La Música es el arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas que ligada a un grupo social y a sus acontecimientos, sea la expresión de éstos últimos.
"Así me gusta a mí" es su máximo éxito en esta
sencilla canción, el encarna a un joven que decide lanzarse al consumo de estupefacientes de forma selecta
por eso el famoso estribillo (Ésta sí, ésta no, ésta me gusta, me la como yo);
pero pese a todo, termina perturbado.
El mensaje social es desgarrador: da igual la procedencia de
la droga, siempre se termina mal. Con esto Chimo bayo no quiere hacer apologías
a las drogas ya que él se dedicó a recorrer las discotecas valencianas avisando
a la juventud de los peligros de la droga. Para hacer ver lo peligrosas que
eran, se disfrazaba de pastillero y cantaba canciones ridículas y ripies cas.
Nadie que viera el lamentable espectáculo podía quedarse insensible ni volver a
endrogarse; ni mucho menos ponerse una chapa del maldito smiley que tanto mal
había hecho. Poco después vio que aquello era bueno; la Ruta del Bakalao
empezaba a desinflarse. Valencia se alejaba poco a poco de las temibles drogas
de diseño.
Mientras tanto, la gente del resto de España seguia
sufriendo el azote de los adictos al Quimicefa. Chimo, una vez más, se lanzó al
ruedo de las discotecas. Y triunfó en todas las plazas, en una ruta más
triunfal que las de Napoleón y el Moro Muza juntos. Tras todos sus esfuerzos y
sacrificios, el éxito en las listas de ventas no tardó en llegar. La gente
compraba sus discos a mansalva, creando conciencia social. Y su objetivo final,
cero drogas, que se grabó en la mente de
la juventud.
"Blame It on the Boogie" es
una canción de la banda norteamericana The Jacksons (que fueron mas
conocidos en el mundo entero como The Jackson Five). Esta particular
canción fue lanzada como single en Octubre de 1978 captando gran
éxito en los charts y las radios estadoundenses. Dos meses despues
de su lanzamiento como single,"Blame on the Boogie" fue
incluida en el disco "Destiny", que fue el disco que los
devolvió a la fama, tras un breve decenso en las ventas debido a
constantes peleas con su discografica.
Pero la historia de esta canción
empieza en Inglaterra, lugar donde hacía de las suyas el cantante y
productor Mick Jackson, que no tenía nada que ver con los hermanos
de Michael. En ese mitico año1978, Mick estaba trabajando en la
composición de una canción para Stevie Wonder. Esa canción tenía
como titulo "Blame it on the Boogie" y pretendía ser todo
un éxito en voz de ese "hombre orquesta", pero fue
rechazada por el artista y sus productores simplemente porque la
encontraron muy"simplona" y con pocas ideas para ser
considerada un hit en las radios.
Pero Mick Jackson no se quedaría de
brazos cruzados...
Mientras Mick Jackson buscaba algún
interprete para su canción, en Estados Unidos Los Jackson Five
estaban saliendo adelante luego de un mal momento en su carrera
musical. Los problemas con el sello Motown, hicieron que la banda
practicamente se fuera en picada a los ultimo lugares de los
rankings. Además tuvieron que cambiar el nombre de la banda
simplemente por The Jackson, ya que al renunciar con la Motown, estos
se quedaron con la marca "Jackson Five". Es que asi son los
empresarios...
La nueva etapa de los hermanos Jackson
comienza cuando firman contrato con la CBS Records en 1976. Esa
desciño marcó el regreso a los primeros lugares de los charts a
Michael Jackson y su brigada de hermanos que hacían cantar y bailar
sin parar al mundo.
Poco a poco la banda iba retomando el
rumbo en su carrera musical con nuevos singles que llegaban a los
primeros lugares en las listas de las radios, mientras sus discos se
vendían como pan caliente.
Era 1977 y la banda estaba en búsqueda
de nuevas canciones para que sean incluida en su tercer disco con su
nuevo sello, el cual se llamaría Destiny.
Los productores de los Jackson Five se
fueron en busqueda de canciones por todo el mundo. Buscaban nuevos
ritmos y a uno que otro compositor que quieran colaborar con un hit y
que no cobre tan caro.
Asi fue como en Fracia, uno de los
representantes de The Jacksons escuchó una canción llamada "Blame
it on the Boogie", la cual estaba siendo probada con algunos
artistas galos. Este representante de la banda quedó muy a gusto con
la canción, y que calzaba con el estilo musical de los chicos
Jackson y además contenía un titulo muy llamativo y bastante
comercial.
El problema estaba que Mick Jackson, al
no encontrar un interprete para su canción, había decidido lanzar
"Blame it on the Boogie"como un emblema inicial para su
carrera solista.
Obviamente esa idea no le gustaba al
productor de los J5, que decidió comprar los derechos de la canción
y partir a toda prisa a Estados Unidos para que su banda la grabe y
entre a los charts primero que la versión original.
