La Música es el arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas que ligada a un grupo social y a sus acontecimientos, sea la expresión de éstos últimos.
"Under the Boardwalk" es una
canción grabada en 1964 por la banda The Drifters y fue escrita por
Kenny Young y Arthur Resnick.
La letra nos describe una cita entre
una pareja de enamorados en una ciudad costera (Coney Island, Nueva
York), que se reunen en privado y "lejos del sol",
conalusión a que nadie los viera en el muelle.
Los instrumentos usados en la grabación
incluyen un güiro, sonidos de triángulo y violines. En el coro de
la canción lo mas llamativo es que se nota un cambio de tono que va
de menor a mayor lo cual le da una toque especial a la canción.
La canción se iba a grabar el 21 de
mayo de 1964, pero un día antes de entrar al estudio de grabación
el vocalista Rudy Lewis murió inesperadamente a causa de una
sobredosis de heroína. Lewis había sido el encargado de reemplazar
a Ben E. King quien se retiró de la banda a principios de los
sesentas. Ademas Lewis habia sido un puntal fundamental en el exito
que la banda estaba obteniendo con sus grabaciones. Dado ese suceso,
en lugar de reprogramar la sesión de grabación para encontrar un
nuevo nuevo vocalista, los productores decidieron darle esa función
al ex vocalista y miembro de Los Drifters comos egunda voz llamado
Johnny Moore.
El single fue todo un exito al ser
lanzado en Junio de 1964 por Atlantic Records llegando al puesto # 4
en el Billboard.
Curiosamente existen dos versiones de
la canción original hecha por este grupo de soul y se diferencian
por un detalle en la letra. En una de ellas se puede escuchar decir
"We'll be making love" mientras que en una versión
censurada se lee en la letra la frase "We'll be falling in
love."
"Under the Boardwalk" ha sido
grabada por diersos artistas. Por ejemplo la banda The Beach Boys la
publicó en un disco, The Rolling Stones tambien sacó su versión,
ademas de John Mellencamp, The Undertones, Bette Midler y the Tom Tom
Club (cuya versión llegó al #22 en el UK Top 40 en 1982). Tambien
existen curiosas versiones hechas por Billy Joe Royal, el actor Bruce
Willis (logro el puesto #2 en UK) y Lynn Anderson (llegó al
casillero #24 en los US Country singles).
Innuendo es una canción de la famosa
agrupación británica Queen, el cual fue publicado en 1991 en el
disco del mismo nombre. Aunque en los creditos del disco aparecen los
cuatro miembros de Queen como autores del tema, se sabe que la
canción fue escrita principalmente por Freddie Mercury y Roger
Taylor.
Dado que dura exactamente 6:28 minutos,
se convirtió en una de las canciones más largas del grupo. La
canción fue todo un exito de ventas y logró el primer lugar en el
ranking musical británico.
Con respecto a la composición del
tema, Innuendo fue elaborado como un rompecabezas o sea pieza por
pieza y encajando cada melodia. Todo comenzó en una Jam Session
entre May, Deacon y Taylor, a la cual Mercury agregó la melodía y
parte de la letra (que después fue completada por el batero Roger
Taylor).
En 1994 en una entrevista para la
Guitar Magazine, Brian May señaló que el ritmo medio pertenece a
Mercury. Allí es donde se puede apreciar el delicado solo de
guitarra, luego un puente de influencia clásica, y a continuación
una vez más el solo pero con guitarra eléctrica. Esta sección es
particularmente compleja, ya que sigue un patrón de tres compases en
5/4 (que no suele encontrarse en la música popular) seguido por
cuatro compases en 3/4 (más frecuente en los temas Pop).
La sección donde dice "You can be
anything you want to be" ( traducido al español sería "Tú
puedes ser cualquier cosa que quieras ser") presenta una
orquestación muy sofisticada, realizada por Mercury y el productor
David Richards con el popular teclado/sintetizador Korg M1. Cabe
señalar que Freddie Mercury había realizado arreglos para orquestas
durante su carrera solista a mediados de los ochenta, l cual trató
de hacer en las ultimas composiciones con Queen.
Como toda canción de Queen, se grabó
un videoclip para promocionarla, el cual es muy elaborado ya que
incorporaba figuras de plastilina similares al arte de la cubierta
del álbum; las figuras eran animadas utilizando la técnica de
stop-motion. Los miembros de la banda aparecen únicamente como
ilustraciones e imágenes tomadas principalmente de videos anteriores
de Queen (como por ejemplo delas canciones The Miracle, Scandal,
Breakthru, The Invisible Man y I Want It All), en la pantalla de cine
que compone el decorado, Mercury aparece dibujado en el mismo estilo
de Leonardo da Vinci, May en el estilo de los aguafuertes
victorianos, Taylor en el estilo de Jackson Pollock y Deacon en el de
Pablo Picasso.
En el video también se puede apreciar
un montaje de imágenes y fotografías históricas, y por esto la
compañía productora DoRo (que produjo todos los sencillos del álbum
Innuendo) obtuvo un premio Monitor en la categoría "Mejor logro
en un video musical".
Otra caracteristica de esta canción es
que incluye un solo de guitarra flamenca, la cual estuvo a cargo de
los dedos de Steve Howe (el guitarrista de Yes) en forma de
interludio.
La historia cuenta que Howe y Mercury
eran amigos desde hacía varios años, dado por sus frecuentes
encuentros en los Townhouse Studios en Londres. La banda Yes había
estado grabando en Mountain Studios en 1978, poco antes que Queen los
comprara (ganaban hartos dolares estos tipos eh), y el álbum debut
de Asia (grupo al que también pertenecía Howe) había sido
producido por el ingeniero de sonido de Queen, Mike Stone.
