La Música es el arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas que ligada a un grupo social y a sus acontecimientos, sea la expresión de éstos últimos.
"Jingle Bell Rock" es una famosa canción navideña
interpretada por el cantante estadounidense de "country" Bobby Helms
y publicada un 23 de Diciembre de 1957. Fue escrita por el relacionador público
oriundo de Massachusetts Joe Beal y el escritor "tejano" Jim Boothe.
Esta canción fue y es muy popular en Estados Unidos, siendo
ocupada en diversos espacios navideños y en los medios de comunicación en época
navideña.
Considerada como el primer "Rock'n'roll" navideño
(aunque su sonido va mas por el lado del rockabilly) esta canción es una de las
más conocidas de Helms ya que ha sido interpretada por muchos artistas.
La famosa intruducción de guitarra electrica inspirado en
los acordes del famoso villancico "Jingle Bells" fue interpretada por
el famoso guitarrista Hank "Sugarfoot"Garland que tocó en varias
canciones de famoso artistas sesenteros como Elvis Presley, Brenda Lee, The
Everly Brothers y Roy Orbison.
Poco antes de su muerte, un 27 de diciembre de 2004, Garland
demandó por una suma de dinero de hartos "ceros" a la discográfica
dueña de la canción acusandolos de no respetar sus derechos de autor en la
musicalización de esta famosa canción navideña, pero no logró su propósito
monetario.
La letra de la canción contiene diversos detalles pop como
el uso de la famosa frase de mundialmente conocido villancico "Jingle
Bells" hasta unas breves referencias a algunas canciones populares de los
50's como "Rock Around the Clock" de Bill Halley y la palabra
"Hop" (cuando dice "Jingle Hop") que era muy usada en las
letras de las canciones del rock'n'roll para ponerle mas onda al asunto en la
pista de baile.
"Jingle Bell Rock" llegó al sexto puesto de los
rankings norteamericanos en 1957 dandole mas popularidad a Bobby Helms, quien
quizo repetir su éxito grabandola nuevamente en las navidades de 1965, 1967 y
1983 obteniendo un éxito respetable en las listas de singles.
Les dejamos esta famosa canción relacionada con estas
fiestas navideñas que estamos a puertas de celebrar y como homenaje hemos
traido algunas historias de famosas canciones que acompañan al pino, los
regalos y la "cola de mono".
La cancion "Luka" fue escrita
por Suzanne Vega y logro el puesto Nº3 en el Billboard Hot 100 de
los Estados Unidos, y el Nº23 en el Reino Unido.
Suzanne Nadine Peck, conocida por
Suzanne Vega, estadounidense de Santa Mónica, Los Ángeles,
California, nacida en el año 1959.
Comenzó su carrera en el año 1982 y
lanzo su primer álbum de estudio llamado con su nombre, en el año
1985. Su estilo de música es rock alternativo, folk rock
Es cantante, guitarrista, compositora y
productora.
La cancion "Seven Wonders" de
Fleetwood Mac fue escrita por Sandy Stewart y logro en Estados Unidos
el puesto Nº2 del Billboard Hot Mainstream Rock Tracks y el Nº19
del Billboard Hot 100.
Fleetwood Mac, grupo británico fundado
en la ciudad de Londres en el año 1967.
Al comienzo fue una banda de blues,
luego incorporaron el rock, rock blues, pop rock.
En el comienzo la banda se formo con
Peter Green en la guitarra, Jeremy Spencer en segunda guitarra, John
McVie en el bajo y Mick Fleetwood en la batería.
Luego pasaron por
cambios en sus filas y en el año 1974 se incorporan Stevie Nicks en
voz y Lindsey Buckingham en guitarra.
Su primer álbum de estudio fue el
disco "Peter Green's Fleetwood Mac" en el año 1968.
Sin dudas en el álbum "Tango In
The Nigh" figuran las mejores canciones de Fleetwood Mac.
El tema Blasphemous Rumours, si bien se
consagro como un gran éxito del grupo, es una canción que tuvo
algunas controversias, ya que genero un escándalo por su letra en
sectores de religión.
Depeche Mode, gran banda británica
formada en Basildon en el año 1980.
Son los padres del rock electrónico,
según la Historia del Rock, documental de la BBC.
El estilo de música pasa por música
electrónica, new wave, synth pop, rock electrónico, etc.
Su primer álbum de estudio fue de año
1981 y se llamo " Speak & Spell ".
