George Harrison – Ding Dong, Ding Dong

1974 fue un año muy intenso para George Harrison. Es que empezó con su comentada separación con esposa Pattie Boyd, y donde la prensa rosa habló de muchas infidelidades en ambas partes y que todo se fue al carajo cuando Harrison supo que su esposa lo engañaba durante meses con Ronnie Wood, por entonces guitarrista de los Faces (después se uniría a la familia Stones). 

Eso si, Harrison se había ido meses antes a unas secretas vacaciones con la esposa de ese guitarrista.

Pero no todo iba ligado a esa "comidilla" de ciudad, ya que también fue un año donde Harrison buscaba renovar su repertorio, y el primer paso fue funda su propio sello, bautizado como Dark Horse Records, y asi trabajar como productor para discos de figuras tan destacadas como Ravi Shankar y la banda Splinter. También se dió el tiempo de empezar a grabar el que sería su cuarto disco, Dark Horse, en donde dejaría de lado la estética musical religiosa y volvería a las canciones con aroma a rock and roll y con letras muy ligadas al contexto en que se encontraba por esos días. Además, este disco sería la excusa perfecta para empezar una gira por Estados Unidos, una gira que sería un desastre...

Para empezar esta nueva etapa, a finales de 1973, Harrison decidió encerrarse por unas semanas en su mansión de Friar Park, que había adquirido en el año 1970 y que había pertenecido a Sir Frankie Crisp, famoso abogado y horticultor, que diseñó esa casa con cierto homenaje a los estilos arquitectónicos del renacimiento francés y aires góticos que lo acompañaba con un extenso jardín que incluye tres lagos.

Pero entre tantos detalles que tenía esa mansión, uno de los que más gozaba Harrison eran ciertos mensajes y frases que estaban escritas en la madera de las paredes y en algunas mesas. De hecho, una de las frases que mas le llamaba la atención al ex-Beatle era una que decía:"Scan not a friend with a microscopic glass", que posteriormente usaría en la letra de la canción "The Answer's at the End", que aparece en el disco Extra Texture de 1975.

Para Harrison, esas frases anotadas en las paredes eran una buena herramienta para escribir letras de canciones, y como era un tipo muy ligado a la ironía, este era el momento perfecto para crear líricas muy oscuras para dejar pagando a la fanaticada.

Por esos días el músico andaba con ganas de escribir una canción con tintes alegres, con aires festivos y que mostrara una nueva faceta. Para ello pescó la guitarra y empezó a mirar fijamente esas frases que estaban en las paredes hasta que encontró una muy singular al costado de la chimenea, y que decía "ring out the old, ring in the new" y de paso le echó la mirada al otro lado de la chimenea y encontró la frase "ring out the false, ring in the true". Esto dejó muy sorprendido a Harrison, quien en tan sólo tres minutos escribió la canción "Ding Dong, Ding Dong".

"'Ding Dong, Ding Dong' fue la canción que he escrito de manera mas rápida. Me tomó sólo tres minutos, pero me llevó cuatro años encontrar esas frases que estaban escritas en la pared de mi casa. Me da risa porque es muy simple, y ya antes de publicarla sabía que sería un éxito. Esta canción me persiguió por cuatro años" comentaría George.

Cabe señalar que la pista instrumental ya había sido grabada en Noviembre de 1973, en su estudio casero. En esa sesión de grabación participaron gran parte de los músicos que trabajaron junto a él en el disco "Living in the Material World ", en 1973. Nos referimos a Gary Wright en piano, Klaus Voormann en el bajo, y Ringo Starr y Jim Keltner como bateristas.

Una vez terminada la base instrumental, Harrison se puso de productor para hacer algo similar al muro de sonido empleado por Phil Spector, y que en ese entonces volvió a ser muy usado en los hits navideños de bandas glam como Slade y Wizzard, donde destacaba el uso de dos baterias y saxofón.

Una vez que estuvo lista la parte instrumental y la letra, en Enero de 1974 Harrison le envió la cinta a David Geffen, propietario de Asylum Records y le incluyó el siguiente mensaje: "Es uno de los números repetitivos que le gusta a mas de 20 millones de personas que son ninfomanas de Phil Spector. Trae buenos coros, suena de manera maravillosa. Pero te agradecería que no dejes que nadie me la robe, porque yo quiero que sea un éxito".

En Septiembre de 1974, y tras hacer algunos conciertos en Estados Unidos, Harrison fue a los estudios de Geffen para re-grabar la parte vocal, pero los avances no fueron muchos ya que se encontraba con laringitis y su actuación vocal era muy débil (en esa gira se notó que la voz de Harrison pasaba por su momento mas delicado). Finalmente, y debido a los buenos cambios de la letra, usaron esa ultima toma donde la voz ronca de Harrison hacía presumir que no sólo era parte de esa enfermedad, sino también de los excesos. Años después Pattie Boyd diría que los excesos de cocaína y brandy hicieron que la voz de su "amado" bajara en calidad.

Finalmente, el 6 de Diciembre de 1974 fue la fecha en que "Ding Dong, Ding Dong "se publicó como single en el Reino Unido, alcanzando el puesto #38 del UK Singles charts y dejandola como una de las canciones emblemáticas de las fiestas de fin de año.

Tras eso, 17 días después la canción fue publicada en Estados Unidos y llegaría a la casilla #36 de Billboard Hot 100, y también sería número especial para las fiestas de Año Nuevo por su simpática letra.

De hecho, para promocionarlo en esas tierras, Harrison filmó una especia de videoclip donde se le puede ver vestido de gris y junto a una Rickenbacker de 12 cuerdas, y además aparecía en algunas escenas con el famoso uniforme que usó en la portada del "Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band", y cuya ultima aparición había sido en el video de la canción "Hello, Goodbye" en noviembre de 1967.

Jethro Tull – My God

"My God" es una canción de la banda de rock progresivo Jethro Tull escrita por su lider Ian Anderson para el "recomendable" álbum Aqualung publicado en marzo de 1971.