En 1988, Paul Sutin había lanzado su
primer álbum y comenzado a grabar el segundo. En ese primer álbum,
Steve Howe había sido guitarrista y bajista, y Sutin le pidió que
produjese al nuevo álbum, a lo que Howe accedió. Esta vez, Howe no
tocó el bajo, sólo la guitarra y el teclado, pero todas las partes
de la batería en Voyager fueron realizadas por su hijo. Para ese
trabajo, Howe viajó a Ginebra (Suiza) para grabar su parte a
comienzos de 1989. Durante un descanso, condujo hasta Montreux, donde
se detuvo para almorzar. Allí se encontró con Martin Gloves (quien
había trabajado para Yes y que ahora era el supervisor de equipo de
Queen), y este le dijo que Queen en ese momento estaba en el estudio.
Con ese dato, el guitarrista de Yes decidió ir a visitar a la banda.
Freddie Mercury reconoció a Steve Howe
tan pronto como entró al estudio y (según el productor David
Richards, que también había trabajado con Yes en el pasado) le
pidió tocara un poco la guitarra. Otra versión afirma que Brian May
fue quien le pidió tocase el ritmo flamenco. En una entrevista
durante 1991, May admitió que él no podría haber tocado la parte
que grabó Howe.
Para finalizar, podemos decir que
la "versión explosiva" de la canción incluye un sonido
similar al de una bomba atómica, luego que Mercury canta "til
the end of time".
"Lookin' out My Back Door" es
una canción de la banda Creedence Clearwater Revival. Fue escrita
por su vocalista John Fogerty y aparece en el disco Cosmo's Factory
que fue publicado en el año 1970.
Esta interesante canción posee una
letra muy rara, la cual está llena de colorido e imágenes de
ensueño, lo cual a llevado a que muchos crean que esta inspirada
sobre los efectos de las drogas. Esta teoria se basaba en que la
frase "flying spoon" que se escucha en la canción era una
metafora sobre una cuchara de cocaína, y las locas imagenes de ver
animales era una descripción de un viaje con ácidos.
Sin embargo, John Fogerty ha
manifestado en varias entrevistas que esta canción fue escrita para
su hijo Josh que en ese entonces tenia tres años y que la referencia
hacia el desfile de animales esta inspirada en el libro de Dr. Seuss
titulado "And to Think That I Saw It on Mulberry Street".
Este escritor es quien creo a este famoso personaje... mirelo aqui.
"Lookin' out My Back Door",
junto con la canción "Long As I Can See the Light" fueron
lanzado en formato single en Julio de 1970. Dicho single llegó al
puesto #2 del Billboard solo superado por la versión de Diana Ross
de "Ain't No Mountain High Enough.
El disco Cosmo's Factory fue el quinto
álbum de estudio de la banda en menos de dos años y se convirtió
en un éxito comercial, alcanzando el puesto #1 en las listas de
álbumes de Billboard y colocando tres singles entre los cinco
primeros puestos:la anliazada "Lookin' Out My Back Door" y
"Travelin' Band" en la segunda posición, y "Up Around
the Bend", en el cuarto puesto.
Tambien podemos decir que en el año 2008 la
banda de heavy metal Children of Bodom hizo un cover de este tema
para su álbum Blooddrunk. Esta versión es bastante mas rapida,
metalera y hecha especialmente para agitar las melenas.
"Train in Vain (Stand by Me)"
es una canción de la banda The Clash lanzada como sencillo para
promocionar el disco London Calling en los Estados Unidos en 1980.
Lo mas curioso es que este tema fue
incluido como pista oculta en el disco a último momento todo por una
decisión rápida de Mick Jones, quien es el autor de la letra.
Con el paso del tiempo, esta misteriosa
pista llamada "Train in Vain" se convirtió en el primer
single del grupo en llegar al top 30 en la lista estadounidense.
Ahora viene otra curiosidad que nos
trae esta pegajosa canción, esta se debe al significado del titulo,
el cual no es claro dado que en ningún momento se menciona la
palabra "train" (que en español significa "tren")
ni tampoco "in vain" (en español "en vano").
En una entrevista, Jones explicó sobre
esto "el tema tenía un ritmo de tren y expresaba, una vez más,
el sentimiento de estar perdido". Otras versiones indican que
Mick se inspiró en el título de la canción "Love in Vain"
de Robert Johnson versionada por los famosos Rolling Stones.
La composición de esta canción fue
hecha en una noche y grabada al día siguiente, justo antes de
finalización de las sesiones para London Calling. La idea original
era que fuera emitida como flexi disc promocional con la revista NME
(New Musical Express), sin embargo, Mick Jones la consideró
"demasiado buena como para lanzarla en NME".
Años despues se le volvió a consultar
a Mick Jones sobre esto y comentó: "La verdadera historia de"
Train in Vain" es esta: en un principio necesitabamos una
canción para darsela a la revista NME, la cual era para una edición
promocional. Pero luego de depurarla, ensayarla y arreglarla nos
dimos cuenta que podia servir para London Calling. Así que decidimos
ponerla en el disco ya cuando estaba a punto de ser sacado a la venta
y es por ella que al principio no aparecia en los créditos... "
"Train in Vain" es una
cancion de amor, con algo de inspiracion en el tema country deTammy
Wynette "Stand by Your Man". Mientras que el riff de
guitarra es muy similar al de un tema de J.J. Jackson editado en 1966
llamado "But It's Alright" que fue un exitazo en
Inglaterra.
Existen diferentes versiones respecto
al deseo del grupo de que "Train in Vain" fuera agregada
como pista oculta. La más usual indica que al estar ya en impresión
la funda del disco no era posible agregar el tema al listado. Sin
embargo, otra versión sugiere que los miembros de The Clash veían
el tema como muy comercial y pop y prefirieron omitirlo ya que no
calzaba con el estilo politico de la banda. De cualquier manera, al
no estar adecuadamente nombrada ni tener la letra impresa en la
funda, los fanáticos de la banda la renombraron "Stand by Me"
por su estribillo.
