The Beatles – Please, Please Me

«Please Please Me» es el segundo sencillo lanzado por el grupo de rock The Beatles en el Reino Unido, y el primero publicado en los Estados Unidos. También es el tema que da título a su primer LP, que fue grabado para capitalizar el éxito del sencillo. Era originalmente una composición de John Lennon, aunque su estructura definitiva se vio significativamente influenciada por George Martin.

El 22 de febrero de 1963, la canción alcanzó el nº 1 en las listas de sencillos del New Musical Express (la tabla de éxitos del momento más reconocida) y del Melody Maker, pero sólo llegó el puesto nº 2 en la lista del Record Retailer, que evolucionaría después en lista oficial del Reino Unido reflejando este último dato.

El sencillo, que se había lanzado inicialmente con «Ask Me Why» en el lado B, no fue muy exitoso en los Estados Unidos, pero cuando se reeditó el 30 de enero de 1964 (esta vez con «From Me to You» en el lado B) alcanzó el nº 3 en el Hot 100 de Billboard.

The Beatles ya habían logrado un modesto éxito con su sencillo debut «Love Me Do», pero fuera de Liverpool y Hamburgo seguían siendo desconocidos. Parte del problema consistió en que a finales de 1962, el grupo había iniciado una última gira en Hamburgo, en ese tiempo, el sencillo «Love Me Do» hizo su aparición en las listas de éxitos británicas, por lo que no estuvieron disponibles para promocionar activamente el sencillo en su tierra de origen. Sin embargo, su productor George Martin sentía que era un inicio prometedor, y decidió seguir adelante con un segundo sencillo. Martin declaró que la versión original del tema era «bastante mala», «demasiado lenta» y, por lo tanto, tenía pocas posibilidades de darle un éxito a la banda; insistía en que mejor deberían editar «How Do You Do It?», una composición de Mitch Murray. Martin pensaba que era la mejor alternativa para conseguir el interés por parte del público. El grupo respondió que sólo estaban interesados en grabar su propio material escrito. McCartney dijo: «Había como una señal en el grupo de que debíamos rechazar 'How Do You Do It?'». Ringo Starr comentó: «Recuerdo que todos nosotros estábamos dispuestos a defender la idea de 'Hemos escrito estas canciones y vamos a trabajar con ellas'.» En última instancia, George Martin seguía apelando a la canción, pero más tarde declaró: «[Yo] todavía habría publicado 'How Do You Do It?' si ellos no me hubieran convencido de escuchar otra versión de 'Please Please Me'.»

Originalmente, «Please Please Me» fue compuesta para el género musical blues, con ritmos demasiados lentos. Al respecto, su autor principal comentó:

                            «Recuerdo el día en que la escribí (...) Oía a Roy Orbison cantar 'Only the Lonely', o algo así. Y siempre había estado intrigado por el juego de palabras de una canción de Bing Crosby que era: 'Please lend a little ear to my pleas', lo que me interesó en ella fue el doble uso de la palabra please. Así que fue una combinación musical entre Roy Orbison y Bing Crosby»

                                                                                                                                       John Lennon

Originalmente, la canción era vocalmente escasa, no contenía ninguna armonía vocal, y tampoco el intro del solo de armónica. George Martin la escuchó por primera vez en las sesiones de grabación de «Love Me Do», el 11 de septiembre de 1962, y en su opinión le eran necesarios varios ajustes. Martin pidió al grupo que se hicieran cambios importantes en ella, incluyendo aumentar su velocidad. Al momento en que se volvió a interpretar en el estudio el 26 de noviembre de 1962, la canción se había modificado radicalmente, de tal manera que George Martin predijo que la canción sería el primer gran éxito de la banda.

La grabación de «Please Please Me» se realizó durante una sesión de tres horas en el estudio dos de EMI, el 26 de noviembre de 1962. El grupo llegó a las 6:00 pm al estudio y comenzó a ensayar durante una hora, después iniciaron las grabaciones de la canción. Se grabaron 18 tomas de «Please Please Me», incluyendo doblajes del solo de armónica de John Lennon.

