baby' es, sin lugar a dudas, el mayor registro pop que jamás se ha hecho."

En su autobiografía, la vocalista Veronica Bennet (que al casarse con Phil tomó el nombre Ronnie Spector) relata que ella estaba de gira con Joey Dee and the Starlighters cuando supo que "Be My Baby" fue presentada por Dick Clark de American Bandstand como la "Grabación de siglo".

Entre los que han versionado este tema podemos nombrar a John Lennon, The Lightning Seeds, The Bay City Rollers, Blue Öyster Cult, We Are Scientists, Psyched Up Janis, Maroon 5. Glasvegas, Ivy, Linda Ronstadt, Whigfield, Ultima Thule y Travis.

The Hollies – Bus Stop

"Bus Stop" es una canción de la banda británica The Hollies. La canción llegó a convertirse en un éxito en 1966, alcanzando el puesto # 2 en el Reino Unido (UK Singles Chart). Ademas fue la primera canción de la banda en llegar al top ten hit en EE.UU., alcanzando el lugar # 5 del Billboard en septiembre de 1966.

Fue escrito por el compositor británico y el futuro miembro de la banda 10cc, Graham Gouldman, quien también escribió tambien grandes éxitos para The Yardbirds ( "For your Love) y uno para Herman's Hermits ("No Milk Today").

Gouldman incluye una versión de la canción en en su disco editado en 1968 llamado The Graham Gouldman Thing. Tambien fue grabada por las bandas Herman's Hermits y Classics IV.

En 1976, en una entrevista, Gouldman dijo que la idea de la canción se le ocurrió mientras viajaba a casa despues del trabajo en un autobús. Las primeras estrofas fueron escritas por su padre, el dramaturgo Hyme Gouldman. Graham Gouldman continuó con el resto de la canción en su dormitorio y luego la terminó nuevamente en el bus al día siguiente.

Treinta años más tarde se refirió a la canción : "me llamaba la atención la palabra "Bus Stop". Entonces la empecé a escribir en el paradero mientras esperaba el bus, en un dia húmedo y tambien se me ocurrió un bonito riff, el cual encajó perfecto a la canción como un gran comienzo. Realizarla fue como encontrar un atajo en una carretera e irse tranquilo sin miedo".

Ademas señaló: "Mi padre era escritor. Fue genial tener todo eso. Me gustaba escribir algunas cosas y siempre le mostré mis letras para ue las corrigiera y las arreglara para mí. Tstedes saben, él decía que" hay una palabra mejor que esta "...

Los Hollies lograron con esta canción conquistar los charts de Estados Unidos y asi fomentar mas su fama mientras las demas bandas experimentaban con sonidos nuevos, ellos fielesa sus gustos clasicos seguian haciendo rock and roll.

Queen – Play The Game

Play the Game es una canción de la famosa banda Queen, la cual fue escrita por su vocalista (ademas pianista) Freddie Mercury e incluida en el álbum The Game quen fue editado en 1980.

Lo llamativo del tema es su intro donde podemos escuchar una serie de ruidos hechos con sintetizadores Oberheim OB-X. Es considerado llamativo puesto que la banda había declarado su rechazo al uso de este instrumento en sus grabaciones pero con el tiempo cayeron en la tentación y en el álbum The Game fue donde Queen empezó a experimentar con sonidos hechos por este implemento musical electronico.

La canción cuenta con una memorable vocalización de Freddie haciendo gala de tonos sueves, altos y falsetes lo cual es una caracteristica bastante importante en el plano musical de la canción. Ademas se cuenta que Mercury escribió "Play the Game" después de romper una relación con su amante masculino en el momento (recordemos que Freddie era Homosexual... para que no se asusten con el dato los conservadores).

El single fue un total éxito para Queen en su país donde llegaron al puesto # 14 en los gráficos. En Estados Unidos, sin embargo, obtuvo poco exito llegando solo al escalón # 42. La canción fue tocada en vivo durante los The Game Tour y Hot Space Tour, donde Freddie Mercury hacía de las suyas al piano.

Otro dato que podemos aportarles es que en la carátula del sencillo y en el video clip se puede apreciar por primera vez a Freddie luciendo, con lo que más adelante se convertiría en su Marca Registrada, su famoso bigote o, como dice mi abuela, el mostacho bajo la nariz.

Ademas podemos apreciar en el video que el guitarrista Brian May no utiliza su guitarra Red Especial (la cual es su marca registrada) y en su lugar usa una Fender Stratocaster. 