Para finalizar en el año 2004 la
revista Rolling Stone puso en el casillero 292 a "Train In Vain"
en su lista de las 50 greatest songs of all time.
"#9 Dream" es una canción
del musico ingles John Lennon que está incluida en el álbum del año
1974 titulado Walls and Bridges. Fue publicada como segundo sencillo
del álbum en enero de 1975, con el tema "What You Got"
como cara B.
La canción tiene un significado bien
misterioso debido a la fascinación de Lennon por el número 9 y la
influencia en su vida tras el tema en su etapa Beatle "Revolution
9" (el cual es un tema experimental que apareció en el Album
Blanco, en 1968).
Los coros del tema son interpretados
por May Pang, compañera sentimental de Lennon durante el periodo
conocido como "Lost Weekend". Este periodo fue aquel cuando
Lennon y Yoko acordaron separarse durante un tiempo. John se llevó
consigo a su secretaria May Pang , en una decisión consensuada con
Yoko, para que ésta le hiciera compañía y aliviara sus apetitos
carnales al tiempo que le informaba detalladamente a Yoko sobre los
progresos de John.
Según palabras de Pang, "#9
Dream" tuvo dos títulos en su etapa demo: "So Long Ago"
y "Walls and Bridges". Asimismo, la "secretaria"
afirmó que la frase repetida en los coros de la canción, "Ah!
böwakawa poussé, poussé", fueron fruto de un sueño de Lennon
y no tienen ningún significado especial.
Dado ese episodio, Lennon adaptaría y
arreglaría el tema, añadiendo un título y una atmósfera
específica al incluir un cello al fondo de la música. En una
entrevista, Lennon afirmaría que la canción fue compuesta por el
espíritu de la "habilidad" y no por una verdadera
inspiración.
Ahora de manera de dilucidar el gusto
de John por el numero 9, hemos encontrado un articulo donde habla de
algunos sucesos (casi metafisicos) de su vida en orno a este numero
impar.
Aqui les dejamos algunas conclusiones
que algunas paginas y revistas han dado a esta relación numerica:
"#9 Dream" alcanzó el puesto
9 en las listas de éxitos de Estados Unidos.
Lennon nació el 9 de octubre de 1940.
Su hijo, Sean Lennon, nació el 9 de
octubre de 1975, día del trigesimoquinto cumpleaños de John.
Brian Epstein vería por primera vez a
Lennon y The Beatles en The Cavern el 9 de noviembre de 1961 y
firmarían un contrato con EMI el 9 de mayo de 1962.
Lennon conoció a Yoko Ono el 9 de
noviembre de 1966
La portada de Walls and Bridges muestra
un dibujo de Lennon, realizado a la edad de once años, con un
jugador de fútbol que porta el número 9 en el dorso de su camiseta.
De forma adicional a "#9 Dream",
Lennon escribiría los temas "Revolution 9" y "One
After 909".
Las dos personas más importantes en la
vida de Lennon, Paul McCartney y Yoko Ono, nacieron el 18 de junio y
el 18 de febrero, fechas que dan 9 al sumar sus cifras.
Lennon vendió Tittenhurst Park a Ringo
Starr el 9 de septiembre de 1973.
Cabe señalar que diversas teorias
numerologicas dicen que el 9 es el número del amor incondicional, el
amor universal. Entrega a los demás. El sanador espiritual. El
perdón.
"Wild Horses" es una canción
de la banda britanica Rolling Stones. Forma parte de su álbum Sticky
Fingers editado en 1971 y fue escrita por el vocalista Mick Jagger y
el guitarrista Keith Richards.
Esta canción fue grabada entre
diciembre de 1969 y febrero de 1970. Existe un rumor sobre que Wild
Horses fue escrita por Richards en respuesta al hecho de tener que
dejar a su hijo Marlon para irse de gira con la banda. Aunque tambien
se dice que Jagger reescribió la mayoría de esta canción para
reflejar el final de su relación con Marianne Faithfull. Debido a
esta versión, Jagger en persona declaró en la colección de los
Stones Jump Back: The Best of The Rolling Stones: "Todo el mundo
siempre dice que esto fue escrito sobre Marianne pero yo no lo veo
así, todo eso estaba ya acabado por entonces. Pero me encontraba
tremendamente conmovido por esta canción."
La banda de Country-Rock, The Flying
Burrito Brothers grabó una versión de la canción, la cual fue
sacada en 1970. Todo esto, ya que su lider, Gram Parsons, se había
hecho amigo de Jagger y especialmente de Richards el año anterior, y
decía que era una de sus canciones favoritas.
Los Stones la grabaron, junto con otras
canciones de Sticky Fingers, en el Muscle Shoals Sound Studio en
Alabama a principos de diciembre de 1969 sin la asistencia del
productor Jimmy Miller. Los pianos en esta canción están
interpretados por Ian Stewart y Jim Dickinson.
El single fue sacado a la venta en
junio de 1971. Wild Horses llegó al puesto 28 en las listas de
sencillos en los Estados Unidos.
Debido a su exito y gran calidad
musical, esta canción ha resultado ser muy versionada por diversos
artistas. Así ocurrió con Summerhill,Old and in the Way, The
Sundays, Guns N' Roses, Bush, Tori Amos ,Labelle, The Lovemongers con
Chris Cornell, Dave Matthews, Garbage, Charlote Martin, y más
recientemente Alicia Keys, Shery Crowl, Adam Levine, Tre Lux, Iron
and Wine, Deacon Blue y Elisa. Cabe señalar que la versión de The
Sundays fue utilizada en un anuncio de Budweiser a comienzos de los
90's. Ademas en 1995 la banda grabó una nueva versión para su álbum
acústico en directo de 1995 titulado Stripped.