"Ojalá" es una canción del
famoso trovador cubano Silvio Rodriguez. Compuesta originalmente en
1969, Silvio recien en 1978 la publica en el disco acústico "Al
Final de este Viaje" que recopilaba todas sus composiciones
hechas entre 1968-1970.
Es una de las canciones mas conocidas
de este trovador y ha sido versionada por diversos artistas a nivel
mundial.
Sobre la letra de esta canción
acustica, se han dado diversas hipotesis sobre la interpretaión
lirica. Por ahi dicen que era dedicada a Fidel Castro y su gobierno
en la isla luego de la revolución, otros dicen que era dedicada a
Chile, que por ese entonces vivía la represión de l dictador
Pinochet o que simplemente era una de las tantas obras de Silvio que
solo contenía mensajes para pensar y que el oyente le dé su propia
inspiración
Pero en un excelente y recomendable
blog dedicado al analisis de las canciones de este gran músico
cubano, cuya autoría es de Antonio Ibarra, nos cuenta que el propio
Silvio se ha encargado de revelar que está dedicada a Emilia, su
primer amor: «Ojalá yo la compuse a una mujer que fue, podríamos
decir, mi primer amor. Fue un amor que tuve cuando estuve en el
ejército, haciendo mi servicio militar. La conocí cuando tenía 18
años, fue mi primer amor importante en el sentido de que fue el
primer amor que me enseñó cosas. Era una muchacha mucho más
evolucionada que yo, mucho más inteligente, más culta. Me enseñó,
por ejemplo, a César Vallejo. Después nos tuvimos que separar,
estaba estudiando medicina y en fin, no le cuadró. No sé por qué
estudió medicina, cosa loca de ella, en realidad siempre fue de
letras. Después estudió letras, se fue a su pueblo Camagüey, a
estudiar eso y yo me quedé solo aquí en la La Habana, totalmente
desolado. Pasaron los años y el recuerdo de aquel amor tan bonito,
tan productivo, tan útil (ojo, no confundir con utilitario),
enriquecedor, de aporte a uno... pues, estaba obsesionado yo con esa
idea. Y porque fue un amor frustrado, tronchado por las
circunstancias, por la vida, no fue una cosa que se agotara, pues se
me quedó un poco como un fantasma y por eso compuse esta canción en
un momento quizás de delirio, de arrebato, de sentimiento un poco
desmesurado: ojalá esto, ojalá lo otro...»
Sin lugar a dudas, Emilia fue una
importante musa inspiradora de varias canciones de Rodriguez, a tal
punto que "Te doy una canción" y "Josah es la que
pinta" tambien nacen de su imagen de mujer madura y poetica. En
el libro "Silvio para Letra y Orquestas" (Zapata; 1996)
tambien se refiere a esta mujer: "... Emilia es actualmente
profesora de la Universidad de Camaguey y era una amiga que yo tenia
cuando estaba pasando mi servicio militar. Era una amiga intima, una
amiga muy querida. Ella estaba en La Habana en ese momento, habia
venido a estudiar medicina, pero estudió un año, luego no le gusto
la carrera y se marcho a Camaguey y alli estudio literatura. Despues
se hizo profesora de literatura. Y yo la conozco en ese momento,
salia poco de paseo a la calle, siempre estaba en mi campamento y
encontre un alma gemela, una persona interesada tambien en la
literatura, en la poesia, en la musica, pero un poco en el sentido
que me interesaba a mi, con un sentido mas indagador. No era
solamente una persona que disfrutaba de aquellas cosas, sino una
persona comprometida con toda esa materia, como pretendia estar yo
tambien".
Esta magnifica letra ha sido
constantemente analisada y los autores, a pesar de que saben el
origen de esta canción ha quedado muy maravillados con la tecnia que
usó Silvio al componerla. El escritor Nestor José León en su libro
'Silvio Rodríguez. Análisis literario y musical de sus obras más
populares. Semblanza bibliográfica' menciona"dentro de esta
canción hay un simbolismo y una carga metafórica muy grande".Según
su analisis, en la canción se combina la "heterometría con
versos que no riman". Es una canción imprevisible que ha
conseguido que el público "siga, interprete y cante".
Asimismo, tiene "matices surrealistas" donde aplica
"elementos de la naturaleza" a las "acciones humanas".
"Ojalá" es de esa canciones
para cantar en una fogata en la playa, o para lucirse un rato en la
guitarra y lo mejor de todo es que es una canción simbolo de este
gran músico cubano, fanático de Los Beatles y que con sus
maravillosas piezas musicales recorre el mundo mostrandonos sus
mejores poesías.