Inicialmente McCartney interpretaba las notas altas, mientras que Lennon se mantenía en la armonía, un truco que la banda aprendió con el éxito de The Everly Brothers «Cathy's Clown», en abril de 1960. McCartney dijo: «Hice el truco de permanecer en la nota alta mientras que las melodías se deslizaban por debajo de ella». Ringo Starr ha afirmado que los períodos de grabación de «Please Please Me» fueron muy diferentes a los de «Love Me Do» en relación a su capacidad musical. El apoyo de los aficionados locales con «Please Please Me» ayudó a que fuera una innovación, especialmente a que The Beatles realizaran sus primeras giras en el Reino Unido y que fueran capaces de aparecer en influyentes programas de televisión nacional como Thank Your Lucky Stars, donde «Please Please Me» fue elegida la única canción que el grupo interpretaría en aquella actuación.

«Please Please Me», junto con las demás canciones originales suyas pertenecientes a su álbum debut, fue acreditada como McCartney—Lennon. Esto cambiaria en los LP posteriores del grupo, en las que fueron acreditadas a Lennon—McCartney.

Capitol Records, la etiqueta de EMI en los Estados Unidos, recibió la oferta de lanzar «Please Please Me» en los EE.UU., pero la rechazó. Después de varios rechazos de distintas empresas discográficas, la grabación fue ofrecida a Vee-Jay Records, quien finalmente aceptó publicar «Please Please Me» en los Estados Unidos. La fecha exacta del lanzamiento en los EE.UU. se había perdido durante décadas, pero una investigación publicada en 2004 mostró que el sencillo «Please Please Me»/«Ask Me Why» fue publicado por Vee-Jay el 7 de febrero de 1963, un año antes de la primera visita de The Beatles a los Estados Unidos.

Dick Biondi, un disc jockey de la estación WLS en Chicago y amigo del ejecutivo de Vee-Jay Ewart Abner, tocó la canción en la radio, quizás el 8 de febrero de 1963, convirtiéndose así en el primer DJ que tocaba una canción de The Beatles en los Estados Unidos. Art Roberts, el legendario DJ y director musical del momento dijo cómo la grabación fue tocada por primera vez en la estación de radio.

«Please Please Me» alcanzó el nº 35 en la lista del «Silver Dollar Survey» el 15 de marzo después de cuatro semanas de estancia. Pero la canción no apareció en ninguna de las principales listas de éxitos estadounidenses.

A los primeros prensados del sencillo de Vee-Jay, se les fue asignado el número de catálogo 498, pero apareció un error tipográfico: el nombre de la banda fue escrito «The Beattles» con dos T. Más tarde, el sencillo fue corregido. Además, a diferencia de la edición británica de Parlophone, la edición de Vee-Jay tenía a los compositores acreditados como «J. Lennon-P. McCartney» en ambos lados. A excepción de Chicago, el sencillo fue un fracaso en todo el país, llegando a vender apenas unos 7.310 ejemplares. Hoy en día, las copias de Vee-Jay 498, ya sea con la ortografía correcta o incorrecta de The Beatles en la etiqueta, son consideradas de colección y muy valiosas.

A raíz del crecimiento de popularidad de The Beatles tras el lanzamiento de «I Want to Hold Your Hand» en los Estados Unidos, Vee-Jay reeditó «Please Please Me» cerca del 3 enero de 1964, después de que videos de The Beatles habían aparecido en un programa de televisión conducido por Jack Paar.24 Para asegurar el éxito de la reedición, el sello eligió poner a «From Me to You» en el lado B. El nuevo sencillo se publicó con el número de catálogo 581.

Esta vez, «Please Please Me» fue un gran éxito, en poco tiempo había llegado al puesto nº 3 del Billboard Hot 100, sólo por detrás de «I Want to Hold Your Hand» y «She Loves You». También fue una de las cinco canciones que ocuparon los primeros puestos del Billboard Hot 100, cuando The Beatles ocuparon los primeros cinco lugares de la lista el 4 de abril de 1964.

Debido a que Vee-Jay quería obtener muchas copias del sencillo lo más rápidamente posible, se crearon distintas impresiones sin ninguna uniformidad entre ellas. Como resultado, existen una serie de sencillos con diferentes características en la etiqueta. Algunas de estas tienen añadida una coma en el título de la canción, quedando como «Please, Please Me». Además, algunas copias del sencillo se expidieron con una imagen en la funda. Las primeras copias de promoción tenían una portada especial con la frase «Please Please Me, la grabación que inicia la beatlemania.» El texto de la portada decía que The Beatles tenían programado aparecer en febrero en el The Ed Sullivan Show. Esta funda se considera extremadamente rara.