Sin decirle nada a Mick Jackson, los J5
grabaron en secreto esta canción bajo una producción muy rápida
para que salga antes al mercado que la versión del autor.
Al final ambas canciones fueron
publicadas en 1978 y solo con un día de diferencia. Esto fue muy
raro, y la prensa no se quedó de brazos cruzados y bautizaron este
episodio como 'The Battle of the Boogie', ya que ambas canciones
peleaban en los rankings. Además todo era muy confuso debido a la
similitud de los apellidos, ya que eran los hermanos Jackson contra
Mick Jackson y daba para todo entre el publico. Algunos incluso
pensaban que eran hermanos y que todo era una estrategia comercial
para que la banda lograra el doble del éxito con este "temazo",
pero cuando vieron y compararon las fotos de ambos artistas se dieron
cuenta que estaban mas perdidos que piojo en peluca.
La confusión llegó a tal punto que la
prestigiosa revista de música "Melody Maker" se mandó una
"talla" que hasta el día de hoy tiene a Mick Jackson
masticando su rabia. En la revista se dedicaron páginas y páginas a
los hermanos Jacksons y fundamentaban su talento musical con la
composición de "Blame it on the Boggie". Hasta ahí el
señor Mick Jackson ya se quería matar, pero cuando lee que la
revista había catalogado su versión como pobre y de escasas ideas,
ahí ya queria explotar de rabia e ir a ahorcar a ese periodista que
se había mandando un error del porte de un buque.
Muchas personas prefieren la versión
de los J5, mientras otros se quedan con la versión original del
músico inglés. Pero esta batalla musical tuvo como ganador a
Michael Jackson y compañía porque lideraron los rankings en el
Reino Unido y Estados Unidos, seguidos muy de cerca por el Jackson
inglés.
"Glad All Over" es una
canción de la banda británica The Dave Clark Five, que fue
publicada como single en Noviembre de 1963.
Con estos famosos acordes, esta banda
oriunda de Tottenham y liderada por el baterista Dave Clark, dejó d
elado su fama local para ser conocidos por toda Inglaterra y en gran
parte de Europa.
El impactante éxito de esta canción,
pudo a los Dave Clark Five en la cima de las lstas británicas
dejando en segundo lugar a una famosa canción de The Beatles, banda
que por esos años eran los dueños de los charts en todo el mundo.
En plena "Beatlemanía", la
unica forma de ser famosos o acaparar algo de éxito era imitar todo
lo que hacía al cuarteto de Liverpool. Por ello lo managers y
productores empezaron a reclutar jovenes con el fin de que se junten,
los peinen y los junten como una banda, luego de eso toquen un tema
con coro pegajoso y se hagan famosos en una primavera para luego ser
olvidados y retirados del mercado. Una de las pocas bandas que no
duraron solo un cuarto de hora de fama fue The Clark Dave Five y todo
se debía a su gran talento musical que venían cultivando desde
finales de la decada de los 50's.
La banda ya tenía un amplio camino
recorrido en los bares de Tottenham, tocando viejas canciones e
interpretando composiciones hechas con sus manos e ideas.
En una de esas tertulias rockanroleras
en algun bar de su zona, fueron fichados por el sello Picadilly,
quienes vieron en Dave Clark, Mike Smith, Lenny Davidson, Rick Huxley
y Denis Payton una gran calidad musical para hacerlle algo de
competencia a la Beatlemanía.
Tras grabar tres singles que pasaron
sin pena ni gloria por las listas de las radios, la banda no se dió
por vencida y con un cover de The Contours lograron entrar al Top 30
en el Reino Unido. Ese ya era un gran paso, pero faltaba el que lo
llevaría a la fama...
El siguiente single sería una canción
que escribieron el baterista y productor Dave Clark y el tecladista
Mike Smith. Dicha canción tenía como título "Glad All Over"
y contenía un sonido muy ligado a su natal Tottenham. Ese sonido,
ideado por el productor Adrian Kerridge se caracterizaba por la
intensidad y energía de la batería con una técnica y fuerza que ha
sido escuela para muchos bateristas a través de generaciones en
generaicones. Los principales exponente de este estilo musical fueron
los mismisimos DCF.
La fama que les dejó su versión de
"Do you Love Me", dejó muy alegre a Clark y compañía.
Esto les permitió que se dieran el lujo de probar suerte con un tema
propio, cuyo título venía directamente inspirado en una canción
del maestro Carl Perkins ("Glad All Over"). Esa canción
era una de las favoritas del tecladista Mike Smith, que decidió
robar el titulo y escribir una nueva letra y musica junto a su
compadre Dave Clark.
En una entrevista hecha para el libro
1000 UK #1 Hits de Jon Kutner, el señor Dave Clark menciona que: "Yo
sabía que necesitábamos una canción que pegara en los salones de
baile y que nos diera una respuesta real del publico hacía lo que
estabamos haciendo".