En
1989 tenía unos diecinueve, veinte años. Venía de trabajar en una
fábrica, me habían echado y estuve ocho meses sin conseguir laburo,
aunque me anotaba en todos los trabajos habidos y por haber. De
pronto pego un laburo en el Correo, con mejores horarios para poder
dedicarme más a mi vida de músico.
Pero en uno de los lugares donde
me había anotado, una casa de instrumentos musicales que queda en
Flores, me dijeron después que tenían el puesto para mí, y decidí
quedarme en el Correo y que entrara a laburar Mariano. Y ahí
componíamos las canciones, en esa casa de instrumentos musicales
frente a la plaza Flores.
Yo venía de repartir telegramas, hacía
una parada, y nos juntábamos. Había instrumentos por doquier y
tocábamos todo el tiempo, porque el dueño era un tipo divino, súper
permisivo y se recopaba con nosotros. Un día, Mariano vino y me
dijo: “Mirá, tengo este riff”, y me mostró la melodía.
Me
decía que se parecía un poco a “Yo te vi en un tren” de Los
Enanitos Verdes, y entre los dos empezamos a buscar otra forma de
cantarlo. Yo le agregué un puente, la parte que dice “si aún te
queda algo de amor dentro de tu corazón”, e hicimos la música
entre los dos. La letra salió después. Es mía, pero está
inspirada en ciertas vivencias de ambos. Recuerdo que en ese momento
me había ido a vivir con mi pareja a una pensión, y al toque se
vino a vivir Mariano. Ahí escribí ésta y muchas otras canciones.
“Hacelo por mí” trata de cuando al principio idealizás mucho la
relación, cuando conocés una persona y te fascinás, y después
ahondás más y descubrís cómo es.
Mariano estaba viviendo un
momento muy parecido con una mina que también había idealizado
demasiado, y la letra habla de eso y también un poco de las
relaciones en general. Esta canción reconoce la culpa en uno, no
como en los tangos, y dice: “La culpa la tuve yo”. Pero la verdad
es que al principio no le dábamos pelota a la canción. Se abrió
paso sola: le gustó a uno, la puso en la radio, y así siguió. Se
convirtió en un fenómeno que yo llamo “de calesita”, que es que
cuando ya lo pasan en la calesita. Hoy podríamos decir “de
ringtone”.
Después,
todo fue muy rápido, abrupto y vertiginoso. No entendíamos
demasiado. Eramos muy chicos y éramos gente de laburo. Lo nuestro
era muy instintivo, como los perros. Sabíamos lo que estaba más o
menos bien, por ejemplo la tele o la exposición pública, y sabíamos
cuando algo no olía muy bien. Hubo un momento muy particular en que
estábamos tocando en el Gran Buenos Aires, terminamos el show
haciendo “Hacelo por mí” y Mariano me miró y me dijo: “¡Qué
cancioncita hicimos, eh!”.
Porque nosotros no la cantábamos, la
cantaba la gente a los gritos. Pero el tema se gastó tanto que se
quemó, aburrió. Nos daba bronca y sacamos la canción de los shows,
pero no para darle el gusto a nadie sino para protegerla, porque
estaban todos tironeando y teníamos miedo que se nos rompa.
Pasó
mucho tiempo y un día estábamos tocando en Paraguay en el ‘96 y
no había nadie que no quisiese “Hacelo por mí”, y hacía un
montón que no la hacíamos. Y la tocamos. Ahí dijimos: “¡Es
nuestro tema, qué boludos que somos, que se vayan todos a la re-puta
que los parió!”, y volvimos a hacer nuestra canción.
Nace
desde el azar, en un colectivo de la línea 151. Era de día, estaba
viajando sentada en un asiento de las filas de uno mirando por la
ventana, yendo hacia el centro por la calle Bartolomé Mitre, y justo
en el momento en el que el colectivo frena en un semáforo, veo a un
travesti con una mirada muy melancólica. ¡Para mí era una foto lo
que estaba viendo! Y me quedé en esa imagen: era morocha y estaba
parada en un antiguo umbral de una de esas típicas casas francesas
que hay en Buenos Aires.
Volví a mi casa con la idea de escribir
algunas líneas sobre ese travesti, y empecé a tratar de armar su
historia: estaba mareada, era una persona que trabajaba en los bares,
había laburado toda la noche, ya era de madrugada... Por eso “sola
en los bares, no era hombre ni mujer, se transformaba”. Era el
sabor de esa melancolía que yo sentía debía ser la vida de un
travesti.