Este tema da el inicio a la segunda parte del disco (cara B) donde dan un toque reflexivo al tema sobre el hombre y Dios, es por ello que se dice en la cubierta del mismo, parafraseando el comienzo del Génesis en la Biblia: "In the beginning, Man created God; and in the image of Man created he him.And Man gave unto God a multitude of names, that he might be Lord over all the earth when it was suited to Man."( En español: "Al principio, el Hombre creó a Dios; y lo creó a su imagen y semejanza.Y el Hombre dio a Dios multitud de nombres, y el poder de que fuera el Señor de toda la tierra cuando al Hombre le conviniere.")

Toda esta teoria que critica a las religiones ya había sido expresada por el filósofo Ludwig Feuerbach y fue usado por Anderson en la creación de la letra de esta canción. Para este filosofo aleman no era Dios quien habia creado al hombre a su imagen, sino el hombre quien ha creado a Dios, proyectando en él su imagen idealizada. Ademas mencionaba en sus libros que la palabra Dios tiene peso, seriedad y sentido inmanente en boca de la necesidad, la miseria y la privación. Los dioses no han sido inventados por los gobernantes o los sacerdotes, que se valen de ellos, sino por los hombres que sufren.

Debido a estas ideas filosoficas la letra de esta canción critica fuertemente la religión institucionalizada y monetaria, en particular a la Iglesia de Inglaterra, a la que califica de "bloody" (que seria algo asi como "sangrienta" o "maldita").

Hablando del aspecto musical en sí, este tema de larga duración en su parte central incluye el más impresionante solo de flauta que ha hecho Ian Anderson en el cual nos demuestra todo su talento en la ejecición de este instrumento de viento.

La música ademas nos trae una mezcla interesante de folk y hard rock, con secciones acústicas, muy breves y tranquilas, intercalándose con momentos donde el centro de atención gira en torno a la virtuosa guitarra eléctrica de Martin Barre.

Todo este continuo contraste entre pasajes melodiosos con toques liricos tranquilos y periodos musicales bastante enérgicos seria una constante en toda la música de Jethro Tull.

Pero todo este contexto que trae la polemica letra trajo muchas repercusiones en la sociedad. Por ejemplo en España, debido a la censura imperante durante la dictadura del franquismo , las ideas expresadas en la cancion de esta canción llevó a que el disco y algunos singles fueran prohibidos en aquel pais... todo por hacer pensar y eso a los dictadores les duele mas que mil balazos.

Jerry Lee Lewis – Whole Lotta Shakin' Goin On

"Whole Lotta Shakin' Goin On" es una canción del pianista, cantante estadounidense y pionero del rock and roll Jerry Lee Lewis. Fue publicada en 1957 y llegó a ser una exito mundial por lo cual hasta estos dias es considerado un clasico del rock and roll.

El origen de la canción aun se discute, pero muchos le dan la autoria a la dupla compusta por cantautor oriundo de Kentucky Dave "Curlee" Williams junto al pianista de orquesta y compositor James Faye "Roy" Hall. De hecho Hall fue quien hizo la primera grabación de esta canción en septiembre de 1954 para Decca Records, y sostuvo que él había escrito y que ademas había obtenido la condición jurídica de los derechos de autor como co-escritor bajo el seudónimo de "Sunny Davis". Pero aun no se llega a decifrar quienes son los verdaderos autores de este tema, aunque ninguno de los anteriores nombrados pudieron llevar al exito este tema.

Pero un 27 de mayo de 1957 el cantante Jerry Lee Lewis decidió grabarla cuando se encontraba en su segundo período de sesiones de grabación en los estudios Sun Records. El "Killer" (como fue apodado Lewis por su fuerte personalidad y su puesta en escena) fue supervisado por el productor Jack Clement quien le dio el sí a la idea que tenia Jerry Lee Lewis de cambiar radicalmente los arreglos de la versión original, añadiendole una explosiva parte de piano, una energetica parte de bateria y una parte hablada dentro de la letra.

Tiempo despues Lewis declaria: "Sabía que iba a ser un éxito cuando la grabamos. A pesar de que al productor Sam Phillips no le gustaba el estilo atrevido y creia que no lo iba a ser... pero ahí está el resultado".

Lo que realmente tenia bastante asustado a Sam Phillips era el alto contenido sexual de la letra que la hacía más propia del gusto del público negro, pero finalmente aceptó y la grabaron como cara B de un sencillo que incluía como tema principal a It'll be me.

"Whole Lotta shakin...'" fue tocada en vivo por primera vez en un bar de Arkansas el 22 de febrero de 1957 e impresionó tanto al público, que se dice que la tuvieron que repetir veinticinco veces en la misma noche... claramente estaban fente a un hit de aquellos!!

Debido a su alto contenido sexual, excesivo para la sociedad de la época, fue censurada en muchos programas de radio y televisión. Después de no ser admitida en el "conservador" The Ed Sullivan Show, ya que la prensa la calificaba de inmoral. Pero Lewis y su banda decidieron presentarla en The Steve Allen show, gracias al cual alcanza el número uno en las listas de country y R&B y ademas el tercer puesto en las lista de pop, llegando a vender cerca de seis millones de copias en todo el mundo y llevando a Jerry Lee Lewis a la cima de su fama siendo considerado hasta (casi) "Rey del Rock".

Gracias a esta canción Lewis se convirtió en una estrella del rock gracias a sus canciones y sus freneticas interpretaciones de piano. Con respecto a esto el cantante de "rockabilly" Robert Gordon, señalaba: "Jerry Lee comenzó a demostrar que en este nuevo género emergente llamado rock 'n' roll, no todo el mundo iba a estar cantando solo con una guitarra".

Esta versión de Jerry Lee Lewis fue ubicada en la posición 61 en el ranking de las 500 mejores canciones de todos los tiempos hecho por la revista Rolling Stones.

Television – Marquee Moon

"Marquee Moon" es una canción la banda neoyorquina pionera del punk-rock (proto punk??) Television. Aparece en el "recomendable" disco Marquee Moon lanzado en 1977 y que con el paos de los años paso a ser un disco de culto para los fanaticos del punk.