Para finalizar, la famosa revista
Rolling Stone la colocó en la posición 334 en su Lista de Rolling
Stone de las 500 canciones más grandes de la historia del año 2004.
"Tom Sawyer" es una canción
de la banda canadiense Rush. Su nombre deriva del personaje literario
del escritor Mark Twain. Fue lanzada en febrero de 1981 para
promocionar el disco Moving Pictures.
La canción esta basada en un juego
Geddy Lee con su sintetizador y las improvisaciones del baterista
Neil Peart.
Geddy Lee se ha referido a esta canción
como "la definición musical de principios de los años 80".
Es, sin lugar a dudas, uno de los temas mas conocidos de Rush.
En el plano de las ventas del single,
este llegó al puesto 25 en el Reino Unido (Singles Charts).
La canción fue escrita por Lee, Peart,
y el guitarrista Alex Lifeson, ademas de la colaboración con el
escritor canadiense Pye Dubois (el letrista de la banda Max Webster),
quien ya habia trabajado con Rush en la composición de temas como
"Force Ten," "Between Sun and Moon," y "Test
For Echo."
La canción fue grabada por la banda en
los estudios Redheard mientras pasaban sus vacaciones de verano en
una granja cerca de Toronto. Todo empezó cuando Peart le presentó a
sus compañeros un poema de Dubois llamado "Louis the Lawyer"
(tambien conocido como "Louis the Warrior"),la cual
decidieron modificarlo y musicalizarlo con la ayuda de Lee y Lifeson.
En diciembre de 1985 el baterista y
letrista de Rush, Neil Peart dijo en una revista:
"Tom Sawyer fue una colaboración
conjunta con Pye Dubois, que es un excelente letrista que trabajaba
para Max Webster. Sus letras originales son una especie de retrato de
rebeldía actual, basadas en la libertad del espíritu individualista
que sacude a todo el mundo."
Recientemente fue nombrada en la
posición #19 del ranking del canal de televisión VH1: Greatest hard
rock song of all time.
"Rainy Day Women #12 & 35"
es una canción compuesta por el cantante estadounidense Bob Dylan.
Esta canción fue incluida en el álbum Blonde on Blonde, editado el
16 de mayo de 1966.
Tiene una curiososa y llamativa
instrumentación, ademas es la única pista de Blonde on Blonde que
incluye una banda de instrumentos de viento, y también por su
controvertido estribillo cuando dice "Everybody must get
stoned!" (en español sería "Todo el mundo debe estar
colocado"). Con respecto a esto, en la biografía de Dylan
escrita por Robert Shelton, titulada No Direction Home (que no tiene
nada que ver con el documental de Martin Scorsese, No Direction
Home), se afirma que la canción fue prohibida en muchas emisoras de
radio de Gran Bretaña y Estados Unidos debido a la paranoia por las
"canciones sobre drogas". De todas formas, existen otras
interpretaciones, como esa que dice que trata sobre las turbulentas
relaciones de Dylan con las mujeres. Otra interpretación posible,
considerando la actitud crítica de Dylan hacia la prensa, es que la
canción resalta lo absurdo de las críticas sobre referencias a las
drogas en la música rock de la
época.
Aunque el estribillo de Rainy Day Women
no es ambiguo, existen otras interpretaciones mucho más prosaicas, y
de hecho, no hay ninguna referencia explícita a las drogas en la
canción. Tambien se puede notar en el verso "They'll stone ya
when you're tryin' to keep your seat" ( en spanish sería "te
apedrearán cuando estés intentando mantener tu sitio") el cual
se puede entender como un guiño a los Movimiento por los Derechos
Civiles.
Esta canción es una de las más
populares en los conciertos de Robert Allen Zimmerman (nombre
verdadero de este cantante) hasta la fecha. Muy a menudo el
estribillo "everybody must get stoned", es coreado tan alto
por la audiencia que no se puede escuchar la voz de Dylan. La canción
alcanzó el puesto nº 2 en la lista Billboard.
"Have a cigar" es una canción
de la banda Pink Floyd escrita por Roger Waters y publicada en el
álbum de 1975 llamado Wish You Were Here.
La tematica de esta canción es una
dura crítica sobre la hipocresía y la avaricia dentro del negocio
de música.
En el plano musical podemos escuhar un
rock más puro que el resto de las canciones que componen el álbum,
que comienza con un agitado y espectacular riff interpretado por la
guitarra eléctrica y el bajo. La pista se completa con una guitarra
adicional, piano eléctrico y partes de sintetizador para crear una
textura de Funk-Rock.
Como dato curioso, en la versión
original la voz principal que canta la canción no fue realizada por
ningún miembro de Pink Floyd, sino por un cantante y compositor
británico que era amigo de la banda, nos referimos a Roy Harper.
Esta decición vino cuando Roger Waters, quien iba a cantar el tema,
notó que su voz estaba muy gastada al grabar la pista "Shine on
you crazy diamond" y al sugerirle al guitarrista David Gilmour
que se hiciera a cargo de la voz este se negó rotundamente a cantar
la áspera letra (quizas tenia miedo a que llegue este temón a los
jefes de la disquera). Asi fue como Waters se encontró a Harper que
estaba en plena grabación de su álbum HQ en el Estudio 2 de los
Estudios Abbey Road mientras que los Pink Floyd estaban en el Estudio
3; al conocer el problema que atraia a Waters y compañia se ofreció
para cantar la voz principal sin ningun problema.
Años mas tarde, al recordar este
episodio, Waters sostuvo que (quizás inconscientemente) esperaba que
los otros miembros de la banda rechazarían su sugerencia e
insistirían en mantener la canción estrictamente dentro de los
confines de Pink Floyd. Así que se sorprendió cuando los otros
aceptaron inmediatamente la idea de que fuera antada por alguien
externo a la banda.