Eso fue en el año ‘87, época del primer disco de Man
Ray, que salió un año después, pero habíamos dejado esa canción
afuera. Al tiempo, cuando me fui a vivir a la casa de una amiga que
era pareja de Richard Coleman, con él intercambiábamos las cosas
que hacíamos. Un día vio la canción escrita en un cuaderno y me
dijo: “¿Por qué no ponés este tema? Está buenísimo”.
Tomé
su opinión y “Sola en los bares” finalmente se editó en el 92,
en Perro de Playa. Cuando salió la canción mi hermana me llamó por
teléfono para contarme que se sentía súper reflejada con el tema.
“¡Ay me siento re identificada! ¿Esa canción me la escribiste
para mí, no?”, me dijo. No escuchó nada: ¡es un tema de un
travesti!
Surgió
vertiginosamente, con la idea de que sea un punto clave entre otros
temas que ensayábamos con Almendra. Siempre sentí que la letra
estaba asociada a Ana María, mi santa hermana, a tal punto que casi
pensé que ése era su verdadero origen, pero la verdad es que no lo
es.
Simplemente “Ana” suena muy bien. Quizás haya una relación
subconsciente, pero mi hermana no tocaba su sombra sobre la alfombra,
y dormía perfectamente en su cama...
mientras que la letra describe
a un ser totalmente desquiciado, como en un punto lo es también
Fermín, a quien concebimos con Emilio dándole, inclusive, la
autoridad de ser “EL” loco de ese hospicio. Yo inventaba
canciones en la casa de mis padres, en la calle Arribeños.
Ahí era
el territorio donde conseguía la suficiente intimidad. En un
principio lo hacía con una vieja guitarra española, luego con mi
primera eléctrica, una Hagstrom sueca. Era la nada y todo a la vez.
A veces era molesto que la enchufara cuando se me daba la gana y que
me pusiera a hinchar, ya siendo Almendra conocido. Porque Arribeños
era el centro creativo, pero no era Electric Ladyland.
Era una vida
prácticamente dedicada a explotar hacia la música y empezar
lentamente a descubrir lo que significaba querer estar en ese lugar,
con todo lo que tiene de bueno y de malo. Creo que ese ritmo rápido
y esa pequeña melodía que insiste fueron los que me animaron lo
suficiente como para poder hacerla.
Siempre pintó la tonada antes
que las palabras, que luego había que poner para completar la
canción. Además, cualquiera de los integrantes de Almendra iba a
poner algo de sí para enriquecerla, como las armonías de voces o
pequeños detalles. La letra usó la espontaneidad de lo que mejor
nos parecía en ese momento.
Cualquiera podría haber encontrado algo
semejante, tal es el caso de “Diana divaga” de Los Abuelos de la
Nada, tema al que naturalmente siento como contemporáneo, o como
antecesor. Aunque las bandas no se conocían, creaban y ensayaban en
diferentes barrios, quizá simultáneamente. “Ana no duerme” es
de un tempo ágil y nos permite volcar cambios de compases, dividir
“a la mitad” y tiene arreglos de viola, más otras cosas como
armonías en séptima y todo en un mismo tema polentoso. Por eso
siempre lo sentíamos como un tema clave.
La versión en Obras 2000,
con Dante en viola, Valentino con Geo Rama rapeando, y Grace Cosceri,
más toda la banda al mango, confirma la versatilidad de la idea.
Matador
o El Matador es el segundo sencillo de la banda argentina Los
Fabulosos Cadillacs. Está incluido en Vasos vacíos, el octavo y más
premiado álbum del grupo.
Se convirtió en la canción más
representativa y más popular en toda la historia de la banda,
logrando ser considerada una de las canciones más populares de la
música latinoamericana y que el videoclip grabado en 1994 reciba el
premio Video de la gente en los Premios MTV Latinoamérica.
Además,
en 2006 la canción fue elegida segunda en el ranking de los 100
videos más MTV, sólo siendo superada por Thriller de Michael
Jackson.
El
video fue dirigido por Pucho Mentasti, un director de cine
publicitario.
La
canción trata sobre un revolucionario perseguido por la justicia.
Además, el cantautor chileno Víctor Jara es nombrado en la letra.
Es
empleada en los créditos de la película Curdled (1996, titulada Tú
asesina, que nosotras limpiamos la sangre en España, Obsesionada con
el crimen en Argentina), producida por Quentin Tarantino y dirigida
por Reb Braddock.