Al menos 1,1 millones de copias de «Please Please Me» se vendieron por segunda vez. Debido a que Vee-Jay no estaba asociada a la RIAA, el sencillo no pudo ser certificado como Oro.

Sobre el significado de la letra de la canción, algunos la vieron como más atrevida de lo que al principio parecía. Para el crítico musical Robert Christgau, ciertas frases se referían claramente al sexo oral, especialmente el verso «You don't need me to show the way, love» («No me necesitas para mostrarte el camino, mi amor») y el verso «Please please me, oh yeah, like I please you» («Compláceme, oh, sí, como yo te complazco a ti»). Lo mismo opinó Tim Riley, que la llamó «la primera canción pop sobre el sexo oral». Sin embargo, aunque Lennon habría de deslizar a menudo insinuaciones sexuales en sus canciones posteriores como «Happiness is a Warm Gun», parece que aquí no fue de forma voluntaria. Los Beatles en todos los casos siempre negaron este sentido. El periodista Steve Turner, al igual que otros críticos, lo vieron simplemente como una celebración de la igualdad para el placer sexual.

Rolling Stones - Sympathy For The Devil

«Sympathy for the Devil» es una canción de la banda británica de rock The Rolling Stones. Fue compuesta por el cantante del grupo Mick Jagger inspirándose en la novela de Mijaíl Bulgákov El maestro y Margarita, que llegó a sus manos a través de su novia de ese tiempo: la actriz y cantante Marianne Faithfull. 

El propio autor mencionó que también pudo haberse inspirado en algún escritor francés, tal vez en Baudelaire, aunque algunas estrofas se asemejan a The Devil and Daniel Webster, de Stephen Vincent Benét. Su grabación se produjo a principios de junio de 1968 bajo la producción del estadounidense Jimmy Miller y en ella participaron como voces invitadas Marianne Faithfull y Anita Pallenberg. Se lanzó el 6 de diciembre de 1968 como la pista inicial del álbum Beggars Banquet.

En la letra, Mick Jagger interpreta a un misterioso personaje que se resiste a dar su nombre y que reclama ser la principal fuerza motora que está detrás de todos los actos de maldad que han tenido lugar a lo largo de la historia de la humanidad, citando sucesos como el asesinato de la familia Romanov durante la Revolución rusa, la Segunda Guerra Mundial o el asesinato de Robert y John F. Kennedy. En el apartado musical, destaca el papel protagonista del bajo, tocado por el guitarrista del grupo Keith Richards, y la batería; la adición de congas y maracas le dio un sonido tribal a la composición. Aunque no fue editada como sencillo, su aparición en Beggars le propició a la banda británica numerosos problemas al ser sus miembros acusados de adoradores de Satanás.

Es considerada por la crítica musical como una de las mejores grabaciones de la banda y una de las mejores de la historia del rock: así, en el año 2004 la revista Rolling Stone incluyó a la canción en el puesto 32 en su de Lista de Rolling Stone de las 500 canciones más grandes de la historia, mientras que la cadena televisiva estadounidense VH1 la puso en el número 26 en su lista de Las 100 canciones más grandes de rock and roll.

La grabación también da título a la película de 1968 de Jean-Luc Godard (aunque también llamada One Plus One en Europa); en ella se produce una descripción de la contracultura estadounidense de finales de los años sesenta mezclada con escenas de los Stones grabando «Sympathy».

La grabación de la primera canción de Beggars Banquet comenzó en los Olympic Studios de Londres, Inglaterra el 5 de junio de 1968 y continuó el día siguiente. Las sesiones finales tuvieron lugar los días 8, 9 y 10 de junio. Inicialmente la grabación nació como una canción folk con algunas piezas acústicas, pero con ligeros destellos originados en los ritmos brasileños, la banda la interpretó de distintas formas para observar cuál ritmo era el idóneo para la canción.1 Su peculiar instrumentación estuvo integrada por el músico africano Rocky Dijon, lo que le dio un ritmo de samba en la sección de percusión tocando las congas, en la que también participó el multi-instrumentista de la banda Brian Jones. Keith Richards, guitarrista principal de los Stones, no sólo se encargó del solo de la guitarra eléctrica, sino también del bajo, instrumento que se convirtió en el auténtico guía de la pieza. Sustituyó así en su puesto a Bill Wyman, que se hizo cargo de las maracas. Por su parte, Nicky Hopkins se ocupó del piano. Finalmente, las voces de fondo contaron con la participación de Keith, Brian Jones y Anita Pallenberg;9 aunque cabe señalar que en la película de Jean-Luc Godard se muestra en las voces de fondo a Marianne Faithfull, Anita Pallenberg, Brian Jones, Charlie Watts, el productor Jimmy Miller, Bill Wyman y Keith Richards. Éstos últimos, junto con la percusión y los chillidos de Jagger contribuyen a crear un convincente ambiente de rito satánico primitivo.