Probablemente esto se hizo tomando el riesgo de la famosa guitarra en la mítica escena donde Mercury lanza la "peligrosamente" la guitarra para que May la agarre y haga un grandioso solo. Aunque el efecto es notorio, quizas cuantas guitarras hizo pedazos Freddie ensayando la escena, por ello May decidió dejar su mitica guitarra en su casa.

John Lennon - Mother

"Mother" es una canción del ex-Beatle John Lennon, extraída de su álbum John Lennon/Plastic Ono Band publicado en 1970. Existe una versión cuya duración es mas corta, la cual sería utilizada como sencillo y posteriormente sería publicada en el álbum recopilatorio de 1975 Shaved Fish y en el famoso Lennon Legend: The Very Best of John Lennon. La cara B del sencillo incluye el tema "Why", interpretado por la controversial Yoko Ono.

Tambien hay que señalar que la batería fue tocada por su amigo y actor Ringo Starr quien fue su compañero de banda en los Fab Four.

La versión original (la que pueden escuchar en el video de arriba mientras leen)empieza con un sonido de campanas (que eran para introducir el tema de la muerte) que fueron eliminados para la versión del single como también unos brutales gritos de Lennon que le dan un toque especial a la canción con su letra desgarradora que es un grito hacía el cielo para sus padres, quienes lo abandonaron durante su infancia: su padre, Alf Lennon, abandonaría a la familia cuando John era niño, mientras que su madre, Julia Lennon, fue atropellada por un conductor ebrio cuando John tenía la edad de 17 años.

Lennon lamenta la pérdida de sus padres a través del tema, contraponiendo sus sentimientos a la realidad en versos como "Mother, you had me/but I never had you" o "Father, you left me/but I never left you". Este es el segundo tema de Lennon dedicado a su madre, ya que la canción "Julia", que aparece en el Álbum Blanco de The Beatles, tambien era dedicada a ella.

Según varios textos, Lennon se inspiró para hacer este tema mientras estaba en la terapia primal, que trabaja con el fin de desnudar al paciente de todas su defensas para revelar la "persona real". La viuda de Lennon, Yoko Ono, trabajó en la terapia junto con el doctor Arthur Janov, primero en su hogar de Tittenhurst Park durante tres semanas, y posteriormente en California, donde la pareja pasaría cuatro meses. Lennon describiría la terapia años despues como "algo más importante para mí que The Beatles." Otras canciones nacidas por la ayuda de la terapia primal serían "Working Class Hero" (que muestra el pensamiento más izquierdista de Lennon...temazo!!) e "Isolation".

En una entrevista Lennon dijo que "Mother" era la canción que "parecía quedar en mi cabeza", pero tenía ciertas dudas sobre su interés comercial, por lo que en un principio consideró publicar como single el tema "Love" pero no lo hizo y siguió firme a su idea del principio. "Love" sería publicada recién en 1982, dos años después de la muerte de Lennon por parte de un idiota.

La canción también fue lanzada como single del disco en directo Live in Nueva York city hecho por Lennon, la cual fue publicada despues de la muerte de este genio y loco musico brítanico.

Como dato para finalizar: El FBI le hizo seguimiento personal a Lennon durante sus primeros años de estancia en Estados Unidos por manifestarse en contra de la Guerra de Vietnam y ser peligroso ya que hacpia pensar a la gente. En el año 2006 dicho organismo admitió el espionaje al que había sometido a Lennon y se vio obligado por una orden judicial a publicar todos los documentos secretos que había elaborado sobre él entre 1971 y 1972.

4 Non Blondes – What's Up

"What's Up?" es una canción de la agrupación estadounidense 4 Non Blondes. Fue escrita por Linda Perry para el álbum Bigger, Better, Faster, More! para la cual fue lanzada como el segundo sencillo del álbum en 1993.

La canción tuvo un gran éxito en las radios y llegó a alcanzar la posición 14 en el Billboard Hot 100. Sin embargo, el sencillo tuvo mejores posiciones alrededor del mundo, llegando al primer lugar en Alemania e Irlanda y el segundo en el Reino Unido y Australia.

El titulo de la canción jamas se nombra en la canción, siendo la frase mas usada "what's goin' on?" en el coro. El por qué la canción no toma ese nombre es por el temor a que la gente se confunda con la canción "What's Going On" editada en 1971 por el cantante de soul Marvin Gaye. Es por ello que la canción fue titulada como "What's Up?".

Con el paso de los años la canción ha sido muchas veces puesta en diversos rankings musicales. Por ejemplo, ocupó el puesto 84 en la lista del canal VH1 de los 100 mejores one-hit wonders (artistas que solo tuvieron un hit de fama). También obtuvo el lugar 16 en la lista de la revista Blender de las 50 peores canciones de toda la historia. Igualmente, ocupó el puesto 19 en la lista de la pagina web Spinner.com de las 20 peores canciones de toda la historia.