Esta interesante canción fue escrita por su lider y guitarrista Tom Verlaine y musicalmente fue evolucionando su sonido a medida que la iban tocando en vivo hasta llegar a grabarla. En principio era un tema de casi ocho minutos donde habia mucho juego de guitarras y efectos de distorción pero cada vez se volvia mas desafiante sacarla en vivo para la banda.

Incluso se dice que el bajista que tenia en esa epoca la banda llamado Richard Hell se vió forzado a dejar la banda ya que, aparentemente, no tenía la suficiente habilidad y condiciones técnicas como para tocar esta canción, siendo reemplazado rapidamente por Fred Smith. Lo unico que dejó como legado Hell fue su look que usaba al tocar: Pelos de punta, Jeans destrozados y casacas de cuero con puntas de acero lo que inspiró a los primeros punkys...

A pesar de la duración de la canción (casi 11 minutos), la cual ya era una dificultad si querian que el single sonara en las radios donde ya una pieza que se pasaba de los 4 minutos era conflinctivo, la banda se dió el lujo de sacarla al mercado como sencillo en el Reino Unido, teniendo un modesto éxito y alcanzando solo el puesto número 30 de los charts pero en los circulos del underground se convirtió en un himno.

Pero existen varias versiones de la canción hechas por la misma banda y esto puede llevarnos a una confusión si tenemos un disco de esta banda de culto. Por ejemplo en la versión original en vinilo la canción terminaba en un fade out, cerca de los 10 minutos, pero en las reediciones del álbum en formato CD incluían los 10:40 de la toma. Además está la version aparecida en el álbum The Blow Up de 1982, la cual dura increiblemente cerca de 15 minutos. De hecho hay una curiosidad que dice que esta versión la banda la grabpo en soolo una toma y el baterista, Billy Fica, creia que solo estaban ensayando cuando terminaron de tocar.

Cuando Television la tocaba en vivo se daban el lujo de improvisar solos de guitarra que llevaban al tema a durar mas de 15 minutos lo cual dejaba al publico lleno de rock en las venas.

En el plano musical podemos darnos cuenta que hay dos solos de guitarra dentro de la canción, después del segundo estribillo hay un breve solo de Richard Lloyd y después del tercer estribillo hay un solo de Tom Verlaine, basado en tipica una escala de Jazz que dura entre 5 y 6 minutos. Estas caracteristicas marcaron a la banda que no se quedó pegado en la simpleza musical del punk, sino que tmabien tomaba ideas de otros estilos como el jazz, el hard rock o el rock progresivo. Es por ello que Television es considerada una banda muy influyente y es respetada por la crítica musical, a pesar de que no logró éxito comercial en su país de origen.

La canción fue considerada por la revista Rolling Stone como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, apareciendo en el puesto número 372.

George Harrison – My Sweet Lord

"My Sweet Lord" es una canción del famoso musico britanico George Harrison, la cual fue un exitazo en el Reino Unido y está incluida en el espectacular disco triple lanzado por el ex-Beatle en 1970 titulado All Things Must Pass.

La letra de la canción trata sobre el Dios hindú llamado Krishna aunque muchos la consideradan como el primer himno religioso que no ofende a ninguna religión , ni pregonaba ninguna específica, aunque pueda sonar contradictorio.

Originalmente Harrison habia escrito este tema para Billy Preston quien habia estado meses antes tocando su teclado junto a The Beatles en la sesión musical Get Back. La idea de George era que este tema formara parte del disco "Encouranging Words" que Preston estaba grabando. Fue escrita en 1969 cuando ambos musicos se encontraban en Dinamarca, pero fue grabada en Londres y fue colocada dentro del disco de Billy. Pero Harrison tambien decidió grabarla para su primer disco como solista que venia ya programando.

Cuando se lanzó el single que incluia esta canción, este rapidamente encabezó los Charts a ambos lados del Atlántico siendo un exito de ventas lo cual tambien ayudó bastante a la promoción del disco que igualmente llegó a los primeros lugares en Estados Unidos y el Reino Unido y tuvo seis discos de platino.

El 2002 la canción volvio a llegar al numero uno de las listas del Reino Unido debido a la reedición del disco que se publicó en enero de dicho años después de la muerte de Harrison por causa de un cáncer.

Si escuchamos atentamente la letra de este temazo nos damos cuenta que en los coros del fondo se repite la palabra "Aleluya" que es muy usada en los canticos cristianos y alabanzas judias. Más tarde, el coro de fondo interpreta partes de un mantra hindú en dos oraciones: Hare Krishna / Hare Krishna / Krishna Krishna / Hare Hare / Hace Rama / Hace Rama...

Esta oración que es parte del Vaisnava Hindu era muy usada por Harrison en su vida diaria ya que él era un devoto a esta religión.

Tambien podemos escuchar otros canticos como: Gurur Brahma, gurur Viṣṇur, gurur devo Maheśvaraḥ. Este mantra es cantado por los hindues antes de comenzar cualuqier acción y tambien antes de cantarle himnos a Ganesha y Sarasvati.

Quizas toda esta mistica religiosa que trae la letra del tema fue lo que gustó en la gente, que por aquella epoca estaba marcada por la busqueda dela paz mundial, la vida basada en la paz y el amor, por ello esta canción marcaba esos deseos en su mensaje lirico.

Pero cuando todo parecía color de rosas para el Ex-Beatle, las cosas se vieron opacadas cuando se enteró que una compañía de Nueva York, llamada Bright Tunes, lo habia demandado por plagio musical. Harrison habia sido demandado debido a una violación de derechos de autor en "My Sweet Lord", donde supuestamente imita al single de la banda sesentera The Chiffons llamado "He's So Fine" que habia sido escrita por Ronnie Mack. Finalmente fue multado por plagio inconsciente en 1976. Durante el juicio, la corte había aceptado la posibilidad de que Harrison hubiera "copiado subconscientemente" el éxito de The Chiffons como base a su propia canción, lo que utilizó para mofarse del tribunal en su tema "This Song", publicada en el álbum Thirty Three & 1/3.