En enero de 1964 la banda estaba
celebrando en su estudio de grabación al enterarse por los medios
que su canción había alcanzado el primer puesto del UK Singles
Charts y tres meses despues los abrazos y la fiesta continuaba en ese
estudio cuando les informaron que "Glad All Over" llegaba
al sexto puesto en Estados Unidos, en pleno auge de la "British
Invasion".
Con el paso de los años, "Glad
all Over" se convirtió en un clásico de la década de los 60's
y tambien en una canción que llegó a los estadios del deporte mas
lindo del mundo: el futbol.
Aunque usted no lo crea, esta pieza de
los The Dave Clark Five se convirtió en el himno oficial de la barra
del Crystal Palace Football Club.
De hecho cuando el club llegó a la
final de la mítica FA Cup en 1990 (contra el Manchester United), fue
tanta la alegría por ese suceso deportivo que los dirigentes y
jugadores que decidieron contratar a un grupo llamado The Fab Four
para grabar una versión de Glad All Over junto a los jugadores del
club que lograron esa hazaña de llegar a una final. Esta versión
alcanzó el puesto # 50 en el Reino Unido.
Mientras esa versión de la canción
estaba sonando en todas las radios de Londres, en el estadio Wembley
el Manchester United y el Crystal Palace empataban a 3 goles y se
iban a un partido de revancha. Días despues, el Manchester United
alzaba la copa tras ganarle al Crystal Palace en un apretado partido
por un gol a cero. Pero ese trsite resultado deportivo no hizo decaer
a la canción ni a su hinchada, ya que la siguen cantando a viva voz
cada vez que su equipo juega de local.
"Self Control" es una canción
de la cantante (y tambien actriz) estadounidense Laura Branigan, que
fue lanzada como single en 1984.
Esta canción se convirtió en el hit
que hizo de Laura Branigan una artista reconocida a nivel mundial,
dejandola en la cima de los rankings, en las portadas de los diarios
y que los empresarios de la televisión se la pelearan por tenerla en
sus estelares cantando esta gran canción.
La fama de esta canción sirvió para
dar título al álbum más reconocido en la carrera de esta cantante
de origen italo-irlandés que dejó todo su talento en los escenarios
y quedó como una de las estrellas mas famosas del pop ochentero.
La carrera de Branigan venía
respaldada por el gran éxito de "Gloria", que era una
canción escrita por los músicos italianos Giancarlo Bigazzi y
Umberto Tozzi y que fue lanzada como single en 1982 con la gran voz
de esta cantante. Con esa canción, que en 1979 había sido grabada
por Tozzi, la cantante logró liderar los charts británicos y
estadounidenses, dar giras por todo el mundo y ganar un grammy,
Discos de Oro y dos de Platino. El mundo musical se rendía a los
pies de esta hermosa y talentosa cantante...
1983 fue el año donde la fama de
Branigan no decayó, sino que fue todo lo contrario a lo que pensaban
los criticos de las revistas musicales. Con su disco "Branigan
2" se decidió a experimentar con el Synth-Pop y le dió buenos
resultados, especialmente con la versión que le hizo a la canción
francesa "Solitaire".
Pero la canción que le daría el éxito
planetario y todas las portadas de las revistas sería "Sel
Control" en 1984.
Esta canción originalmente fue escrita
por los compositores italianos Giancarlo Bigazzi y Piccolo Steve para
su compatriota Raf (Raffaele Riefoli), que era un cantante "New
Wave" muy conocido en el pais del Calcio. La versión de Raf ,
publicada en 1983, destacaba por su interesante uso de sintetizadores
y por ser una oscura balada que mezclaba toda la energía
Disco-Tecno-Pop. Con "Self Control", Raf se hizo famoso en
toda Europa, especialmente en los clubes de baile y el movimiento
Underground ochentero.
Branigan se aprovechó de la fama de
esta canción y decidió hacer su propia versión para incluírla en
su tercer disco. Eso si, a diferencia de los que pasó con "Gloria"
o "Ti Amo", esta vez le habían ahorrado trabajo, ya que la
canción fue grabada originalmente en ingles y no tuvo que "sudar
la gota gorda" para contratar a un traductor que le hiciera los
arreglos en su idioma.
Bajo la producción del alemán Jack
White, Branigan grabó una versión más cercana al estilo Pop de
"Self Control", donde nos relata sobre una chica que vive
una agitada vida en las noches y tiende a perder el control por todas
les presiones y desafios amorosos.
Los productores de la cantante
decidieron eliminar ese solo de teclado ue se escuchaba en la versión
original y decidieron reemplazarla por un llamativo riff de guitarra
y le agregaron una nueva parte de batería.
La canción tuvo más éxito que sus
antesesoras y vino a ser su grande hit internacional, colocandose en
la cima de todos los rankings del mundo. Además fue una de las
canciones que no podían faltar en el repertorio de los Dj's en las
fiestas y en las pistas de baile.