Para finalizar, el grupo 4 Non Blondes es simplemente conocido por este exito, pero su líder y cantante Linda Perry ha trabajado en solitario desde que se disolvió la banda, produciendo canciones en álbumes de Pink y Christina Aguilera entro otros artistas.

Guns N' Roses . Used To Love Her

"Used to Love Her" es una canción de la banda Guns N' Roses. Aparece en el disco de la banda publicado en noviembre de 1988 llamado G N' R Lies y fue escrita por Axl Rose y Izzy Stradlin.

La letra del tema trata de un hombre que intenta asesinar a una mujer y decide enterrarla en su patio trasero. Axl luego continúa diciendo ironicamente "happier this way."

Axl dijo en una entrevista que la canción estaba hecha para burlarse de estas canciones que hablaban sobre los hombres que son maltratados por mujeres. Otros señalan que la canción fue inspirada cuando el vocalista de la banda tuvo que cedar a su perro en su hogar.

A pesar de que la canción no fue un gran exito comercial para la banda, es un tema escencial para los fanaticos de esta banda y poco a poco a retomado gran cantidad de reproducciones en las radios.

El cantante Axl Rose ha dicho que la temática de esta canción es simplemente una humorada que no debe ser tomada tan serio. De hecho, en la portada del LP, bajo el titulo de la canción se puede leer una frase que dice "a joke, nothing more."

En el Disco en vivo Live Era'87-'93, Axl declara a la audiencia :"Esto es algo totalmente fuera de G 'NR Lies. Ahora, si ustedes saben algo sobre nosotros,sabran que al escribir la mayoría de nuestras canciones siempre ponemos un elemento de verdad. Pero...esta es la única canción que hemos escrito bajo una fantasía y una broma que todos saben... la inspiración esta en repudiar a todos esos sujetos enfermos que como todos saben atacan a tu novia o tu novio por tener el dolor hasta en el puto culo y que acaban asesinando y guardando el cuerpo en una bolsa..."

Les dejamos esta excelente canción de esta banda oriunda de Los Angeles (Estados Unidos), con letra salvaje e irónica donde sale a relucir la magia de la que mcuhos llamaron "La banda mas peligrosa del mundo".

Una Pequeña Curiosidad regalado por Frankders (fans y garrero de "los Guns") : Guns n' Roses logró junto a System Of A Down, The Beatles y el rapero DMX el record de tener dos álbumes simultáneamente entre los 5 primeros puestos de las listas norteamericanas.

The Offspring – The Kids Aren't Alright

The Kids Aren't Alright es una famosa canción de la banda norteamericana The Offspring. Fue el tercer single de su disco del año 1999 titulado Americana (cuyo nombre viene de la palabra usada en Estados Unidos para referirse a ciertos fetiches típicos de la cultura de los Estados Unidos como el béisbol, la tarta de manzana, Superman, los Diner, la hamburguesa) .

El título de esta canción está basado en un tema de The Who llamado "The Kids Are Alright", procedente de su álbum My Generation.

La canción esta inspirada principalmente en una visita que Dexter Holland hizo a su antiguo barrio de juventud, Garden Grove en Orange County. Allí se encontró que la mayoría de sus viejos amigos se habían topado con trágicos destinos: muchos habían muerto en un accidente de tráfico o se encontraban en crisis nerviosas y depresiones fuerte, y fue entonces cuando se decidió a escribir la canción sorprendido con lo que había pasado en su barrio. En ella relata las fatales vivencias de cuatro jóvenes (al parecer ficticios) del barrio: Jamie, Mark, Jay y Brandon. La primera se queda embarazada y debe dejar la universidad; el segunda es un guitarrista adicto a la marihuana; el tercero se suicida y la última víctima sufre una sobredosis y muere.

El trasfondo del single continúa la línea de la banda en Americana, es decir, la crítica dura a la sociedad estadounidense. En esta ocasión se dirige a los adolescentes y a los peligros que están expuestos en su vida y a que muy pocos logran cumplir sus sueños y quedan perdidos en la sociedad.

El vídeo promocional de "Kids Aren't Alright" fue lanzado un mes antes del lanzamiento del álbum y MTV (cuando realmente era un canal serio y no lleno de programas desechables) le dio una gran difusión en su parrila programatica. Fue dirigido por Yariv Gaber y combina escenas de la banda en una sola habitación donde se suceden una serie de personajes y acciones, muchas de ellas realizadas digitalmente por ordenador.

En esa sala podemos apreciar antecedentes de abandono familiar o la actividades varias en diferentes momentos. En el centro de la habitación, hay escenas de varias personas haciendo gestos y movimientos estereotipados, en ocasiones aparecen los miembros de la banda.