Cabe señalar que Sympathy for the Devil también es el título de una película de 1968 de Jean-Luc Godard (titulada One plus One en Europa) acerca de la contracultura norteamericana de finales de los sesenta. La película muestra el proceso de grabación del tema por parte de los Stones.

...Y se la puede ver en esa película que filmó Godard, Sympathy for the Devil [originalmente titulada One Plus One], que tiene mucho de casualidad, porque Godard quería hacer una película sobre nosotros, filmarnos en el estudio. Quiero decir, no podría pasar ahora, tener a alguien tan interesante como Godard. Y tan malhumorado. Por casualidad estábamos grabando justo esa canción. Podríamos haber estado grabando «My Obsession», pero era «Sympathy for the Devil». Y se convirtió en el tema de la película.

Mick Jagger, 1995

El tema ha estado presente en varios de los discos en directo del grupo, y destaca especialmente la versión incluida en Get Yer Ya-Ya's Out!, grabado en noviembre de 1969. También estaba incluido en el especial para televisión que el grupo preparó para promover el disco, titulado The Rolling Stones Rock and Roll Circus. No obstante, la actuación del conjunto durante la grabación del mismo no convenció a sus integrantes, con lo que el proyecto quedó aparcado y no vería la luz hasta el año 1996.

«Sympathy for the Devil» es una pista distinta a la mayor parte de las composiciones de rock habituales, debido a que su temática no gira alrededor de los problemas sociales o el amor, muy recurrentes en este género. Aunque la composición está firmada por el binomio Jagger/Richards, fue principalmente obra del primero. Mick Jagger canta la letra en primera persona, desempeñando el papel de un Lucifer en apariencia educado, correcto y con buen gusto.

En la época de publicación del álbum, los Stones ya habían desatado críticas a causa de letras sexualmente explícitas, como fue el caso de «Let's Spend the Night Together». También se habían producido las primeras acusaciones de satanismo, debido a que su anterior álbum se titulaba Their Satanic Majesties Request (aunque las letras de sus canciones no contenían referencia satánica alguna). «Sympathy for the Devil» volvió a traer estas críticas a primer plano, desencadenando rumores entre los medios de comunicación y temores entre los grupos religiosos. Estos rumores afirmaban que los miembros del grupo eran adoradores del diablo y que suponían una perversa influencia para los jóvenes. No obstante, debe señalarse que una de las posibles interpretaciones de la letra es que «el diablo» es de hecho un miembro más de la humanidad. Así, en la pieza se relatan algunas de las mayores atrocidades cometidas por los hombres contra sus propios semejantes. Entre ellas se encuentra que estuvo presente en la crucifixión de Jesucristo, en ella no sólo menciona el dolor que experimentó, la tortura del hijo de Dios no se limitó a torturarlo sino que también se aseguró que intervino para que Poncio Pilato sellara su destino.

Michael Jackson - Billie Jean

"Billie Jean" es una canción R&B disco del artista estadounidense Michael Jackson. Fue escrita por Jackson y producida por Quincy Jones para el sexto álbum como solista del cantante, Thriller (1982). 

Obtuvo el número uno durante 76 semanas no consecutivas, de las cuales 9 fueron consecutivas, en Estados Unidos. También fue número 1 en Reino Unido, Australia, Italia, México y España.

Recibió dos premios Grammy en 1984, uno de ellos en la categoría de mejor canción masculina.

La revista Rolling Stone la puso en el puesto 58 de las 500 mejores canciones de la historia. La revista Q Music la colocó en el puesto 16 de las 100 mejores canciones de todos los tiempos y en el primer puesto de las 40 mejores canciones de la década de los años ochenta.