Pero las disputas por los derechos de autor continuaron en la década de los 90, con el antiguo mánager de The Beatles Allen Klein que acabó denunciando a Harrison tras comprar Bright Tunes, la compañía que poseía los derechos de autor de "He's So Fine". Finalmente, ya cansado de tantos problemas, Harrison acabaría comprando los derechos de ambos temas... facil solución.

Esta cancipón fue clasificada en el puesto #454 por la revista Rolling Stone en su lista "the 500 Greatest Songs of All Time."

Bob Dylan – Highway 61 Revisited

"Highway 61 Revisited" es una canción del gran cantautor Bob Dylan, la cual da título al álbum publicado en 1965 titulado tambien Highway 61 Revisited que es considerado por muchos como un disco épico en la carrera de este musico estadounidense.

Además, el 21 de diciembre de ese mismo año fue lanzada como cara B del single "Can You Please Crawl Out Your Window?".

Esta canción toma el titulo en honor a la Autopista 61 que va desde Duluth hacia Nueva Orleans y que fue el lugar donde Dylan pasó su infancia. Bob cuenta que dicha ruta era muy transitada por los afroamericanos que viajaban al norte hacia Chicago, Saint Louis y Memphis, siguiendo el valle del río Mississippi por más de 2250 km.

Musicalmente nos muestra una tipica letra surrealista de mano de Dylan y muy favorecida por la guitarra blues de Mike Bloomfield, ademas de la bien arreglada sección rítmica y por el sonido característico del órgano en los dedos de Al Kooper que imita a una sirena policial al inicio del tema y despues de cada estrofa.

Si analizamos con mas profundidad la sección lirica que nos relata Dylan, podemos darnos cuenta que la canción tiene cinco estrofas. En cada una de ellas, un personaje describe un problema, que se resuelve finalmente yendo a la Autopista 61:

En la primera estrofa, Dios ("God") le pide a Abraham que mate a su hijo en su nombre, y pide que lo haga en la Autopista 61. Esta parte alude claramente al Génesis 22:1-24, donde Dios pide a Abraham que mate a su único hijo, llamado Isaac, para probar su fe. Además, como dato curioso y que da para pensar, Abraham era el nombre del padre de Dylan.

Al escuchar la segunda estrofa nos damos cuenta de una historia de vagabundos que describe a un hombre, de nombre Georgia Sam, que pide ropa al departamento de asistencia social, pero como no se la dan, otro pobre, Howard, le dice que vaya a la Autopista 61.

La tercera estrofa trata sobre el problema del ficticio "Mack the Finger", que tiene cuarenta cordones rojos, blancos y azules, y mil teléfonos que no suenan ( se puede escuchar en la parte "I got forty red white and blue shoe strings / And a thousand telephones that don't ring"). Al final "Louie the King" soluciona el problema diciéndole que se deshaga de todo en la Autopista 61.

La siguiente estriofa alude a la "segunda madre" y al "septimo hijo" quienes se encuentran al lado de la Carretera 61. Esta parte debe estar inspirada en una famosa supersticion de origen europeo, según la cual el septimo hijo varon al llegar a la adolescencia se transforma en lobo los martes y los viernes por la noche. Para poder cumplir con este proceso ese "septimo hijo" se revuelca sobre algun elemento desintegrado, como por ejemplo arena, ceniza o la tumba de un cementerio.

La quinta y última estrofa trata de la historia de un apostador empedernido, que intenta crear la siguiente guerra mundial (en estos momentos seria la tercera). Su guerra seria planeada con un promotor que le dice que ponga algunas gradas al sol, y que lo haga en la Autopista 61. Obviamente detrás de este cuento sin sentido real y bastante misterioso se esconde un mensaje oculto hacia la política.

En el año 2004, la revista Rolling Stone incluyó esta joya de canción en su Lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, en el puesto 364.

Creedence Clearwater Revival – Someday Never Comes

"Someday Never Comes" es una canción de la banda Creedence Clearwater Revival. Esta canción forma parte del disco Mardi Gras publicado en 1972 y que fue el ultimo album de estudio que grabó esta famosa banda norteamericana antes de su separación. Fue escrita por su vocalista y guitarrista John Fogerty.

Eta canción no tuvo un gran exito como sus demas singles, y solo llegó al top 20 en los Estados Unidos un 20 de mayo de 1972. Ademas Mardi Gras recibió muchas reseñas negativas por parte de la prensa y obtuvo ventas menores en relación a otros trabajos de Creedence (que en 4 años logró una fama sorprendente). El álbum alcanzó el puesto #12 de las listas de Billboard.

En el aspecto musical "Someday never comes" nos trae un sonido muy melancólico, no tan marcado con el estilo "country" y con cambio de ritmo muy llamativo en la segunda parte donde se puede escuchar fuertes guitarras y una parte de teclado que le da otro toque a esta rara canción.

A proposito de la interpretación de la letra, Fogerty señaló en 1973: ""Someday Never Comes" es simplemente una canción que trata del divorcio de mis padres cuando yo era un niño y no sabia de esas cosas. Cuando mi padre decidió irse de casa, me dijo que tenia que ser un hombre fuerte y que algún día lo comprenderia. En realidad, todos los niños hacen preguntas como "Papá, cuando vamos de pesca?" y los padres siempre sle contestan con el tipico "algún día", pero en realidad ese "algún día" nunca llega y los niños no aprenden lo que se supone que deben aprender. "

Notable la idea de la canción, la visión de un niño ante la ausensia de un padre... una letra que hasta estos dias puede ser retratada con cabalidad ante muchos matrimonios que se divorcian y dejan a muchos niños tambalenado entre las peleas judiciales, problemas de dinero y una infancia poco estable en lo familiar.