Cabe señalar que este video clip fue nominado a la Mejor Dirección en los MTV Video Music Awards.

Pink Floyd - Mother

"Mother" es una canción la banda de rock progresivo Pink Floyd. Fue publicada en su álbum The Wall editado el año 1979 y la letra y musica pertenecen a Roger Waters.

Una de las partes mas llamativas del tema es ese cambio de ritmo, donde pasa de una melodia bastante tranquila a una más fuerte y roquera, expandiendo su instrumentación de un solo de guitarra acústica y voz (cerca del final de la canción) a un poetente sonido de teclados, piano y batería mas ese increible sonido de bajo eléctrico, armonía vocal, y guitarra eléctrica.

La canción contiene una mínima introducción que consiste sólo en punto de inhalación y exhalación de respiración a velicidad rápida antes de los primeros versos de la canción que son cantados por Roger Waters. David Gilmour canta un coro en respuesta a la letra anterior y a el interludio que le sigue. Waters canta otro verso, el cual es de nuevo seguido por el coro de Gilmour(con letras alteradas). Finalmente la canción termina derrepente con un cambio de volumen y Waters cantando; "Mother did it need to be so high?"

Con respecto a la letra, podemos decir que es bastante melancolica, a ratos son gritos desesperados preguntandole a su madre que desea de su vida de manera sobreprotectora.

Como todas las canciones del disco The Wall, "Mother" forma parte de la historia historia de Pink, el protagonista del álbum. La canción narra una conversación de Pink (expresada por Waters) y su madre (manifestadas por Gilmour). El oyente puede darse cuneta que la madre está ayudando a construir el muro que deja muy mal a Pink por intentar proteger a su hijo del mundo exterior. Es una critica a las madres sobre protectoras que por creer que estan haciendo un bien no se dan cuenta que le quitan la libertad a sus hijos y les provocan daños en la personalidad y en el aspecto emocional.

Para aquellos que no saben sbre este discazo de Pink Floyd, les podemos señalar que este es un disco doble con un estilo de ópera rock que nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada "Pink", basado en su mayoría de las vivencias del propio Waters y partes d ela vida de Syd Barret (primer lider de los Floyd que dejo la banda por problemas mentales), conviertiéndolo así en una especie de alter ego antihéroe.

Segun palabras de Roger Waters, Pink es enfermo mental debido a los traumas que la vida le va deparando: La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, la presión de ser una figura famosa en el mundo de la música, su controversial uso de drogas sumado a su asma, etc., son convertidos por él en "ladrillos de un muro" que lo aísla de la realidad, y ese muro del que se habla es un concepto construído con el fin de protegerse del mundo real y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva.

Con respecto al tema de hoy, el guitarrista de la banda Guns N' Roses' el famoso Slash interpeta en su instrumento parte de 'Mother' como intro para la canción Paradise City. Lo mismo hace en algunos conciertos el guitarrista John petrucci junto a su banda Dream Theater en las giras del año 2007.

Lo mismo hizo la banda de punk rock Laguna Beach quien la interpreta en su disco debut llamado "Full New Deal".

Bon Jovi – Bed Of Roses

"Bed of Roses" es una famosa balada de Bon Jovi publicada como single en 1993 para promocionar el disco Keep the Faith que ya había sido lanzado en noviembre de 1992. Esta power-ballad se convirtió en un exito mundial para la banda, demostrando a principios de los noventas que la banda seguia tan vigente como en los ochentas.

Alcanzó el puesto #10 en el Billboard Hot 100,y clasificó en el puesto #13 del UK Top 40 y ademas ocupó la casilla #10 del German Top 100.

Jon Bon Jovi afirmó en una entrevisa que escribió esta canción en una habitación de un hotel, mientras padecia una resaca de alguna fiesta (en buen chileno, "la caña"), y la canción refleja claramente sus sentimientos de aquel momento. La canción contiene unos fabulosos riffs de guitarra y un piano sonando suave, combinado con voz potente y emotiva interpetada por Jon para poder crear una potente e inolvidable balada de amor (si igual los creadores del blog tenemos sentimientos XD).

El videoclip de esta canción muestra en el principio unas imagenes del guitarrista Richie Sambora tocando en la cimas de una montaña y, a continuación, muestra las escenas de Jon Bon Jovi solitario en su habitación de hotel.

La parte del video donde suena en vivo se filmó en el Stabler Arena ubicado en Bethlehem el 31 de diciembre de 1992 como parte de un concierto especial de Año Nuevo. Con el fin de obtener gran participación del publico,y lograr que haya una gran multitud de gente para el video, la banda hizo arreglos para que no se notara ningun asiento desocupado y le bajaron los precios a sus entradas para asi lograr un lleno total... eso si, sol fue por el video.