Ademas, Harper a dicho que pidió
simplemente como pago por sus servicios un abono de por vida al
estadio de cricket llamado Lord's Cricket Ground. Pero nunca le llegó
ese pedido y de paso los Floyd le enviaron un cheque con una buena
cantidad de "ceros" con el cual Harper se sintió a
disgusto y dice que hasta el día de hoy no lo ha cobrado.
Por otro lado, si ponen atención
podran escuchar una frase que dice "Ah, a propósito, cuál de
ustedes es Pink?" (en el original es "Oh, by the way: which
one is Pink?"). Bueno, eso tiene una historia detras ya que se
rumorea que en realidad se le hizo esa pregunta a la banda a la banda
en sus primeras tocatas en los años 1960 por un ejecutivo de una
compañía de discos. Se dice que el ejecutivo dio la mano a todos
los miembros de la banda, los alabó, y a continuación hizo la
pregunta para saber quien era "Pink" (el jetón creia que
Pink Floyd era un cantante solista!!). Más tarde, el nombre Pink fue
usado para el personaje principal en la pelicula y el disco Pink
Floyd: The Wall .
La canción fue interpretada por
primera vez en vivo durante su gira norteamericana de 1975 entre las
dos mitades de "Shine On You Crazy Diamond" con Waters y
David Gilmour compartiendo la parte vocal. Ademas esta canción fue
tocada en las giras de 1975 y 1977. Las interpretaciones de 1977
tuvieron a Roger Waters como voz solista y a Gilmour haciendo los
coros. Los solos de guitarra en las interpretaciones en 1977 de "Have
a Cigar" fueron tocados por Snowy White (guitarrista que por
estos días acompaña a Waters en su carrera solista).
"All Those Years Ago" es una
canción escrita por George Harrison para su disco Somewhere in
England editado en 1981. La canción fue un tributo personal al
entonces recientemente asesinado John Lennon que fue su compañero y
amigo en la famosa banda The Beatles. El lanzamiento del single tuvo
fecha el 11 de mayo de 1981 en los EE. UU. y el 15 de mayo de 1981 en
Inglaterra. El sencillo "All Those Years Ago" alcanzó el
#2 y el #13 en las listas de E.E.U.U. e Inglaterra respectivamente.
La historia cuenta que originalmente
Harrison escribió esta canción (con una letra diferente) para que
fuera grabada por Ringo Starr quien andaba en busca de alguna canción
para un disco. Aunque fue grabada, Ringo sintió que la voz era muy
alta para su alcance y ademas no le gustó la letra. Debido a eso,
George tomó la pista de vuelta y después de la muerte de Lennon,
cambió la letra para reflejar un tributo a su amigo que fue
asesinado un 8 de diciembre de 1980, en la letra se puede evidenciar
una nostalgia hacia Lennon con quien compartió muchos años en la
etapa Beatle.
Cabe señalar que para que sea mcuho
mas valioso este tributo, Harrison decidió grabarlo junto a los
otros Beatles restantes (nos referimos a Starr y McCartney).
Por ello es una de las pocas canciones
que no es de los Beatles en la cual figuran los tres miembros del
grupo.
Harrison, Starr y McCartney hicieron
sus contribuciones en una serie de sesiones de grabación, mezclando
juntos para crear el producto final. Ellos no volverían a grabar
juntos sino hasta trece años después en La Antología de los
Beatles.
La esposa de Paul, Linda contribuyó en
los coros junto al integrante de The Wings (banda de Paul McCartney)
Denny Laine. La alineación fue completada por Al Kooper en los
teclados.
"Copacabana" es una canción
del cantante estadounidense Barry Manilow. Fue grabada para su disco
Even Now de 1978 y fue escrita por Manilow, Jack Feldman y Bruce
Sussman.
Esta canción también es conocida como
"At the Cop" debido simplemente a las primeras palabras del
pegajoso coro. El single debutó en la revista Billboard Top 40
alcanzando la octava posición de su ranking el 7 de julio de 1978.
Distinto exito tuvo el single en el Reino Unido donde solo alcanzó
el puesto # 42 en el Reino Unido en 1978.
Tambien existe una versión Remixada
que alcanzó el lugar # 22 en 1993 en los charts de UK. Ademas
gracias al exito de este tema, el disco de Manilow (el cual es el
único hasta la fecha) ganó un Grammy en febrero de 1979.
El titulo de la canción está basado
en el famoso club nocturno "Copacabana" de la ciudad de
Nueva York. Nos cuenta la historia de Lola, una corista, y de su
amante llamado Tony, que era un camarero del club. Tambien existe un
hotel en La Habana, que lleva el nombre "Copacabana"...
(dato aportado por "Guayo" que ha estado ahi...)
Fue usada como música incidental en la
película The Foul Play en 1978, cinta que estaba protagonizada por
Chevy Chase y Goldie Hawn, y ha aparecido e varias películas mas.
En 1985, Manilow y sus amigos Bruce
Sussman y Jack Feldman usaron la canción en un largometraje, como
forma de distribuir la televisión musical que en ese entonces era
primitiva. Esta versión cinematográfica fue editada por Manilow,
Feldman, Sussman en un LP con los dos actos que hicieorn en el Teatro
Príncipe de Gales en Londres despues de dos años de gira por
Inglaterra. Desde esa epoca más de 200 producciones del espectáculo
ya se han montado en todo el mundo.
Pra finalizar la historia de este
temazo...En 1990, la revista Rolling Stone le proclamó a Manilow el
grado de "representante de nuestra generación". El single
ha vendido más de 75 millones de copias en todo el mundo.