En una lista Top 100 elaborada por VH1 y Entertainment Weekly en el 2000, la actuación de Jackson interpretando "Billie Jean" en el vigésimo quinto aniversario del sello Motown, fue ubicada como el quinto más grande momento de la música rock en televisión. Además en el 2006, el canal VH1 ubicó a "Billie Jean" en el puesto 4 de su lista de las 100 más grandes canciones de los años ochenta.

Jackson declaró en varias ocasiones que "Billie Jean" se basó sobre las groupies que él y sus hermanos se encontraban mientras eran parte de The Jackson 5, "Billie Jean" es una especie de anónimo. Representa un montón de chicas que solían llamarse groupies en los años '60, añadió. Ellas podían esperar detrás de cada puerta, y con cualquier banda que llegara a la ciudad tendrían una relación, y creo que he escrito esto de las experiencia que he tenido con mis hermanos cuando era pequeño. Había un montón de Billie Jeans por ahí. Todas las chicas reclamaban que su hijo estaba relacionado con uno de mis hermanos.

El biógrafo J. Randy Taraborrelli promueve la teoría de que «Billie Jean» fue derivada de una experiencia en la vida personal que el cantante tuvo cerca de 1981. En los documentos llamados "The Magic & The Madness" se habla de una joven que le escribió una carta al cantante informándolo de que era padre de sus gemelos. Jackson, quien habitualmente recibía cartas de este tipo, nunca la conoció y por tanto la ignoró. La misma joven envió más cartas a Jackson, alegando que ella lo amaba y que quería estar con él. Ella también expresó lo feliz que sería si criaran a los niños juntos y le preguntaba cómo podía ignorar a su propia carne y sangre. Las cartas perturbaron tanto a Jackson que sufrió varias pesadillas.

Continuando con las cartas, un día Jackson recibió un paquete que contenía una fotografía de una fan, así como una carta y una pistola. Jackson, horrorizado, leyó que debía acordar un determinado día y hora para suicidarse. Ella haría lo mismo (después de matar a su bebé también) ya que, si no podían estar juntos en esta vida, entonces sería en la otra.

Para consternación de su madre, Jackson tenía la fotografía enmarcada y colgada por encima de la mesa del comedor de su casa. Poco después, los Jacksons descubrieron que la fan había sido enviada a un hospital psiquiátrico. Al terminar se descubre que todo fue un engaño. [cita requerida]

Se tiende a creer que la canción es un tributo a la tenista Billie Jean King, pero el mismo Michael se encargó de afirmar que no tenía nada que ver con este personaje

El videoclip de la canción mostrado en la MTV ayudó a convertirla en un gran éxito. El 25 de marzo de 1983, «Billie Jean» y Jackson alcanzaron a una audiencia incluso superior cuando él debutó con la canción ante una audiencia en directo en el rodaje del tributo especial Motown 25: Yesterday, Today, Forever. Juntándose con los Jackson 5 para una mezcla de sus éxitos, él permanecía en el escenario para una actuación a solas espectacular. Vestido con una chaqueta negra destellante, camisa plateada brillante, pantalones negros apretados y subidos para mostrar los calcetines blancos con lentejuelas y mocasines negros, y un solo guante de lentejuelas, que había comenzado a usar durante los conciertos con los Jacksons en 1979 (en sus actuaciones posteriores cambiaría la camisa plateada por una camiseta blanca y el guante de lentejuelas por un guante con incrustaciones de diamantes, realizando siempre una actuación similar, al principio de la Bad Tour en las actuaciones de «Billie Jean» su chaqueta de lentejuelas tenía un escudo del lado derecho). Jackson señaló el comienzo de su rutina con un movimiento que pasaría a ser una especie de marca registrada suya agachándose y encajando a presión un sombrero fedora negro en su cabeza. Jackson sincronizó sus labios a la canción y la audiencia se levantó a sus pies.

Fue durante esta electrizante actuación cuando Jackson también debutó con un movimiento de danza que él había descubierto de juventudes negras de la ciudad y retocado para su distinción. Acreditado por el bailarín Solid Gold "Cooley Jackson", el "Backslide" recibió un nuevo nombre por los medios después de la interpretación de Jackson: moonwalk. El paso se ha convertido desde entonces en el movimiento representativo de Jackson, y es sinónimo de la canción. Este baile consiste en caminar para atrás de tal forma que parece que uno camina para adelante.