Bed of Roses se convirtió en un elemento básico de los conciertos de Bon Jovi en los próximos años, y fue presentado por la banda para promocionar su disco de grandes exitos llamado Cross Road. para ello hicieron una versión acústica de muy buena calidad y bastante llamativa.

Tambien existe una versión con letra en español hecha por la banda (se entiende mas o menos la latra eso si) titulada "La Cama De Rosas".

Extreme – More Than Words

"More Than Words" es una famosa balada escrita y realizada originalmente por el grupo de rock Extreme.

Se caracteriza por ser acústica en torno a la intrincada guitarra de Nuno Bettencourt y la excelente voz de Gary Cherone (con los coros de Bettencourt) fue publicada en 1990 en el álbum Extreme II: Pornograffiti .

Apesar de ser una delicada balada, para los fans esta canción es de tipo funk metal que fue el estilo que tuvo la banda hasta su separación en 1996.

El 23 de marzo de 1991, "More Than Words" recala en los Billboard Hot 100 de los E.E.U.U. en el puesto 81 y poco después alcanzó el número uno, siendo asi uno de sus mas grandes exitos de la banda. Asimismo, logró alcanzar el puesto dos en el UK Singles Chart, donde el grupo tuvo éxito antes de su descubrimiento en América. A pesar de que habían hecho algunas actuaciones en los Estados europeos antes, esto condujo a la banda a su primer éxito en los Estados Unidos.

Extreme luego de "More Than Words" saco otra poderosa balada llamada "Hole Hearted", en la cual el ritmo es ligeramente más rápido que en "More Than Words", pero, no obstante, solo llego hasta el número 4 en los Estados Unidos.

Bob Marley & The Wailers – Buffalo Soldier

"Buffalo Soldier" es una canción de Bob Marley, la cual escribió junto a Noel G. "King Sporty" Williams en las ultimas sesiones del año 1980.

No aparece en ningún disco hasta que en el año 1983 aparece formando parte del disco póstumo llamado Confrontation (recordemos que Marley falleció en 1981). Se convierte e n uno de los exitos de ese disco, quedando asi como una de las cnaciones mas exitosas de Marley. A menudo, muchos fans, la consideran una de als canciones mas reconocidas de Bob Marley debido a que el single fue muy tocado en las radios.

El título y la letra de esta canción se refieren a los regimientos de caballería estadounidenses formado por gente de raza negra, conocidos como "Buffalo Soldiers", que lucharon en la guerra de la India después de 1866. En su prosa Marley asemeja su ideal de lucha a una lucha por la supervivencia, la refundición y como un símbolo de resistencia negra ante sus derechos.

La letra no puede ser interpretada literalmente, debido a las inexactitudes históricas sobre el tema. Las referencias a los "Ladrones de África, llevados a América para combatir, luchando por la supervivencia" esta basada en el conflicto que generó la importación de esclavos a los Estados Unidos cuando esto fue prohibido desde 1808 en adelante, de manera que la persona más joven que fue traida como esclavo para luchar en esa guerra, habría tenido mas o menos 58 años de edad para que forme parte de los Buffalo Soldier en 1866. Del mismo modo, la apertura de la línea que dice "Buffalo Soldier, dreadlock rasta" es históricamente inexacto ya que el movimiento rastafari recien se fundó en 1930 y se centra en los ideales de Haile Selassie, que nació 1892 mucho despues de la existencia de los Buffalo Soldier. Por lo tanto la tematica la usa solo metaforicamente.

La canción contiene un pegajoso grito woy! yoy! yoy!, el cual es similar a la del coro de la canción del programa de televisión Banana Split llamada "The Tra-La-La Song", el cual fue editado en 1968 de su programa de televisión.

Ahora, como es domingo y es un dia para descansar, hablaremos un poco sobre Haile Selassie, quien tiene que ver mucho con la cultura Rafta. Este personaje fue el último emperador de Etiopía, asumiendo el trono en 1931 estableciendo un régimen absolutista, que se postergaría con la invasión Italiana en 1936, para volver a tomar el poder en 1952 y finalizar en 1974 con la revolución interna. Un año despues moriría en manos del emperador que lo reemplazó (llamado Mengistu, cuyo ideal era mas tirado al marxismo), asesinandolo en Rio de Janeiro donde cumplía el exilio.

Ahora su relación cco el movimiento Rastafari está basada en la creencia que este emperador fue como la segunda venida de Cristo a la tierra. Los rastafaris hablan de Haile Selassie como el último monarca de la dinastía Salomónica sentado sobre el trono de David, de ahí que se cumple una profecía escrita en Apocalipsis 5, 5.