"Self Control" fue un megahit
mundial. Lideró los rankings en toda Europa y dejó a Laura Branigan
en la cima de la fama y como una de las leyendas de la musica de los
80's.
"Broken Wings" es una canción
de la banda norteamericana Mr. Mister que fue lanzada como single un
25 de Septiembre de 1985 y fue incluida en el aclamado disco Welcome
to the Real World.
Esta balada es, sin lugar a dudas, la
canción mas reconocida de esta mítica banda que en 1988 visitó
Chile y en el escenario del "prestigioso" Festival de Viña
del Mar, el bajista y vocalista Richard Page leyó una declaración a
favor de los artistas amenazados de muerte y castigados por el
régimen militar chileno, lo que produjo muchos nervios entre las
(des)autoridades de la "junta" y decidieran cortar la
emisión televisiva de su show.
Esta canción fue escrita por Richard
Page, Steve George y John Lang, que inspirados en la temática del
libro "Broken Wings" del poeta y filósofo libanés Khalil
Gibran. En esa obra literaria publicada en 1912, el poeta nos regala
un relato autobiográfico donde recoge diversos pasajes de su vida,
especialmente su amorío con la famosa escritora árabe May Ziadeh,
con quien tuvo un amor "prohibido" a distancia por mas de
20 años, a causa de las diferencias sociales y culturales .
El compositor John Lang quedó muy
impresionado por este libro, y lo catalogaba como una historia a
imitar y reflexionar sobre el esfuerzo y las ganas de levantarse ante
cualquier caída en el camino de la vida.
Musicalmente la canción toma los
sonidos característicos del pop que era grito y plata en esos años.
Nos referimos a esa entretenida experimentación con sintetizadores
acompañados con una base de guitarra, bajo y batería.
La introducción esta compuesta por
sonidos de platillos que posterior a su grabación fueron
reproducidos en reversa logrando un efecto muy llamativo.
Por otra parte, el guitarrista Steve
Farris nos entrega una parte de guitarra que fue muy innovadora para
la época. Es que ese "efecto de sonido retardado" usado
por el encargado de la "guitarrita" llamaba la atención
entre los oyentes ya que se mostraba muy contradictoria con la línea
de bajo y batería, produciendo cierta confusión dentro de la línea
musical.
Con "Broken Wings", los Mr.
Mister lograrón liderar por dos semanas los rankings de Estados
Unidos en Diciembre de 1985.
En el Reino Unido el éxito fue
parecido, ya que llegó a la cuarta plaza del UK Singles Charts,
siendo una de las pocas bandas extranjeras que en su primera
incursión en los charts británicos llega tan alto.
"Mother" es una canción de
la banda norteamericana Danzig que fue lanzada como single en 1988 y
forma parte de su interesante disco debut homónimo.
Esta banda, liderada por el ex-Misfits
Glenn Danzig, logró gran popularidad en el ambiente underground
estadounidense con este disco que contiene un sonido muy ligado al
Heavy Metal con ideales satánicos y que además contaba con la
colaboración del guitarrista y cantante de Metallica, James
Hetfield.
El autor de esta polémica canción fue
el cantante Glenn Danzig y está inspirada en los simpáticos y
horribles discursos conservadores de la activista y psicologa Tipper
Gore, que en 1984 fundó el Parents Music Resource Center ('PMRC,
Centro de Recursos Musicales para Padres). Este centro de recursos
fue muy criticado por los músicos estadounidenses, especialmente por
Jello Biafra de los Dead Kennedys y el genio del rock, Frank Zappa.
Ambos artistas coinciden en que esta organización conservadora solo
se dedicaba a crear miedo entre la gente, y especialmente la
juventud, con sus campañas de censura al Heavy metal. Otros artistas
han señalado que el PMRC tiene muchos lazos comunes con la derecha
religiosa americana.
Glenn Danzig tampoco le caía bien esta
agrupación que solo servia para llamar la atención popular y
portestar ante cualquier riff influenciado por "el cola de
flecha" o una letra que tenga un mensaje mas allá de lo moral o
lo escrito en sus deberes y derechos. Si eso ocurría, de forma
inmediata el disco llevaba un logo que decia Parental Advisory, con
el cual se les advertía a los adultos que ese disco que su hijo
tenía en sus manos contenía mensajes explicitos.
Por todo ese show de circo pobre, Glenn
le escribió una canción llamada "Mother"
En la canción, el cantante le hace un
desafío abierto a esos "buenos" padres que desean proteger
a sus hijos de una realidad inventada por un grupo de personas que
quieren tener todo en orden y que inventaron que todo ese satanismo
del rock y sus guitarras locas provocarían algo parecido al fin del
mundo (?)...
En la canción, Glenn, con una voz que
se parece a la de Jim Morrison, canta frases donde se refiere a que
no necesita la ayuda de sus padres para elegir su estilo de vida o
que disco escuchar, y todo eso lo esconde en la metafora de la
inocente frase"diganle a sus hijo que caminen a mi manera".