"Man on the Moon" es una
canción del grupo estadounidense R.E.M.. Fue lanzada en 1993 como el
segundo sencillo del álbum Automatic for the People publicado en
1992. La canción hace numerosas referencias al humorista
estadounidense Andy Kaufman (famoso por impulsar el anti-humor")
y sus "burlas" e imitaciones de Elvis Presley. También se
habla de su trabajo con los profesionales de la lucha libre Fred
Blassie y Jerry Lawler.
El título, la letra y el vídeo hacen
referencia a la teoría de la conspiración del aterrizaje del hombre
en la Luna.
Pero tambien existen rumores que dicen
que Andy Kaufman falsificó su muerte (mirar dato) y aunque en la
canción no se hace referencia directa a esto, sí se puede entender
que Kaufman debe ser visto como alguien que tenía algo bajo la manga
(citado en los versos como If you believe there's nothing up my
sleeve, then nothing is cool, que en español sería "Si crees
que no hay nada bajo mi manga, entonces nada es divertido").
El guitarrista de R.E.M.,Peter Buck,
cuenta en el libro del álbum In Time... como "nació" la
canción : "...cinco días antes de la grabación teníamos la
canción completamente finalizada sólo nos faltaba la letra. Michael
no tenía ninguna idea y comenzaba a ponerse un poco irritado con
todos nosotros [...]. Se decidió que en lugar de andar como locos
por el estudio, nos tomásemos unos días de descanso. Michael pasó
su tiempo libre conduciendo con su coche alquilado escuchando la
canción en un cassette y cantando a lo largo de cuatro días. Cuando
volvimos, Michael caminó hacia el estudio cantando Man on the Moon
por primera vez y se fue. Nos quedamos todos aturdidos. Fue uno de
esos momentos mágicos ..."
Esta canción tambien tiene un
vídeoclip para promocionar el single, este fue dirigido por Peter
Care y fue grabado durante tres días en el desierto, en Lancaster,
en el Antelope Valley de California en octubre de 1992.
En 1999 esta canción fue parte de la
pelicula Man on the Moon, donde Jim Carrey interpretó al cómico y Estuvo dirigida por Milos Forman.
"One" es una famosa canción
de la banda Metallica y forma parte del álbum ...And Justice for All
editado el año 1988. Este disco es el primero que hacieron junto al
nuevo bajista Jason Newsted luego de la trágica muerte de Cliff
Burton.
Según la crítica especializada, "One"
es una de las obras maestras de esta banda estadounidense, y también
fue el primer vídeoclio que realizaron. Este clip fue dirigido por
Bill Papa y Michael Salomon y debutó en MTV el 20 de enero de 1989.
El vídeo está casi enteramente en blanco y negro, y fue filmado en
un almacén. Se encuentran diálogos y varias escenas de la película
Johnny got his gun,que fue dirigido por Dalton Trumbo, adaptado de un
libro del mismo nombre.
Gracias a este tema, Metallica ganó su
primer premio Grammy en 1990 en la categoría Best Metal Performance
(mejor interpretación de metal). Además, el solo de esta canción
ha sido puesta, por los lectores de la revista Guitar World en el
puesto número 7 de las listas de los mejores 100 solos de guitarra.
Ahora, analizando la letra de la
canción, nos podemos percatar que habla sobre un hombre que perdió
sus extremidades, vista y voz en la explosión de una mina terrestre
en la guerra. Este despierta en una camilla médica y conectado a
máquinas que lo mantienen vivo. Al principio de la canción, su
protagonista, cree experimentar un sueño, pero más adelante, se da
cuenta de que vive la realidad, y, al resultar su cuerpo "una
barrera que no le permite moverse" "(Trapped in myself)",
desea la muerte ("Hold my breath as I wish for death").
"Visions of Johanna" es una
famosa canción de Bob Dylan editada en 1966 en su album Blonde on
Blonde.
Considerada entre las mejores canciones
de Dylan. Es por ello que Dylan tambien se refiere a ella como su
canción favorita de ese disco y le da un detalle "tiene ese
delgado y salvaje sonido del mercurio".
La canción ocupa el puesto # 404 en la
revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los
tiempos.
Como dato curioso, muchos fanaticos han
especulado sobre la identidad de Johanna. Aqui les dejamos algunas
"teorías":
1. Se refiere al "Gehena" y
"Ge-Hinnom", a partir de una una palabra hebrea para el
infierno.
2. Que fue dedicada a la cuñada de
Vincent van Gogh, Johanna van Gogh Gezina , que fue en gran medida la
responsable de la eventual aparición Vicente como un gran artista.
3. Otros dicen que Johanna se refiere a
todo lo infinito o a Dios.
4. Se alude al poema de William Blake,
"On the Virginity of the Virgin Mary & Johanna Southcott".
5. La ultima teoria es que simplemente
se refiere a su novia (en esos tiempos) Joan Baez.
Otra teoría, quizas la mas llamativa,
es esa que dice que la canción contiene una gran cantidad de
referencias a las drogas, tal vez la heroína, y que esta basada en
el estado animico producto del abuso de alucinógenos.
Pero ninguna de estas citas están
respaldadas por declaraciones hechas por Dylan, que una vez dijo: "No
sé cómo escribir canciones que hablen de drogas, como puedo
empezar?."
Báez, eso si, cree que ella fue la
inspiración de esa canción, aunque solo afirma que hay otras mas
donde es posible ver mas claro esa inspiración hacia su persona.
La canción fue originalmente titulada
"Seems Like a Freeze Out";, y las grabaciones de ese tema
fueron parte del disco Blonde on Blonde. Se grabaron distintas
versiones aquella vez, una con ritmo rockero y otra basada en un
ritmo mas lento como balada.
Tambien existen dos versiones en vivo
de la canción que fueron grabadas durante la gira por Inglaterra en
1966 y fueron lanzados como single para el disco Biograph de 1985.
Muchos críticos y aficionados han
llegado a considerar que esa versión cruda y evocadora grabada en
vivo es superior a la versión del álbum.