En abril de 1966, el Emperador visitó Jamaica, en donde se encuentró con 31 líderes Rastafari y se dió el lujo de conocer al pueblo jamaiquino. En esos días funda la Iglesia Cristiana Copta Jamaiquina, para erradicar las creencias en él como la reencarnación de Jesucristo. Con respecto a su muerte, para la comunidad raftafari este emperador no ha muerto... solo desapareció.

The Doors – Break On Throug (To The Other Side)

"Break On Through (To the Other Side)" es una canción de la banda The Doors editada en 1967 para su primer disco titulado simplemente The Doors (muchas bandas hacen esto de colocar al primer disco simplemente el nombre de la banda).

Fue el primer single lanzado por la banda y no tuvo un reconocimiento muy exitoso en los charts, situándose sólo en el puesto # 106 en los Estados Unidos. A pesar de ello, sigue siendo uno de los temas de la banda mas coreados y a la vez popular entre sus fans que se vuelven locos con la locura musical de ese teclado pegajoso y la letra de Morrison.

La banda tocó esta canción en una demostración de talento para poder ser contratdos por el sello Aura Records en 1965. Al momento de sacarla como single en 1967, Elektra Records les censuró parte del tema, ya que decian que la canción apoyaba el uso de drogas basado en la frase que canta morrison "she gets high", que se repite en la sección central de la canción. Es por ello que en la versión original del disco y todas las reediciones hasta la década de los noventas tienen la palabra "High" suprimida, y Morrison aparece cantando "She gets" cuatro veces antes de un último acorde. En vivo y en versiones más recientes, las emisiones han remasterizado la versión original sin censura.

La canción está en tiempo 4 / 4 y tiene un ritmo bastante rápido. La melodía es similar a la del guitarrista de blues Elmore James en su tema "Stranger blues". La pieza comienza con un solo muy desarticulado y extravagantes sobre el órgano muy similar a la introducción de Ray Charles en su tema "What I'd Say", que tiene algunas notas muy parecidas, mientras que la línea de bajo esta muy influenciada en las tcnicas utilizadas para ese intrumento en el bossa nova, tocando de esa forma en casi toda la canción.

Morrison y Manzarek también dirigieron una innovadora forma de promocionar su primer single, "Break On Through", filmando un video promocional, un significativo avance en el género de los vídeos musicales.

Cat Stevens – Morning Has Broken

"Morning Has Broken" es un conocido himno cristiano usado preferencialmente por los niños. El cantante y compositor ingles Cat Stevens incluyó una versión acústica de este tema para su álbum Theaser and The Firecat de 1971. La canción se convirtió en todo un exito para Stevens llegando a alcanzar el puesto número 6 en los EE.UU. y liderar el US adult contemporary chart en 1972.

La versión original de esta canción religiosa aparece en la segunda edición del disco Songs of Praise (publicado en 1931), bajo los arreglos del compositor Martin Shaw.

En los comentarios a dicho disco, el editor, Percy Dearmer, explica que, como no había necesidad de hacer un himno para dar gracias por cada día, decidimos pedirle al poeta y escritor para niños Eleanor Farjeon que haga un poema para que los jovenes puedan adaptarse a la encantadora melodía gaélica.

La música de esta canción esta basada en "Bunessan" de L.McBean que era una canción perteneciente al disco Songs and Hymns of the Gael publicado en 1900.

Antes de la letra hecha por Farjeon, la música se utilizó como un villancico, que se llamaba "Child in the manger, Infant of Mary", traducido desde la lengua gaélico escosesa por Mary MacDonald.

Mucha gente ha cometido el error de darle la autoría de "Morning has Broken" a Cat Stevens dado que él fue quien la popularizó en todo el mundo.

En la versión de Stevens, la parte de piano fue interpretada por Rick Wakeman, quien era integrante de la banda de rock progresivo llamada Yes. Es por eso que en el año 2000, Wakeman publicó una versión instrumental de "Morning has Broken" en un álbum del mismo título. Ese mismo año, dió una entrevista a la BBC Radio 5 Live en la cual dijo que había accedido a tocar en la versión de Cat Stevens por solo 10 libras pero que estaba muy enfadado (y aun lo está) porque se le excluyó de los créditos del disco por lo cual nunca recibió el dinero.

De esto uno puede empezar a dudar de la autoría del intro de piano del tema, algunos se lo dan a Stevens y otros a Wakeman. Aunque algunas fuentes informaron de que la canción fue sacada primero por Floyd Cramer en su álbum "Last Date" en 1961, pero mirando la discografía de este artista nos dimos cuenta que por lo menos antes de 1970 no la había publicado. De hecho, recien en 1972 Cramer graba este tema tomando la versión de Stevens.