Para apoyar la difución del single, la
banda decide publicar un videoclip en 1988. Pero el famoso canal MTV
les censuró la cinta porque contenía una secuencia final muy
fuerte, donde un inocente "pollo" es sacrificado y luego
crucificado mientras su sangre forma una cruz invertida. Para
mantener la calma de los ecologistas y los vegetarianos, Glenn Danzig
mencionó en una netrevista a un medio en 1998 que dicho "pollo"
no fue asesinado ni herido en el video, solo fue un gran actor...
Pero la canción tuvo su momento de
fama extrema recien en 1993, cuando fue lanzada como single
promocional (pero en vivo) del EP Thrall: Demonsweatlive. Esta
versión de la canción fue titulada como "Mother '93" y se
convirtió en una pieza de culto para el Metal y el rock en general.
"Get Up, Stand Up" es una
canción del grupo jamaiquino de reggea y ska The Wailers, que fue
lanzada como single en 1973 y que ademas forma parte del repertorio
del aclamado y exitoso disco Burnin', que fue publicado en Octubre de
ese mismo año.
Esta cancón marcó un antes y un
despues en la cultura musical del reggea, debido a que con su letra
contestataria dejó muy en claro los ideales pacifistas y sociales
que querían transmitir en sus conciertos esta banda formada por Bob
Marley, Junior Braithwaite, Beverley Kelso, Bunny Livingston
(conocido como Bunny Wailer), Winston Hubert McIntosh (conocido como
Peter Tosh) y Cherry Smith..
"Get Up, Stand Up" fue
escrita por Bob Marley y Peter Tosh ,que inspirados en la lucha por
captar el respeto y la aceptación de su religión raftafari en las
escuelas, escribieron esta canción en señal de protesta hacía
aquellas personas que con su ignorancia hablaban "cabezas de
pescado" acerca de los rastafaris.
Obviamente, al igual que todas las
canciones de protesta, esta melodía traspasó las fronteras sociales
y de los ideales, llegando a ser cantada y entonada a viva voz en
diversas campañas pacifistas alrededor del mundo.
Es que en la letra de esta canción, el
cantante desafía a esa gente hipocrita y fanaticos religiosos a que
piensen por si mismo y dejen de lado las leyes o las reglas que
manipulan sus pensamientos y sean hombres libres.
Esas personas, a las cuales van
dedicada estas frases de la letra, tenían un concepto muy errado
sobre lo que era el movimiento rastafari y en señal de respuesta, el
"capo" Marley canta un "pegajoso" coro que dice
"Get up, stand up, stand up for your right/Get up, stand up,
don't give up the fight."(en español sería: "Levántate,
levántate, defiende tus derechos / Levántate, ponte de pie, no
abandones la lucha").
Musicalmente "Get Up, Stand Up"
esta basada en la canción "Darkness Slippin 'Into"
perteneciente a la banda californiana de funk War , de la cual Marley
era muy amigo de sus integrantes. Incluso, en mas de una ocasión los
invitó a que toquen en Jamaica
Con el paso de los años, esta canción
se convirtió en un himno mundial de lucha contra la opresión
racial, religiosa o de ideales politicos, lo cual la deja como una de
las canciones mas coreadas en los conciertos en favor de la paz.
"Gimme Hope Jo'anna" es una
canción del cantante oriundo de Guyana, Eddy Grant. Esta polémica
pieza musical fue lanzada como single en 1988 y fue incluída dentro
del disco Barefoot Soldier, que es considerado como el último disco
exitoso de este gran músico y critico social.
Además, esta canción fue el ultimo
gran hit que tuvo en las radios Grant, ya que con el paso de los
años, su carrera musical se fue en picada al suelo y hoy solo vive
de los viejos hits.
Esta canción, escrita por Grant, tiene
un importante mensaje político en contra del Apartheid de Sudáfrica
y fue dedicada, segun palabras del propio autor, a Nelson Mandela. Es
que en ese oscuro periodo politico donde la segregación racial,
implantada por los colonizadores ingleses, hizo estallar una guerra
social en Sudáfrica, donde Mandela fue el principal opositor a este
movimiento y quedó en la historia mundial al ser considerado como un
personaje legendario que representaba la falta de libertad de todos
los hombres negros sudafricanos, lo cual contagió a otros paises que
pasabn por el mismo problema.
La misteriosa palabra "Jo'anna"
no se debe a un nombre femenino, sino que es una referencia a
Johannesburgo, la ciudad más grande de Sudáfrica y donde estaba el
núcleo de todo este movimiento racial.