Sobre su emisión el 16 de mayo, más de 47 millones de espectadores fueron testigos de la actuación de Jackson, y el resultado inmediato fueron las ventas sin precedentes de su álbum Thriller, que es el álbum más vendido hasta ahora con más de 109 millones de copias vendidas. El sencillo «Billie Jean» vendió más de 100 millones de copias por todo el mundo y se convirtió en el sencillo más vendido de los lanzados por Jackson y de todos los cantantes del mundo, incluyendo a The Beatles y Elvis Presley.

Mike Oldfield - Tubular Bells

Tubular Bells (en español, "Campanas Tubulares") es el primer disco de estudio del compositor y multi-instrumentista Mike Oldfield, lanzado el 25 de mayo de 1973. Olfield habría compuesto la música teniendo 17 años, siendo ésta resultado de diversos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía un tiempo y que le permitieron desarrollar un abanico de ideas bastante diversas que se plasman en esta pieza musical de dos partes.

Originalmente se trataba de una maqueta que el artista ofreció a diversas discográficas sin que existiera un interés inicial de aquellas por editarlo, entre otras cosas por tratarse de una composición muy extensa y sin letras cantadas, a diferencia de como era tendencia en esa época. Sin embargo Oldfield conoció a Richard Branson, quien poseía unas cuantas tiendas de venta de discos a domicilio y pretendía montar una discográfica, la futura Virgin Records ofreciéndole la posibilidad de publicar su trabajo.

La grabación de Tubular Bells se realizó en The Manor, una mansión-estudio (la primera de Inglaterra), donde las grabaciones se hicieron de manera artesanal. Al tratarse de una larga sinfonía a ser ejecutada con una multitud de instrumentos, prácticamente todos ejecutados por Oldfield, existieron dificultades técnicas para grabar todos a la vez, ya que sólo se disponía de ocho canales para grabar las pistas, teniéndose que recurrir a trucos artesanales como el bloqueo del cabezal de borrado en las grabadoras para poder grabar varios instrumentos.

Tubular Bells fue a la vez el primer lanzamiento discográfico de la Virgin y el disco que logró introducir y consolidar la discográfica, siendo uno de sus discos más vendidos. El disco llegó inmediatamente al número uno de las listas de ventas y permaneció en ella durante varios meses. En los primeros años de salir a la venta se registraron cerca de 16 millones de copias vendidas en todo el mundo, mayormente en Europa, y la crítica alabó la calidad y originalidad de la obra. El éxito de este disco fue tal que fue utilizada parte de la música para ser incluida como banda sonora de la película "El Exorcista", lo cual hizo conocido el disco en todo el mundo.

La música de Tubular Bells se desarrolla a través de diferentes ideas que van evolucionando, concatenando o fusionandose a lo largo del disco, combinando diversos matices e instrumentos musicales, generando un clima diverso en cada sección, desde lo misterioso, épico, triste, alegre o nostálgico, culminando en una alegre y rápida melodía ejecutada en guitarra acústica, la cual es un arreglo de un tema tradicional.

El éxito sorprendente logrado por Tubular Bells hizo millonario a Oldfield a los veinte años, pero también le significó una situación que terminó abrumando al artista, sumado a problemas personales, como la temprana muerte de su madre, que generó en él un inicial rechazo a la sobreexposición en los medios, una actitud que ha sido característica en él desde entonces.

Tubular Bells se compone de dos piezas (Part One, Part Two), en las que son desarrolladas un sinfin de melodías, e introduce ideas tan originales como:

Ausencia de voces: Aunque son utilizadas en coros y acompañamientos en varias ocasiones, en todo en disco, de unos 45 minutos de duración, no existe una sola canción con letra propiamente dicha. Lo más parecido es lo que se ha llamado "El Hombre de las Cavernas" (Ver más abajo).

El maestro de ceremonias: Sin duda una de las parte más originales. Se trata de una voz (Vivian Stanshall) que va nombrando uno a uno los instrumentos que intervienen en el disco, mientras que estos se van oyendo y uniendo a la melodía principal en orden. El último instrumento es muy especial: "plus... Tubular Bells!" Vivian Stanshall era un miembro del famoso grupo cómico-musical inglés The Bonzo Dog Doo-Dah Band, que estaba grabando en los mismos estudios en los que Tubular Bells tomaba forma, y se prestó voluntario a poner su voz en esta parte del disco.