Desde la versión que hizo famosa este cantante ingles apodado "Cat", esta canción ha sido grabada por numerosos artistas, como Judy Collins, Michael Card, Floyd Cramer, Dana, Neil Diamond, Art Garfunkel, Joe Longthorne, Nana Mouskouri, Aaron Neville, Kenny Rogers entre muchos mas.

Wham! - Wake Me Up Before You Go Go

"Wake me up before you go go" es una canción del dúo de pop inglés Wham!, que fue lanzada en 1984 para promocionar el disco Make it Big y se convirtió en un Hit #1 del Reino Unido. Fue escrita y producida por George Michael quien era parte del dúo.

Lo que inspiró la letra de la canción fue una nota que dejó Andrew Ridgeley (el otro integrante del dúo) para sus padres donde les decía "wake me up before you go", pero tenía algo llamativo, y era que habia escrito dos veces "go".

El single fue publicado en mayo de 1984, y le dió ese toque bailable, dulzón y pegajoso del sonido de Wham!ya que en sus anteriores sigles el dúo hablaba en sus letras sobre el desempleo, el matrimonio juvenil, y los problemas de padres e hijos. Con el lanzamiento de "Wake me Up Before you Go-Go",la banda reapareció con sonrisas más amplias,ropa colorida, y una disposición más positiva en las entrevistas... en el fondo les había cambiado la vida un humilde hit.

Recordemos que durante sus años con Wham! , George Michael fue muy crítico hacia el gobierno Conservador de Margaret Thatcher y de su alianza militar de misiles con los Estados Unidos. George dijo que él se sentía mal, puesto que con sus impuestos pagaba estas armas, y a pesar de todo fue obligado a que nunca esquivara sus obligaciones con el fisco en su país de origen.

La canción también lideró el Billboard Hot 100 en los EE.UU. Esto hizo que el album fuera todo un exito en las ventas, llegando a ser número uno en el Reino Unido en 1986.

Otra caracteristica de este tema fue su videoclip, el cual muestra al dúo tocando (también presentó a Ridgeley como guitarrista de la banda) frente a un público adolescente. Fue muy llamativo el estilo de la ropa, que se convirtió en una gran moda a mediados de los ochentas. Michael y Ridgeley viste una camiseta que dice en un estampado: "CHOOSE LIFE" (originalmente fue un lema destinado al uso indebido de drogas... ¿la seguirá usando George?). El lugar donde se filmó el video es The Carling Academy Brixton de Londres.

Deep Purple – Child In Time

"Child in time" es una canción de la banda británica Deep Purple. Esta canción que dura casi diez minutos forma parte de su excelente álbum titulado In rock de 1970. Esta canción es una de esas "joyitas" musicales que nos dejó esta banda de rock.

Fue escrita por todos los integrantes de Deep Purple en 1969. Ellos aseguraron en una entrevista que se inspiraron en un "llamativo" riff de la canción "Bombay Calling" de una banda bastante hippie llamada It's a Beautiful Day. En esa canción este famoso riff era tocado por violines y con un tempo mucho más rápido.

Con respecto a esto, la letra de Child in Time tiene un significado sobre el bien, el mal y la justicia; está basada en la muerte del padre del violinista y lider de la banda I'ts a Beautiful Day, David LaFlamme durante la Guerra Fría y en lo que sufrió el mismo David.

Lo otro que ahce mas llamativo a est hit de la banda mas ruidosa del mundo es que es una de las primeras canciones de heavy metal que presenta una introducción con variados sonidos de carácter progresivo. Dicho intro es tocado por el tecladista Jon Lord, que toca un solo con el órgano Hammond acompañado de la "maravillosa" voz de Ian Gillan que va en formato creciente a medida que pasan los minutos. Punto aparte a la excelente parte de bateria tocada por Ian Paice que deja "helado" al que escucha el tema.

La canción tiene un ambiente dramático, tanto por la misteriosa letra como por la instrumentación. Pero sin duda lo más increíble es la actuación vocal de Gillan en la interpretación, la que es considerada por muchos expertos como lo máximo a lo que puede llegar cualquier voz de rock (no me vengan a joder con los cantantes de ahora... Gillan nunca hizo playback!!). De hecho, en las últimas actuaciones de Deep Purple la canción a quedado fuera del repertorio porque el desgaste de la voz de su vocalista le ha pesado al interpretarla. La última vez que se incorporó en vivo con Deep Purple fue en el concierto de Harrogate en el año 2002. En esa última ocasión,segun unos criticos que fueron a ese concierto, para mejorar la calidad y cubrir los posibles fallos se usaron sonidos agudos de guitarra. Esta es una técnica que también ha sido utilizada a veces con "Space Truckin'"... el paso de los años, las extensas giras y la fama setentera desgastaron al pobre Gillan.