Pero esto no era todo lo que rodeaba a la canción, porque seis meses después del lanzamiento del disco y una gira por los Estados Unidos, especificamente el 16 de octubre de 1972, el sello Fantasy Records y el grupo anunciaban oficialmente la disolución de Creedence Clearwater Revival... y ese dia que se vuelvan a juntar creo que nunca llegará (aunque anda por ahi una parte de la banda dando conciertos).

Toto - Rosanna

"Rosanna" es una exitosa cancion de la banda estadounidense Toto. Fue escrita por David Paich (que era tecladista y cantante del grupo) y el single fue lanzado en 1982. Aparece en el disco Toto IV, que es considerado uno de los mejores de esta agrupación.

La cancion fue un gran exito comercial para la banda que se dió el lujo de llegar rapidamente al puesto #2 en Billboard Hot durante 6 semanas y vendió mas de 2 millones de copias en EEUU.

Este gran exito los llevo a ser nominados al Grammy en 1983, en donde se llevaron 6 Grammys con el album Toto IV incluyendo album del año y cancion del año (la mismisima Rosanna). Ademas, continuando con los premios, el sencillo Rossana gano 2 Grammys y fue certificado con disco de platino por las ventas.

Musicalmente esta canción trae una gran variedad de estilos, desde guiarras muy roqueras (trae un solo que deja los pelos de punta) hasta pianos al mas puro estilo del jazz. Esta entretenida mezcla de estilos es una de las caracteristicas mas notables de la banda.

La cancion es cantada por Steve Lukather y Bobby Kimball.La interpretación de esta canción fue muy mal entendida por algunos criticos y fanaticos al creer que era dedicada a la novia del tecladista Steve Porcaro, la famosa actriz Rosanna Arquette. Sin embargo, los miembros de la banda han dicho que solo fue una coincidencia y que la idea de Paich de colocarle ese nombre al tema era porque rimaba en el coro.

El video musical que fue hecho para promocionar mas el tema trae e su reparto a Cynthia Rhodes y al joven bailarín y actor Patrick Swayze (ese que nos hizo llorar en Ghost) como uno de los bailarines. Ambos actores se reunirian en 1987 como estrellas de la pelicula Dirty Dancing.

Chuck Berry – Johnny B. Goode

"Johnny B. Goode" es una canción escrita e interpretada por Chuck Berry en 1958. Forma parte del disco Chuck Berry is on Top publicado en 1958.

Es considerada por muchos criticos musicales como una de las primeras canciones de rock and roll puro de las que se tiene constancia.

La canción puede interpretarse como la versión musicalizada en rock and roll del sueño americano ya que nos relata la historia de un joven de campo que vive en la pobreza y tiene el sueño de convertirse en una estrella a base de arduo esfuerzo y su destreza tocando la guitarra (como dice el tema, el joven podia "tocar una guitarra como si fuera una campana")

Aunque en varias partes de la letra se puede notar un toque autobiográfico, Berry ha mencionado tambien que parte de la inspiración tambien vino de Johnnie Johnson que era el pianista y compositor en varias canciones del musico estadounidense que fue influencia en muchas bandas de rock que vinieron con el tiempo.

Se dice que Johnson estaba algo "pasado de copas" junto a Chuck Berry y que en esa junta el guitarrista le respondía siempre a su amigo con la frase "Johnnie be good". Al acordarse de esas llamativas palabras, empezó a escribir la canción.

A pesar de que Johnny Johnson colaboró en ideas para este tema junto a Chuck Berry, quien tocó el piano en la grabación fue Lafayette Leake, se deconoce el por qué no participó Johnnie.

Chuck ha dicho que al principio escribio el tema con la frase 'coloured boy' ( en español "chico de color") en vez de 'country boy' (que viene siendo "chico del campo"), pero los hermanos Chess (que eran los productores del disco) decidieron que eso no vendería y tambien podria traer problemas raciales lo cual traeria la censura en los medios.

Otro dato sobre el tema: Como una posible fuente para el apellido del personaje de la canción, se ha señalado que viene del lugar donde nació Berry, especificamente Goode Avenue en St. Louis.

El sonoro riff de guitarra que se escucha en la apertura de "Johnny B. Goode" puede ser considerados como uno de los riffs más famosos de la historia de rock and roll. Es esencialmente basado en el riff de una canción de Louis Jordan's publicada en 1946 titulada "Ain't That Just Like a Woman" que fue interpretado por el guitarrista Carl Hogan.

Este clasico del rock and roll fue elegida como uno de los logros más grandes de la humanidad dentro de la colección de obras culturales que se mandaron en la sonda espacial Voyager I.

Además, esta canción fue colocada en el puesto 7 dentro del ranking de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, según la perspectiva de la revista Rolling Stone, y el puesto número uno en la lista de Las 100 canciones de guitarra más grandes de todos los tiempos, hecho por la misma revista.

De hecho ,consciente de la importancia de la canción a su fama y su imagen como musico, Berry ha escrito dos canciones sobre su personaje Johnny, "Bye Bye Johnny" y "Go Go Go", hasta le hizo un álbum instrumental titulado como "Concerto in B. Goode".

Otra de la apariciones clasicas de esta canción es la que se hizo en la famosa pelicula Regreso al futuro, donde el personaje principal Marty McFly, interpretado por Michael J. Fox, tocó esta canción en un baile de instituto de manera magistral. De hecho en la cinta se infiere que fue McFly quien inspiró a Chuck Berry ya que mientras tocaba un musico llamaba a "Chuck" para contarle el nuevo sonido que estaba deleitando sus oidos. En ese tono humoristico se da a conocer que el nacimiento de los ritmos siguientes de las piezas de rock, y eventualmente la aclamada Johnny B. Goode vienen del protagonista y con el sentido que la película imprime, o sea al concepto de los actos y consecuencias a través del viaje en el tiempo.

Electric Light Orchestra – Boy Blue

"Boy Blue" es una canción de la banda britanica Electric Light Orchestra que fue escrita por Jeff Lynne. Fue publicada en 1974 como parte del disco conceptual llamado El dorado.