En Perth, Australia, durante la gira de
1966, Dylan le habla a la audiencia sobre un desconocido verso de
"Visions of Johanna".
Este verso introduce dos nuevos
personajes, Amelia, a quien describe como "el fracaso del Dios
favorito", y "A Maya with gloves", que habla sobre el
amor y el chocolate. No hay indicios de que Dylan haya realizado este
verso en otras ocasiones.
Este tema marca un estilo de Dylan a
mitd de los sesnta, este estilo marcado por esa poesia urbana oscura,
ese relato de un genio con su guitarra que hace tambalear al mundo
con buenas canciones.
"Money for Nothing" es una
canción de la banda inglesa Dire Straits y fue editada en el disco
Brothers in Arms de 1985. Con esta canción la banda logró su exito
mundial. Fue escrita por Mark Knopfler y Sting (si... el lider de The
Police!!).
Este exitazo alcanzó el número uno en
los Estados Unidos y se mantuvo ahí durante tres semanas,
convirtiéndose en su single mas famoso, y también alcanzó el
número uno durante tres semanas en los Mainstream Rock chart del
pais de america del norte.
En el Reino Unido, la canción alcanzó
el número 4 en las listas. La grabación se caracterizó por su
controvertida letra, la música innovadora del vídeo y el cameo de
Sting cantando en la introducción y parte del coro donde dice "I
want my MTV".
El video de la canción fue el primero
que se transmitió en MTV Europa, cuando la red se inició el 1 de
agosto de 1987.
"Money for Nothing" ganó el
premio Grammy a la Mejor Actuación de Rock de Dúo o Grupo Vocal en
1985 en la 28 ª entrega anual de dichos premios.
La grabación de la canción contiene
una caracteristica musical muy reconocible en la estructura de la
forma del riff de guitarra con la cual comienza la canción. Dicho
riff esta inspirado en las canciones de la banda ZZ Top.
El riff de guitarra suena en toda la
canción, y se reproduce en su totalidad durante cada estribillo,
ademas puede ser tocado combiandola con el silencio durante el verso.
Segun la revista Rolling Stone, esta canción figura en el puesto #
94 de las canciónes con mejores riffs de guitarras de todos los
tiempos.
La letra de la canción trata la visión
desde el punto de vista de un trabajador de camisa azul que vive
mirando videos musicales y comenta sobre lo que ve en la TV.
Knopfler describe a la canción en 1985
en una entrevista con el critico de espectaculos Bill Flanagan: "El
personaje principal de " Money for Nothing "es un tipo que
trabaja en el departamento de hardware en un programa de televisión.
Él es quien canta la canción. Esta canción la escribí cuando yo
estaba en una tienda. Tome prestado un pedazo de papel y comenzé a
escribir la canción en ese lugar."
Sobre la participación de Sting en
esta canción, podemos mencionar que todo ocurrió mientras el lider
de The Police se encontraba de visita en Montserrat durante la
grabación de la canción, y fue invitado para añadir algunos coros.
Sting ha declarado que su única
contribución en la canción fue la composición de la frase "I
want my MTV", la cual fue cantada bajo la misma melodía del
coro de su canción "Don't Stand So Close to Me",
originalmente grabada por The Police. Sting se sintió avergonzado
cuando su compañía disquera insistió en que él habia co-escrito
la canción (Todo sea por los derechos de autor).
La canción causó cierta controversia
cuando se tratpo de buscar a quien iba dedicada, pues hace
referencias a un músico "golpeando los bongos como un
chimpancé" y dá la descripción de un cantante "maricón
pendiente de lo poco y el maquillaje", y lamentando que los
artistas tienen "obtienen dinero a cambio de nada y para los
pollitos es gratis ". Estos versos fueron ampliamente criticado
como declaraciones sexista y anti-gays. Es por ello que en algunas
versiones posteriores de la cancion la banda decidió cambiar algunas
palabras de la letra para evitar malas interpretaciones.
A finales de 1985 en una entrevista en
la revista Rolling Stone, Knopfler señaló tener sentimientos
encontrados sobre la polémica: "Tengo una objeción hacia el
editor de un periódico gay en Londres. Aparte del hecho de que hay
gente estúpida gay, así como otras personas estúpidas, sugiere que
tal vez uno no puede dejar de darles tantos significados - lo que
tiene que ser directo. De hecho, todavía estoy pensando en que si es
una buena idea escribir canciones que no están en primera persona,
para que los asuman otros personajes. "
El bajista Nikki Sixx ,que fue
integrante de la banda Motley Crue, señaló en una entrevista a la
revista Blender, que la canción era acerca de su excesivo estilo de
vida de la banda, y que él escuchó varios comentarios en contra de
los Montley en la casa discografica de los Dire Straits.
"La Grange" es una canción
de la banda ZZ Top que aparece en su album titulado Tres Hombres,
editado en 1973.
Ha sido considerada casi como un
"clasico del blues" y es una de sus más exitosas
canciones.
El single fue sacado a la venta en 1973
y recibió un amplio apoyo en las radios, llegando al puesto # 41 en
la Billboard Pop Singles en 1974.
La canción se refiere a un pueblo de
las afueras de La Grange, Texas ( más tarde ese lugar fue conocido
como el "Chicken Ranch") en donde existe un famoso
prostibulo. Este burdel también fue el tema central de una obra que
se presento en Broadway y en el cine con una cinta llamada The Best
Little Whorehouse in Texas ,que fue protagonizada por Dolly Parton y
Burt Reynolds.
El guitarrista y vocalista de la banda,
el señor Billy Gibbons, comentó en la revista Guitar World que el
riff pegajoso de la canción fue hecho con una Stratocaster modelo
1955 junto a un amplificador Marchall.