El tema tiene una estructura A-B-A más un coda (tambien conocido musicalmente como movimiento, el cual es una parte de una composición más amplia o forma musical previsto para ser ejecutado en sucesión con otros, aunque propiamente posea un inicio y un final). Esos llamativos desgarrados y agudos gritos que lannza Gillan antes de entrar en la parte B van en línea con la letra.

Después de esto, Ritchie Blackmore cambia totalmente la tónica de la canción con un largo e intenso solo de guitarra que al acabar, de manera muy repentina, da paso de nuevo al primer tema. Muchos dicen que el guitarrista tocó esta canción con una clásica Fender Stratocaster pero realmente fue con una Gibson ES-335 para la versión de estudio.

Una versión famosa de esta canción es la versión en directo de Made in Japan, de 1972, cuya duración es aun mejor que la original de estudio de este clasico de clasicos del rock and roll.

Por ultimo, cabe señalar que el disco Deep Purple in Rock marcó el cambio definitivo del sonido de Deep Purple, pasando de ser una banda rock/pop con toques incluso progresivos, donde sus mayores éxitos eran versiones de otros grupos (por ejemplo The Beatles), a ser una de las formaciones de hard rock más sólidas del momento.

The Beatles - Blackbird

"Blackbird" es una canción de la gran banda The Beatles y forma parte de su álbum doble The Beatles (también conocido por todos como The White Album)editado en 1968. Blackbird fue escrita completamente por Paul McCartney, quien se inspiró para escribirla mientras estaba en Escocia como una reacción a las tensiones raciales que se intensificaban en los Estados Unidos en la primavera de 1968.

La canción se grabó el 11 de junio de 1968 en los estudios Abbey Road, con George Martin como el productor y Geoff Emerick como el ingeniero de sonido.

McCartney tocó una guitarra acústica Martin D 28. La canción incluye una grabación de un mirlo (que es una especie de ave que habita en Europa, Asia y Africa) cantando en el fondo.

McCartney reveló en el programa Great Performances (Paul McCartney: Chaos and Creation at Abbey Road del canal PBS transmitido en 2006), que la guitarra que acompaña a Blackbird fue inspirada por Bouree in E minor de Bach, que es una conocida pieza de guitarra clásica.

Como niños estudiosos, él y George Harrison intentaron aprender Bourrée como una pieza clasica que debian tocar. Cabe señalar que el Bourrée se distingue por la melodía y los bajos que se tocan simultáneamente en la parte superior e inferior de las cuerdas. McCartney adaptó un trozo de Bourrée a la apertura de "Blackbird", y la uso como la idea principal de la música del tema.

La primera vez que interpretó este tema fue una noche en que Linda Eastman, que más tarde se convertiría en la esposa de Paul, dormía en su casa mientras McCartney se la cantaba a los fans que acamparon afuera de su casa esperando ver a su Beatle favorito.

La estructira de la canción es bien basica ya que solo usa una guitarra, voces y el canto de las aves. De acuerdo con Mark Lewisohn, el sonido que se escucha por el canal izquierdo en la canción y que suena como el pie de McCartney golpeando el suelo es un metrónomo mecánico. Pero podemos ver en la The Beatles Anthology que es Paul golpeando el suelo con el pie, y que se habia confundido como un metrónomo para los productores: el tempo fluctúa entre 89 y 94 bpm a lo largo de la canción.

Muchas bandas e interpretes se han dado el lujo de hacer covers de esta hermosa canción: Phish, the Grateful Dead, Billy Preston, Kenny Rankin, Carly Simon, Bonnie Pink, Arturo Sandoval, Jesse McCartney, Dionne Farris, Crosby, Stills & Nash, Doves, Brad Mehldau, Sarah McLachlan, Harpers Bizarre, Bobby McFerrin, Jaco Pastorius, Dan Fogelberg, Dave Grohl, Dave Matthews Band, O.A.R., Elliott Smith, Justin Hayward, Marillion, y Maria João & Mário Laginha.

Dato Curioso: Charles Manson (criminal estadounidense, fundador y líder de "La Familia") tomó la canción Blackbird junto con "Helter Skelter" y "Piggies" (las tres de la banda de Liverpool) como una metáfora para las relaciones entre blancos y negros en los Estados Unidos, lo que ayudó en la inspiración de sus asesinatos.