Esta fue la ultima canción en donde participó el bajista Mike de Albuquerque ya que luego de la edición del disco abandonó el grupo, lo que obligó a Jeff Lynne a tocar el bajo y dotar de todas las voces al álbum aunque de Albuquerque figuró en los créditos de esta canción.

Segun una entrevista hecha a Lynne para la reedición de este disco en el año 2001: " la canción trata sobre un superheroe y conquistador de la Edad Media.".

De hecho si analizamos la parte lirica nos damos cuenta que es una canción que va en contra de las guerras establecidas durante las Cruzadas.

La letra nos relata una historia sobre un héroe de una guerra lejana y la grandiosa bienvenida que recibió al llegar a su pueblo. La caracteristica principal de la canción es que rechaza el tan "manoseado" culto a los héroes y declara abiertamente su odio a las guerra y a las armas como metodo de defensa.

En el aspecto musical, la canción contiene una introducción con bombos y platillos al mas puro estilo medieval para dar paso a una secuencia experimental de Minimoog (un tipo de sintetizador). Al finalizar la canción se puede escuchar que los instrumentos de cuerda se desvanecen para dar paso a la siguiente canción del disco: "Laredo Tornado".

Lo otro llamativo de esta cancion es que para las partes sinfonicas se usó una orquesta sinfonica real ya que Lynne estaba aburrido de trabajar con tantos sintetizadores y teclados.

Tras la publicación de Eldorado este llegó a obtener disco de oro en Estados Unidos por la RIAA. Lo que llama mas la atención es que contrario a eso sus singles que lanzaron para promocionarlo no tuveoron un exito masivo. De hecho el primer single "Can't Get It Out of My Head" solo llegó a los diez primeros puestos de la lista de singles de Billboard y el segundo sencillo, la anlizada "Boy Blue", no consiguió ni siquiera entrar en las listas de éxitos.

Queen – Another One Bites The Dust

"Another One Bites the Dust" es una canción de la banda britanica Queen. Fue escrita por el bajista John Deacon.

La canción fue lanzada como sencillo en agosto de 1980 y forma parte del álbum The Game. Esta canción con ritmo "funky"se convirtió rápidamente en el éxito más grande de Queen con ventas internacionales de casi siete millones de copias.

La canción tuvo su inicio en las sesiones de grabación que era producidas por Reinhold Mack en los estudios Musicland en Munich (Alemania) y consistió simplemente en un demo hecho por una "jugarreta" de John Deacon donde interpretaba todos los instrumentos: bajo, piano, caja de ritmo y la guitarra solista.

Luego el baterista Roger Taylor añadió un loop de batería y Brian May contribuyó con algunos efectos hechos con su guitarra y teclados.

Aunque cueste creerlo, en esta grabación no se usaron sintetizadores y todos los efectos se crearon con pianos, guitarras y tambores, ademas del uso de la tecnica en varias las velocidades de las pistas grabadas anteriormente.

En un principio la canción no sería incluida en el álbum, ya que los integrantes de Queen no la consideraban "lo suficientemente buena" y además no pensaban lanzarla como single hasta que el mismisimo Michael Jackson (segun palabras de May y Taylor) les dijo que estarían locos sino lo hacían y como si el rey del pop fuera profeta la canción fue un gran éxito para la banda y su primer número uno en Estados Unidos.

La canción alcanzó en #1 en el Billboard Hot 100, en #2 en los charts de R&B y Disco Top 100, en el Reino Unido la canción alcanzó el puesto #7, mientras que también llegó al #1 aparte de Estados Unidos en países como Chile, Canadá, España, Guatemala y Argentina.

Se dice que la línea de bajo fue inspirada de la canción "Good Times" del grupo "onda disco" Chic. De hecho en una entrevista con la revista New Musical Express, el co-fundador de Chic, Bernard Edwards declaró: "... el estilo de ese disco de la banda Queen viene porque el bajista Deacon estuvo grabando durante algún tiempo con nosotros en nuestro estudio".

Pero la canción aparte de ser un exitazo para la agrupación liderada por Freddie Mercury, tambien se le atribuye una leyenda urbana en torno al coro, ya que dicen que si se toca al revez la cinta, se puede escuchar la frase "Es divertido fumar marihuana". A raiz de eso un portavoz de la banda emitió un comunicado negando tal mensaje.

Debido al éxito que tuvo la canción es que Queen abandonó su estilo típico de rock duro y experimentación con sonidos hasta occidentales para dar paso a uno más pegado hacia el Disco o el Dance, y el resultado de esto fue el criticado álbum Hot Space.

The Cure - Primary

"Primary" es una canción de la banda británica The Cure. Fue escrita por el vocalista Robert Smith y ademas fue el primer single que sacaron para promocionar su tercer disco Faith en 1981. Dicho single salió a la venta un 17 de marzo de 1981.

Si analizamos la letra podemos percatarnos que trata sobre los problemas psicologicos de envejecer. 

Esto se puede evidenciar cuando en la parte final del tema Robert Smith relata que se imagina a niños siendo llevados a dormir de manera ceremoniosa, pero "todavía soñando" (en ingles "still dream"). Muchos dicen que es una de las canciones mas "raras" de esta banda debido a que quizas tiene muchos mensajes ocultos en los mensajes de la letra.

Sobre esto, el autor Robert Smith comenta: "Simon (Gallup, el bajista de la banda) y yo tocabamos ambos el bajo en Primary. Queríamos mantener esa instrumentación, por lo que cuando le das la vuelta a la cinta de Primary, tenías el mismo sentido... pero como Primary era enérgica y rítmica, la cara b del single tenis que ser atmosférica e hipnótica. Siempre fue una canción instrumental, ya que yo no quería escribir otra letra. Ya había escrito todo lo que necesitaba escribir para Faith, y realmente no tenía nada más que decir."

Musicalmente la canción sigue la linea ideada en el disco, con sonidos depresivos y oscuros. Esa melancolia se debia a que Smith se sentia algo inseguro con la fama de la banda y no queria caer en lo comercialmente barato y seguir experimentando aunque un contrato pudiera opacar esa idea.