En la letra de la canción, Grant deja
muy en claro sus ideales pacifistas influenciados en el discurso
social de Mandela, por ejemplo cuando dice "She's got supporters
in high up places, Who turn their heads to the city sun", se
refiere simplemente al poco apoyo internacional para ir en contra del
Apartheid, especialmente de los paises que dicen ser "potencias
mundiales". Además, esa frase tiene un mensaje oculto, ya que
contiene un juego de palabras que hacen referencia a Sun City, que es
un lujoso centro hotelero ubicado en Sudáfrica y que en 1985 tuvo
cierta polémica, cuando diversas figuras del rock y el Pop, opuestos
a las políticas de apartheid, prometieron no actuar nunca más en
ese lugar y además criticaron abiertamente a artistas que lo habían
hecho. Incluso esos artistas le dedicaron una famosa y manoseada
canción, en señal de protesta...
Otra frase destacable es la que dice
"She even knows how to swing opinion, In every magazine and the
journals", que va dedicada a todos los medios de comunicación
que "vendían humo" con sus titulares que atribuían el
éxito del sistema de Apartheid, mintiendo descaradamente y
faltandole el respeto a toda esa gente que día a día caía muerta
defendendo sus ideales.
Pero Grant era muy valiente y tambien
puso su critica al ejército que apoyaba el apartheid, y les declaró
toda su furia describiendolos como "buitres carroñeros"
que metían sus garras en fronteras vecinas como infiltrados del
gobierno.
Dentro de la lírica, Eddy Grant
tambien le hace un homenaje al reverendo Desmond Tutu, otro de los
fieles opositores de ese movimiento que en 1984 fue merecedor del
Premio Nobel de la Paz.
La canción fue todo un éxito en
Europa, llegando a entrar en el Top Ten de las listas del Reinio
Unido, Alemania, Suiza, Suecia, Alemania, Francia y Suecia. Además a
sido considerada como uno de los himnos pacifistas mas coreados en
Europa, y Africa.
"Don't Stop Me Now" es una
canción de la famosa banda inglesa Queen. Esta llamativa y
energetica canción fue publicada como single un 26 de Enero de 1979
y fue incluída dentro del repertorio del disco Jazz, publicado en
1978.
Jazz es un disco interesante, no solo
porque abarca el estilo musical que le da el titulo al LP sino que
tambien contiene diversas experimentaciones con otros estilos
musicales, donde destaca a todas luces"Don't Stop Me Now".
Esta canción fue escrita por Freddie
Mercury mientras estaba de vacaciones por Montreux, Suiza. El
vocalista, se basó en una simple base de piano para componer una
pista que quedó en la leyenda musical de su banda.
Con una letra llena de ironía y
frenesí, basada en increíbles versos que calzan a la perfección en
la melodía, "Don't Stop Me Now" no pasa desapercibida
dentro del disco.
Musicalmente la canción es notable,
debido a toda esa energía llena de ganchos Pop mezcladas con el lado
mas sucio del Rock.
Esa introducción con Mercury cantando
al piano como si estuviera en el living de su casa, es uno de los
detalles mas sorprendentes, porque el puente que pasa de la
tranquilidad a la locura roquera es uno de los momentos mas
electrizantes de la canción.
Lamentablemente en la interpretación
de "Don't Stop Me Now", el mas perjudicado del grupo fue el
guitarrista Brian May, quien solo participó en la grabación de esta
pieza musical ejecutando un solo de guitarra en la parte intermedia.
Para colmo de males, Mercury hizo que el guitarrista grabara mas de
una vez ese solo de guitarra, ya que lo encontraba bastante "fome"
y eso tenía desanimado al pelucón de la Red Special. Es por ello
que May a declarado en varias entrevistas que esta es una de las
canciones mas malas de la banda.
Se nota que esta algo "picado"....
Pero en los conciertos de la banda, esta canción tomaba un sonido
mas ligado al Rock duro, ya que May agregaba una interesante parte de
guitarra que dejaba a "Dont Stop Me Now" con un sentimiento
menos ligado al Pop.
Al ser lanzada como single (siendo la
primera canción de Queen que salía en formato cassette),
rápidamente esta canción llegó al noveno lugar en las listas
británicas, mientras que Norteamerica fue todo un fracaso para la
banda porque solo llegó al puesto #86 de los charts.
Pero con el paso de los años, gracias
a su uso en diversos anuncios publicitarios, programas de televisión,
películas y a través de nuevas versiones, la canción fue
acrecentando su popularidad hasta convertirse en una de las canciones
mas famosas de Queen.
"I'm Happy Just to Dance with You"
es una canción de la super-banda británica The Beatles, que fue
publicada como single el 20 de Agosto de 1964, con el fin de
promocionar el soundtrack de su "respetada" pelicula A Hard
Day's Night.
Esa pelicula, que fue el primer guiño
cinematografico de la banda, simplemente trata sobre el sorprendente
ritmo de vida que llevaban Los Beatles en ese entonces, donde siempre
pasaban de un lado a otro ( del hotel a una entrevista, actuación o
grabación y de hay al hotel ) y es un claro reflejo de lo que
conlleva la fama, mezclado con el típico humo inglés de gestos y
bromas pesadas.