En los últimos años, cuando la banda
toca esta canción en sus conciertos, se ha convertido en una
tradición que empiezen a jugar con diversos riffs en el medio de la
canción hasta que llega el momento en el que Gibbons y el bajista
Dusty Hill gritan, "Hell yeah!" antes de reanudar la
canción.
En marzo de 2005, la revista Q colocó
a "La Grange", en el puesto número 92 de su lista de las
100 mejores canciones para guitarra.
"I'm Sorry" es una delicada
balada de 1960 interpretada por la cantante Brenda Lee cuando solo
tenia 15 años de edad. Fue escrita por Dub Albritton y Ronnie Self.
Esta canción llegó al número uno en
el Billboard Hot 100 singles chart en julio de 1960. Ademas, la
revista Allmusic escribió en sus paginas que la joven estrella pop
habia logrado su "canción definitiva", y que era una de
las "mejores canciones de pop adolescente de su época". En
el Reino Unido , la canción alcanzó el número 12 y tuvo gran
popularidad que incluso influyeron en unos jovenes que tenian una
banda llamada Quarrymen y que posteriormente serían The Beatles.
Según el libro Billboard Number One
Hits escrito por Fred Bronson, Brenda Lee grabó la canción a
principios de 1960, pero su casa diquera, Decca Records, retrasó el
lanzamiento del single por varios meses dada la preocupación de que
una niña de 15 años de edad no era lo suficientemente madura para
cantar sobre el amor no correspondido.
Cuando la canción finalmente fue
puesta en libertad para el publico y fue un exito total en los
Estados Unidos.
La canción hizo famoso el "estilo
Nashville" que se caracteriza por dar amplia participación a
los sonidos de las cuerdas y los coros.
Brenda Lee es miembro de los
Rock’n'Roll, Rockabilly y Country Music Hall Of Fame y hasta el día
de hoy es una de las artistas femeninas que más discos ha vendido en
la historia de la música. A sus 63 años sigue dando giras y
participando en multitud de galas. Mientras, sus canciones siguen
siendo incluidas en bandas sonoras de cine, televisión y en campañas
de publicidad de todo el mundo.
"Reflections of my life" es
una canción de la banda The Marmalade escrita por el guitarrista
Junior Campbell y el cantante Dean Ford. Fue lanzado en 1969
rapidamente se convirtió en su gran exito que los llevó a vender
millones de copia y llegar al puesto 10 en el Billboard de Estados
Unidos.
Es una inquietante e inteligente
canción elaborada bajo una armonia atemporal y que supuestamente fue
escrita en contra de la guerra de Vietnam. Es por ello que esta pieza
musical se ha convertido en un clasico en todo el mundo. Por su
belleza musical que fue numero 3 en el Reino Unido a pesar de que la
banda escosesa tenia mucha mas fama en los Estados Unidos.
Otra de las características de esta
balada es la interpretación del cantante Dean Ford muy respaldada
por las fuertes armonías que incluyen una "cinta inversa"
en el solo de guitarra de Campbell.
Ademas de eso, "Reflections of my
Life" llegó a vender mas de dos millones de unidades. En 1998,
los criticos musicales le otorgaron una mención especial por la IMC
por ser reporducida mas de un millon de veces en la radios
Estadounidenses. solamente.
Esta pista fue parte de diversas bandas
sonoras de peliculas, como la historica Good Friday Peace Campaign
hecha en Irlanda del Norte en 1998, y en Inside Deep Throat, la
película biografía de Linda Lovelace.
En octubre de 2008 se utilizó en la
banda sonora de un episodio de la versión americana de Life on Mars,
que se ocupa en la parte de la muerte de un veterano de guerra de
Vietnam que es gay.
La letra de esta canción tambien
aparece con frecuencia en el libro "Flying Through Midnight"
escrita por John T Halliday. Dicho libro es un relato de la guerra de
Vietnam y se señala que es una de las canciones que los pilotos
utilizan para relajarse después de las difíciles misiones de
guerra.
"This Diamond Ring" es una
canción escrita en 1965 por Al Kooper, Bob Brass e Irwin Levine.
El mayor éxito de este tema fue llegar
a la posición # 1 en el Billboard Hot 100 chart, interpretado por
Gary Lewis & The Playboys a pesar de que ninguno d elos
integrantes de la banda tocó en la grabación y la voz de Lewis
estuvo fuertemente apoyada con los doblajes de Ron Hicklin.
Los que realmente tocaron en el tema
fueron el baterista Hal Blaine, el bajo fue tocado por Carol Kaye y
Leon Russell se dió el lujo de tocar los teclados y ser el asistente
de grabación. La canción se grabó en los Snuff Garrett Records.
En el plano musical, la canción tiene
una instrumentación basica (guitarra eléctrica, órgano, bajo,
batería), algunas inflexiones en la armonía basado en un patrón
basico del ritmo del rock.
"El estilo musical empleado",
escribe el productor Brackett, "son pequeños aspectos de las
canciones del rock contemporáneo. Esta hecha desde el punto de vista
de lo fail que es hacer música. La base de las progresiones
armonicas se parece mucho a las canciones de The Beatles, lo mismo
puedo decir de la letra". Recordemos que en esa epoca la
Beatlemanía arrasaba en el mundo y la mayoria de las bandas querian
seguir su estilo para poder pescar algo de fama.
Al Kooper ha dicho muchas veces que
estaba muy contento con esta grabación y que siempre tuvo la
esperanza de que la canción sería registrada por el grupo The
Drifters pues esa era la idea inicial. Aunque al final con la versión
de Gary Lewis & The Playboys logró mucha fama como compositor.
Kooper posteriormente volvería a
interpretar esta canción cuando graba una versión funky de su álbum
"Act Like Nothing's Wrong" de 1976.
"Under the Boardwalk" es una
canción grabada en 1964 por la banda The Drifters y fue escrita por
Kenny Young y Arthur Resnick.