Para los que no saben, "Primary" ya habia sido interpretada en el tour de promoción del disco Seventeen Seconds en 1980 bajo el nombre de "Cold Colours", la cual mantenia la musica pero contenia una letra completamente diferente, y con una línea de bajo ligeramente distinta.

Como nota curiosa que nos trae esta canción es que en varias presentaciones la banda le dedicaria este tema a Ian Curtis, líder de la banda Joy Division que habia fallecido en mayo de 1980.

A finales de ese año, la canción pasó a nombrarse como "Primary". De hecho existe una version demo preliminar, que data de septiembre de 1980 y que se incluyó en la reedición de lujo de Faith.

Neil Diamond – Cracklin' Rose

"Cracklin' Rosie" es una canción del cantautor Neil Diamond publicada en su disco Tap Root Manuscript en 1970.

Esta canción fue la primera del interprete neoyorquino en llegar al primer lugar en las listas del Billboard en Estados Unidos en la categoria pop y segundo lugar del mismo pero en la categoría adulto contemporáneo en 1970. 

También llegó a entrar en las listas del Reino Unido, alcanzando el puesto # 3 en el UK Singles Chart en diciembre de 1970, y permaneciendo en ese casillero durante cuatro semanas.

Dado el exito del tema, el single obtuvo ventas mundiales superiores a 3 millones de copias (en aquel entonces fue un récord de ventas lo cual llamó la atención en la gente) y fue el hit mundial de 1970 según la revista Cashbox.

Musicalmente esta canción nos muestra una melodía pegadiza y dinámica basada en los estilos de rock/pop.

Aunque muchos fans creen que la canción trata sobre una mujer llamada "Rosie", la verdad es que la letra nos relata una leyenda que Diamond escuchó sobre una tribu indigena oriunda de Canadá, donde casi no hay mujeres (que pena eh!!), y para animarse los hombres de esa pena de no tener damas para conversar y conquistar, se compraban una botella de licor llamado Cracklin' Rosé y bajo su sabor soñaban con alguna mujer.

El licor era un tipo de cerveza sin alcohol (ojo!!) que era compartida por todos los hombres solteros de la tribu alrededor de una fogata donde misteriosamente entre todos soñaban con mujeres por los efectos de esa "aguita".

Quizas ya se dieron cuenta, pero Neil Diamond se equivocó (o quizas lo hizo para no pagar derechos reservados de la marca) al escribir el titulo de la canción y pese a ello muchas fabricas que hacen esta bebida le llaman igual que la canción, como por ejemplo los del viñedo Paul Masson y Beckett's Flat.

Lo otro que causa curiosidad en esta canción es que la versión del single estaba en "mono" mientras que en el disco la canción esta en "stereo".

Estamos frente a un temazo del gran Neil Diamond que es uno de los pocos artistas que ha sabido mantener su vigencia en el siempre cambiante medio del espectáculo con su voz melodiosa y sus canciones que deambulan en diferentes estilos musicales.

Green Day – Good Ridance (Time Of Your Life)

"Good Ridance (Time of Your Life)" es una canción de la banda de rock Green Day. Fue el segundo single promocional del "experimental" álbum Nimrod.

Esta balada acústica, que se sale de las fuertes guitarras y redobles de bateria tan tipicos de esta banda, es una de sus canciones más conocidas, siendo ganadora de un premio en los MTV Video Music Awards en 1998.

El vocalista y guitarrista Billie Joe Armstrong la tenia escrita desde la epoca de su famoso disco "Dookie" en 1994 pero al no tener seguridad sobre si seria bien aceptada o no por los fans decidió guardarla hasta 1997.

La canción resulta ser sorprendente por su tonalidad suave, la interpretación acustica con arreglos orquestales y una letra bastante depresiva sobre un amor perdido y la resignación de aquello. Con respecto a esto el bajista Mike Dirnt llegó a afirmar que el lanzamiento de esta canción como single fue los "más punk" que han hecho en sus vidas.

Con respecto a la letra, Billy Joel Armstrong dijo en una entrevista en mayo del 2005 para la revista "Guitar Legends": "Cuando escribí Good Riddance, estaba terminando una relación con una chica que se mudaba a Ecuador, intentaba ser lo mas comprensivo posible al respecto. Escribí la canción como un especie de "buen viaje" intentando no ser amargo, pero creo que la canción salió un poco amarga de todas formas... incluso pensé que llamarla simplemente "Time of your life" era demasiado frío para mi, por lo que tuve que pensar en algo un poco distinto".

Aunque al vocalista no le gustara, comunmente se conoce a esta canción como "Time Of Your Life" debido a que asi la promocionaban en las radios.

Llegó a convertirse en un gran exito para la banda llegando a ocupar primeros puestos en el Billboard siendo la única canción de Nimrod que fue un éxito internacional entre las masas.

Elvis Presley – Don't Cry Daddy

"Don't Cry Daddy" es una canción de Elvis Presley publicado en 1969. Fue escrita por Scott Davis.

Fue grabada por "el rey del rock" entre el 15 y 21 de enero de 1969 y rapidamente fue lanzada como single.

Muchos especulan que esta canción fue dedicada al padre de Elvis, Vernon Elvis Presley , que quedó viudo en 1958 y lo dejó muy afectado por mucho tiempo. La canción llegó al puesto # 6 en los rankings de EE.UU. y al casillero # 8 en el Reino Unido

La letra de la canción nos relata los pensamientos de un padre sobre su matrimonio y la falta de su esposa. Podemos encontrar varios personajes dentro de la letra, los cuales son el padre, la madre, uno de los hijos del cual no se dá el nombre, y un niño llamado Tommy.

Nos describe un dialogo entre el hijo y su padre sobre la idea de encontrar una nueva madre que los crie.

Existe un gran numero de grabaciones en vivo de "Don't Cry Daddy" todas estas sacadas de las presentaciones de su segunda temporada de conciertos en Las Vegas en febrero de 1970 y varias de estas han sido publicadas como single. La mas conocida es aquella que interpreta pegada al temazo "In The Getto" el 13 de agosto de 1970 en el Hotel Internacional donde la canción sale a la perfección. 