Esta
canción se reproduce cuando el boxeador nicaragüense Ricardo "El
Matador" Mayorga camina hacia el cuadrilátero.
"El
Matador" fue usada para la presentación del tenista Rafael
Nadal en el Abierto de Estados Unidos de 2010. , aunque el deportista
más ampliamente relacionado con esta canción es Marcelo "Matador"
Salas, que recibió este apodo en su paso futbolístico por
Argentina.
La
canción forma parte de la banda sonora de la película The Matador.
También es usada en la película Grosse Pointe Blank.. También
podemos decir que esta canción ha sido versionada varias veces por
otras bandas como Cartel de Santa, Bomba Estéreo, entre otras.
La
Argentinidad al Palo es una canción de la banda Bersuit Vergarabat,
del disco del mismo nombre del año 2004. Fue el segundo single del
mismo, y su vídeo fue producido por Jorge Lanata. La canción tiene
una duración de 05:29.
La
letra y su vídeo describen diversas pasiones, símbolos y
contradicciones presentes en la nacionalidad Argentina.
La
canción menciona varias creaciones o inventos desarrollados en la
Argentina como el dulce de leche, las Biromes y los dibujos animados;
también habla sobre figuras históricas del país; tanto
celebridades como Carlos Gardel, Diego Maradona, Carlos Monzón y
Gustavo Cordera; políticos como Fernando de la Rúa, Raúl Alfonsín
y Carlos Menem; y figuras controversiales como Jorge Videla, Ricardo
Barreda y al Revolucionario argentino que colaboro en la revolución
cubana el Che Guevara. También hace mención al suicidio del médico
argentino René Favaloro, ocurrido el año 2000.
La
canción concluye que la historia Argentina "oscila entre el
éxtasis y la agonía", "los argentinos somos derechos y
humanos" (en referencia al eslogan utilizado por la dictadura
para ocultar las denuncias en su contra por desapariciones y
torturas, frente a los representantes de derechos humanos
internacionales) y que los Argentinos pueden "ser lo mejor y
también lo peor con la misma facilidad".
La
canción fue compuesta en Nueva York por Federico Moura y Eduardo
Costa, un viejo amigo de Moura que había vivido con él en Río de
Janeiro durante los 70.
La
letra de Luna de Miel es un canto a la masturbación, y trata de
manera irónica la visión pecaminosa que tiene la gente con respecto
a la auto satisfacción.
Durante
las grabaciones de Locura, decidieron incluirla a último momento, y
de hecho no habían quedado del todo conformes con el resultado, por
lo cual pensaron en reemplazar la versión que todos conocemos por
otra más elaborada en futuras ediciones del disco.
También podemos
decir que es una canción Pop con gran presencia de teclados y
baterías electrónicas.
En
la mitad de la grabación de "Say No More" en Madrid note
que todo lo que estaba haciendo era para una sola persona...
Uno
siempre tiene la gallina de los huevos de oros, que puede ser objeto
de tu amor, sufrimiento o lo que sea... y si es la mujer de un amigo
se pone un poco denso el asunto.
Era una cosa que podía ser o no,
pero en este caso tenía mucho que ver. A mí me deslumbraba su
cerebro y el echo que me dijera: "Salta".
Cuando todos te
tiran para abajo, siempre hay alguien que te dice "Seguí"
o "Salta", y es justamente todo lo contrario a lo que dicen
los demás.
Como un antagónico, no le sirven para nada esos
consejos, jamás les hará caso. Es como decir podría irme a otro
lado pero "Alguien en el mundo piensa en mí". esa persona
es Monica, claro.
"De
música ligera" es una famosa canción de la mítica banda
argentina Soda Stereo. Esta canción fue publicada como single para
promocionar el "discazo" Canción Animal que fue publicado
un 20 de Diciembre de 1990.
Considerada
por muchos fanáticos como una de las mejores.canciones de esta banda
trasandina, Fue escrita por su lider creativo y guitarrista, Gustavo
Cerati con la idea principal de homenajear a la música y su creación
durante los sueños y pensamientos simplemente...con buena música.
En
una entrevista sobre las mejores canciones del rock argentino, para
el portal "Rock.com.ar", Cerati menciona que "De
Musica Ligera es una de las canciones mas instantaneas que que
escrito" y además señala: "Lo primero que siempre escribo
es el estribillo, que aquí fue: “de aquel amor de música ligera”.