Esta canción fue escrita por Lennon y
McCartney (aunque el 80% de la creación corresponde a John) con el
fín de darle protagonismo vocal en alguna canción a su compañero y
guitarrista de la banda, George Harrison.
En esos años, Harrison solo había
escrito una canción (la famosa "Don't Bother Me") y sus
compañeros de banda le pedían mas canciones para el disco que
estaban trabajando, pero el guitarrista se negaba a mostrarlas porque
las consideraba de muy baja calidad al compararlas con las melodías
de Paul y John, que eran el cerebro musical de la banda.
Para fomentar la imagen de Harrison en
la pelicula y en el disco, Lennon le cedió esta canción y dejó que
hiciera la voz principal.
Asi fue como el domingo 1 de Marzo de
1964, los cuatro chicos de Liverpool grabaron, en los estudios Abbey
Road y bajo la producción de George Martin, la optimista canción
"I'm Happy Just to Dance with You".
Es cierto, "I'm Happy Just to
Dance with You" es una canción de ritmo muy contagioso y con
una letra optimista, donde Harrison recita frases romanticas a la
chica de sus sueños y se siente feliz solo con bailar una pieza
musical junto a ella.
De ahí, muchos criticos empezaron a
hacer dudosas e interesantes (?) comparaciones entre Los Beatles y
Los Rolling Stones, que eran las dos bandas mas famosas en los charts
del Reino Unido. Sus comparaciones decian que mientras los Fab Four
eran felices por bailar con una chica o simplemente por tomarle su
mano, la banda de Jagger y compañia recitaban furiosas frases donde
le pedian a sus chicas tener sexo violento y "megahiperapacionado".
La inocencia de Los Beatles y la
rebeldia de los Stones, siempre fue tema para algun debate musical en
los sesentas, pero el tiempo dejaría todo de lado, ya que
aparecieron bandas y cantantes cuyas letras y modas eran mas que
"peligrosas"...
Con esta canción, las fans se dieron
cuenta que Harrison era feliz bailando con la chica de sus sueños y
que a pesar de que no hayan besos, caricias, miradas ni "agarrones",
él la pasaba bien y se sentía conforme con el acto.
"Dear God" es una canción de
la banda britanica XTC, que fue lanzada como single en Junio de 1987
solo en el Reino Unido.
Esta canción forma parte del aclamado
disco "Skylarking"(1986), que es considerado por los
críticos especializados como una obra maestra del Pop, donde cada
canción fue cuidadosamente arreglada y las melodías fluyen
elegantemente durante el LP.
Este disco también es famoso por las
contantes peleas entre el famoso productor y compositor Todd
Rundgren, con el cantante líder de la banda, el señor Andy
Partridge, que sostuvieron una furiosa lucha de egos mientras
grababan el disco. Como dicen por ahí: "peleas de genios"...
Pero la historia de la canción va mas
allá de esas peleas entre el productor del disco y el cantante de la
banda, ya que en un principio "Dear God" (escrita por
Partbidge) no iba a ser incluída dentro del LP. Pero gracias a la
acción de varios DJ's que habían escuchado el material del disco
antes que este saliera a la venta, convencieron a que Partrigde
decidiera incluirla en el repertorio del LP, ya que esos
"pinchadiscos" la consideraban como un emblema del New Wave
con aires Psicodelicos muy interesantes.
Asi fue como el cantante de los XTC fue
donde Rundgren y le pidió que eliminara del listado la interesante
pieza "Mermaid Smile" e incluyera a "Dear God" en
el listado final. Obviamente esa idea provocó ua nueva pelea entre
el productor y el lider de la banda...
Según Partridge, "Dear God"
fue inspirada por una colección de libros que tenían ese título.
Segun el cantante, esos libros simplemente explotaban la imaginación
de los niños y le hacían olvidar la realidad por unas fantasías
sin sentido para la vida.
La letra de esta canción están
dirigidas de manera directa a Dios, y le hecha la culpa de que todo
el sufrimientos de los humanos es culpa de él. Por eso, al final de
cada frase el cantante repite la polémica frase "I can't
believe in you" (en español es algo como "No puedo creer
en ti"), para refutar las ideas planteadas en la palabra de
Dios.
Según Partridge, la letra de la
canción es una carta a Dios, cuyo fin es saber si en realidad existe
o es una fantasía para vivir siempre vigilados o sintiéndonos como
pecadores constantes.
Debido a que la letra contiene un
mensaje crítico a las religiones y deja en duda la existencia de
Dios, la canción pasó a ser una joya musical a una melodía
peligrosa y mal valorada por los fanáticos religiosos.
Las punzantes criticas a las religiones
y a la biblia, hicieron que esta canción fuera censurada en varias
radios, por temor a denuncias por parte de los cleros religiosos o
"castigos divinos" del "pulento".