Un Elvis con la voz intacta y emotiva, una orquesta que suena con mucha potencia y un ambiente de lujo, hacen de esta versión una "joya en vivo".

En el año 2002, su hija, Lisa Marie Presley, regrabó esta canción a dúo con la voz de su difunto padre para un concierto en tributo al exitoso cantante de rock . Si bien esta grabación no era para uso comercial, esta versión quedó gustando en la gente y llevó a que la hija de Presley empezara una carrera musical que no ha dado tantos frutos comerciales a pesar de la marca.

Pink Floyd - Time

"Time" es una canción de la banda britanica Pink Floyd. Pertenece al mil veces elogiado album The Dark Side of the Moon publicado en 1973. Es uno de los pocos temas donde los cuatro miembros de la banda comparten la autoría.

El single de este tema fue lanzado el 24 de marzo de 1973 y es una de las canciones mas famosas de la banda que revolucionó con nuevos sonidos al rock de los setentas.

El tema es muy reconocido por su particular intro donde un conjunto de relojes dan el toque sorprendente con sus alarmas. Dichos relojes y las alarmas fueron grabados por separado, gracias a las ideas del productor Alan Parsons, en una tienda de antigüedades cerca de los Estudios Abbey Road. La idea era tenerlos grabados para un disco de efectos de sonido que tenia en mente el productor.

Luego de esa introducción empieza una serie de efectos de percusión hechos por Nick Mason (que solo contaba con tres tambores para la mezcla debido a que estaban ordenando el estudio) junto a una experimentación de sonidos hechas por Roger Waters al silenciar dos cuerdas de su bajo.

Las voces estan a cargo de David Gilmour y Richard Wright junto a un coro de voces femeninas.

Gilmour , como siempre, nos regala un solo de guitarrra que llega a erizar los pelos de quien escucha el tema.

La canción finaliza con una parte de Breathe (que en el disco aparece como "reprise"), que es una recaptulación de la pista anterior llamada Breathe pero con distinta letra. Al terminar todo este ataque de rock, la banda nos regala la delicada "The Great Gig In The Sky" que por ahi analizaremos.

Con respecto a la letra, estas vienen de la inspiración en las ideas y reflexiones de Roger Waters sobre el tiempo, basado en que la vida no se trata de prepararse para lo que viene, sino de tomar control de tu destino. Waters (amigo del Ex-Soda Stereo Cerati)mencionaba en una entrevista en 1982: "Pasé una gran parte de mi vida, hasta los 28 años, esperando que mi vida comenzara. Pensé que en cierto punto, me convertiría de un capullo en una mariposa, que mi verdadera vida podría empezar. Si tuviera que vivir de nuevo esa etapa de mi vida, preferiría vivir el lapso entre los 18 y 28 años sabiendo que sería así, que nada ocurriría repentinamente, que el tiempo pasa, que eres lo que eres, y que haces lo que haces."

En enero del 2007, los lectores de la revista Guitar World, por medio de una votación, dejaron al "solo" de Gilmour en el puesto #21 en la lista de los mejores "solos de guitarra de todos los tiempos.

Les dejamos este temazo de los Pink Floyd que pertenece a uno de los discos que mas ha vendido en el mundo. De hecho a vendido más de 45 millones de copias y en el año 2004 se dió un dato que no es para menor: el promedio de ventas del "Lado oscuro de la luna" es de 8.000 copias por semana.

The Ramones – Do You Remember Rock'N'Roll Radio?

"Do You Remember Rock 'n' Roll Radio?" es una canción de la banda de punk-rock The Ramones. Esta canción escita por Joey Ramone fue el segundo sencillo lanzado para promocionar el disco End of the Century de 1980.

Lo que mas llamó la atención entre le publico fiel a la banda fue el radical cambio de sonido que trae esta pieza. Esto se debe en parte a un intento de alcanzar el éxito comercial con la labor de su nuevo productor, el famoso Phil Spector.

Esta banda que conquistó el mundo con sus canciones de tres acordes se fue en una experimentacion mas compleja en "Rock 'n' Roll Radio" basandose en muchas canciones pop de la década de los 50 que la banda creció escuchando. The Ramones le intentaba devolver al rock and roll sus raíces más básicas dejando de lado los movimientos de finales de la decada de los 60's con el rock Psicodelico y los inicios del pop setentero.

La letra de la canción es una referencia al por qué formaron una banda de este estilo musical y ademas se da el lujo de mencionar muchas de las influencias juveniles de miembros de la banda como: John Lennon, Jerry Lee Lewis y The Beach Boys. Otra de las ideas que plantea la letra es que el rock and roll siempre esta cambiando y que eso hace que no desaparesca.

Musicalmente se utilizaron junto con la guitarra, batería y el bajo, un piano, trompeta, trombón y saxofón. Al igual que en esos clasicos del rock & roll de 1950, el saxofón es el principal instrumento en lugar de la guitarra.

La apertura y el cierre de la canción muestra una emisora de radio de una sintonía de rock 'n' roll.

Esta canción es una de las mas famosas de la banda oriunda de Queens y se ha convertido en una de sus piezas mas perdurables. Cuando era ejecutada en vivo, la parte del saxo era reemplazada por una gran parte de bajo.

Debido a su exito y en homenaje a esta canción de los Ramones, en el año 2005 fue creado un programa de radio llamado "Rock 'n Roll Radio" en la radioemisora WESU Middletown bajo el dial 88.1FM, que es una radio del estado de Connecticut en "yanquilandia".

Otro dato sobre este temazo es que en los partidos del club español Alavés (actualmente en la segunda división) se coloca esta canción por los parlantes del estadio de Mendizorroza mientras ruda la pelota por el cesped.

Existe también una versión hecha por los "enmascarados" de Kiss, la cual aparece en el álbum homenaje de los Ramones We're a Happy Family: A Tribute to the Ramones.