Después habla de la música en sí: “ella durmió al calor de las
masas y yo desperté queriendo soñarla”. ¡Es eso, es la música
hablando! Entre nosotros sentíamos y sabíamos que ese tema iba a
reventar. A veces lo sentís eso. Y por la forma tan instantánea en
que salió fue como si la hubieran tocado diez mil grupos antes.
Quizás no fue así... ¡la tocaron diez mil grupos después!"
El
concepto de "Musica ligera" tuvo su origen cuando Cerati
encontró una colección de discos llamados "Clásicos ligeros
de todos los tiempos" que estaba en un estante de la casa de sus
padres. De ahi en adelante empezó a pensar la canción, hasta llegar
a la idea de componer una canción cuya música fuera simple, común
y a la vez tenga tintes clásicos todo esto bajo un espiritu muy
ligero. De esa forma Cerati creó un riff, y a partir de ese riff
empezó a trabajar ocn la banda en el estudio de grabación.
Musicalmente
esta canción suena similar a varias canciones del rock europeo y
norteamericano, debido a que sus acordes son típicos del rock y el
jazz. La influencia de esta canción, al parecer, nace principalmente
de "Michelle" del grupo holandés Clan of Xymox.
El
baterista Charly Alberti mencionó en una entrevista: "De música
ligera es una de las canciones mas emblemáticas e importantes de
Soda. Surgió en un momento en el que nosotros estábamos como a la
vanguardia. Cuando grabamos Canción Animal, no existía la música
alternativa. Estábamos haciendo algo nuevo, se podría decir que no
sólo a nivel nacional, sino que también competíamos con la música
de afuera. Antes de ese disco, la música de Soda era otra cosa.
Apareció Canción Animal con ese sonido de guitarras, y fue un antes
y un después".
Esta
canción pasó a la historia del rock latino y del rock argentino
como una canción emblemática y casi un himno continental. Ademas,
con esta canción se dejó en claro que Soda Stereo no se quedaría pegado en los sonidos y peinados ochenteros y que eran capaz de
adaptar su música al cambio de década logrando así alargar su gran
leyenda rítmica.
Me
acuerdo que fuimos de viaje a Mar del Plata con los abuelos de la
nada y seguimos viaje contentos y un día paramos en una playa de
surfers.
Ahí mostré el tema a todos. Hasta tengo el recuerdo de
estar cantando el tema en el asiento de atrás del micro, después
para el show en el opera mostré dos canciones con el piano, y la que
sacamos fue “Costumbres argentinas”, esperando grabarla en
estudio.
Al final salió en el disco de estudio, y es una canción
que nunca se grabo en estudio a pesar de ser tan importante.
Esta canción nació luego de que Charly tuviera que pensar ante la duda de cerrar la puerta o dejarla abierta.
La letra tiene
que ver con el asesinato de alguien que conocía, Clota Lazetta, y
con tirar las llaves para que entre alguien.
A otro nivel, también
tiene que ver con el amor: ¿Abro la puerta o la cierro? "I'm
rock" Soy una roca y la roca no siente nada. Es sobre si vale la
pena arriesgarse o quedarse seguro.
Básicamente es eso. Sabes que te
perdés muchas cosas si te quedas en tu casa y no abrís la puerta.
El
autor de este éxito de Los Fabulosos Cadillacs es Flavio
Cinciarullo, bajista, cantante y responsable de las letras hasta el
2.001 en que la banda se separa e inicia su carrera solista.
Complemento ideal para la particular voz de Vicentico con quien
mantiene una relación muy estrecha, nacieron ambos en la Maternidad
Italiana de Buenos Aires pero con un día de diferencia.
La canción
nace en su casa cuando su hijo Astor era muy pequeño pero en la
panza de su madre ya se movia Yaco. De letra natural y hasta un poco
cursi tenía como antecedente "El Nacimiento de Ramiro" de
Ruben Blades pero con intenciones de que tuviera un ritmo de candombe
o similar al que poseían Los Fabulosos Cadillacs por esos años.
Recordemos que este tema se editó en el álbum "La Marcha Del
Golazo Solitario" en 1.999 con temas como "La Vida" y
"Los Condenaditos" entre otros.
Una canción hecha a la
paternidad mas allá de todas sus cosas y una poesía a la llegada de
los hijos.
"Jingle Bell Rock" es una famosa canción navideña
interpretada por el cantante estadounidense de "country" Bobby Helms
y publicada un 23 de Diciembre de 1957. Fue escrita por el relacionador público
oriundo de Massachusetts Joe Beal y el escritor "tejano" Jim Boothe.
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