Para los creyentes, esta canción les
causó mucha furia y rápidamente la catalogaron como un himno
anti-Dios o una melodía que le hace propaganda al ateísmo. En el
Reino Unido llegó a tal punto la polémica, que cuando la canción
fue lanzada como single, muchas tiendas de discos se negaron a vender
el single, por temor a una reacción religiosa violenta.
Otro dato curioso con respecto a "Dear
God", es la parte introductoria donde supuestamente canta un
niño, el cual puede ser corroborado en el videoclip. Pero todo es un
invento de la banda, ya que la voz infantil que se escucha en esa
parte corresponde a Jasmine Veillette, una niña de ocho años de
edad que era hija de un amigo de los integrantes de la banda. El niño
en el video solo hace la mímica.
Les dejamos esta hermosa canción con
una letra muy polémica y que ayuda a reflexionar (en buena onda)
sobre las creencias religiosas.
Una banda alejada de las cifras
multimillonarias, pero que ha sido influencia musical para varios
artistas que vieron en XTC una nueva forma de hacer música sin caer
en los estrictamente comercial.
"A World Without Love" es una
canción del dúo británico Peter and Gordon, que fue lanzada como
single un 28 de Febrero de 1984.
Esta canción, escrita por Paul
McCartney (y comercialmente atribuída a la dupla Lennon/McCartney),
fue el primer gran éxito de este dúo formado por Peter Asher y
Gordon Waller y a la vez, "A World Without Love" se
convirtió en la primera canción exitosa de McCartney que no fue
grabada en voz de The Beatles.
"A World Without Love" en
esos días de su lanzamiento fue considerada como la primera canción
exitosa de la invasión británica que no fue cantada por The
Beatles, que en ese mítico año 1964 tenía al mundo bajo sus pies
de tanta fama. Con ese cartel publicitario, este dúo musical logró
llenar varios teatros y tener una ansiada primavera donde la fama los
hizo estar en todos los canales de televisión y en los rankings de
las radios de todo el mundo.
Pero el secreto del éxito de esta
canción estaba en que fue escrita por los dos compositores que
dejaron la "crema" en los 60's. Nos referimos a Paul
McCartney y John Lennon, que eran los cerebros creativos de The
Beatles y que además de "romperla" con sus hits, tambien
se apoderaban de los charts en calidad de compositores de buenas
canciones para otros artistas. Eso no lo hacen muchos...
Con el paso de los años se supo que la
canción fue escrita solo por el bajista de The Beatles, quien la
tenía en carpeta desde los inicio de la banda, pero que no la
encontraba muy cercana a la calidad de sus hits que hasta ese
entonces la banda tenía en los charts.
Pero en esa época, Paul McCartney
tenía una relación amorosa con la hermana de Peter Asher, la famosa
actriz Jane Asher, y asi fue como se conocieron ambos músicos y
empezaron a ayudarse mutuamente con el fín de hacer mas fuerte el
lazo familiar que los unía (?).
Musicalmente, Paul a declarado que la
canción está muy influenciada por las finas melodías de los Everly
Brothers, con una mezcla de guitarras "folk" y una
misteriosa parte de órgano, que le da un toque sútil a "A
World Without Love".
Si en algo se parece esta canción a
los hit del cuarteto de Liverpool es en esa letra llena de melancolía
y desaliento amoroso, que era muy contradictoria con la música que
acompañaba y abrazaba a los versos.
El porqué The Beatles nunca grabó "A
World Without Love", simplemente fue porque Lennon, que en ese
entonces era el líder de la banda, la encontraba "bastante
mala" y con un sonido folk-rock que solo los llevaría a la
cárcel por plagio.
Existe una versión de la canción, que
supuestamente es cantada por The Beatles, pero no es nada mas que el
demo que grabó Paul junto al dúo musical y que despues de varios
años de mantenerlo escondido, Asher decidió publicarlo como Bootleg
para los fanáticos de los Fab-Four. Esta versión suena mas rockera,
con un solo de guitarra bastante interesante y contiene la voz
principal a cargo de McCartney.
Pero de lo que realmente no hay que
tener dudas es que esta canción es todo un clásico de la decada de
los 60's, y probablemente sea la mejor canción de la dupla
Lennon-McCartney que nunca fue grabada por los Beatles.
En Junio de 1964, Peter y Gordon se
abrazaban de felicidad la saber que "A World Without Love"
lideraba el prestigioso Billboard Hot 100 en Norteamérica, y estuvo
una semana en el número uno.
En el Reino Unido, el exito fue
congruente, ya que lideró el UK Singles Charts y se convirtió en
todo un clasico de la música popular de esa zona tan rica en buen
rock.
"Así me gusta a mí" es su máximo éxito en esta
sencilla canción, el encarna a un joven que decide lanzarse al consumo de estupefacientes de forma selecta
por eso el famoso estribillo (Ésta sí, ésta no, ésta me gusta, me la como yo);
pero pese a todo, termina perturbado. 