El hombre de las cavernas (The Piltdown Man): Uno de los momentos más "duros" del disco. Tiene una curiosa historia: en un yacimiento arqueológico se encontró la calavera de un humano con la mandíbula de un simio. Aquello significó una gran revolución, y se creó una enorme polémica. Finalmente se descubrió que aquello no había sido más que una estafa. Oldfield hizo su particular visión de cómo imaginó a aquel monstruo rudo e ignorante en esta sección de la cara B del disco, en la que él mismo pone su voz a su particular "hombre de las cavernas".

Sobre el minuto 7:41 de la primera parte se pueden escuchar una especie de murmullos, justo antes de la entrada del contrabajo. No se sabe a quién corresponden las voces, lo que dicen y si fue dejado intencionalmente o no.

Cuando TB fue lanzado al mercado, los discos rock eran fabricados con polímeros reciclados de baja calidad a partir de vinilos reciclados. Solo las obras clásicas eran prensadas en vinilos no reciclados. Esto causó gran disgusto a Oldfield y sus productores, que denunciaban una mala calidad de sonido, y no dudaron en quejarse y exigir una fabricación y material de calidad a Virgin Records. Finalmente, Richard Branson aceptó la fabricación de Tubular Bells en material no reciclado.

La portada de Tubular Bells (hecha por Trevor Key, que también ha trabajado para Peter Gabriel o Phil Collins) está hecha a base de varias fotografías diferentes. En 1973 no se usaban ordenadores, así que el montaje es totalmente artesanal. Las fotografías de la portada y la contraportada fueron hechas en la misma localización. Muy probablemente se trate de las localidades del sur de Inglaterra de Hastings o Eastbourne. Thom Newman sostiene esta teoría, mientras que Mike se inclina a pensar que se trata de Brighton.

La famosa campana tubular representa hoy en día todo un símbolo: es el "símbolo Mike Oldfield". Él mismo lo eligió cuando creó su propia compañía de discos, Oldfield Music LTD. La portada de Tubular Bells ha pasado a la historia de la música, y su nacimiento fue bastante curioso: Oldfield toca este instrumento al final de la primera parte, pero en vez de usar los tradicionales martillos de madera, golpeó las campanas con uno de hierro ("Realmente quería un sonido como de campanario de iglesia, un sonido fuerte, así que decidí usar esos martillos de hierro. Golpeé las campanas después de tomar carrerilla por todo el estudio"). Como era de esperar, las campanas se destruyeron, doblándose sobre sí mismas. Esto le hizo a Mike pensar en una forma para la portada. Fue entonces cuando llamaron a Trevor Key, un fotógrafo especialista en objetos metálicos, quien dio forma final a la famosa campana retorcida de Mike Oldfield.

Se rumorea que en su juventud, Mike consumió drogas alucinógenas durante la composición de Tubular bells, así como otras piezas musicales, esto lo afirman varias personas de su círculo social en la juventud como por ejemplo su novia de por entonces. La droga consumida habría sido el peyote, lo cual habría favorecido positivamente a la composición. Varios críticos musicales han argumentado que los murmullos son fruto de los efectos alucinógenos.

Black - Wonderful Life

Wonderful Life es un single de la banda británica Black, del disco homónimo.

1985 fue un año especialmente melancólico para el cantante de Black, Colin Vearncombe, causando que éste escribiera una canción clave, irónicamente titulada Wonderful Life (traducido: Vida Maravillosa).

La canción fue lanzada en el año 1985 por Ugly Man Records, de manera independiente, y alcanzó el puesto 72 de las listas británicas de mayor éxito.

La canción llamó la atención de la discográfica A&M Records, la cual firmó con Black y su carrera artística despegó. El álbum del mismo nombre, sacado en 1987, cosechó un gran éxito comercial —alcanzando el tercer puesto2 y el single homónimo el octavo puesto3 de las listas británicas—, y entre los críticos musicales. La edición, de agosto de 1987 es la que se conoce hoy y se ha convertido en uno de los temas de referencia de Black.

Este tema ha sido versionado por múltiples artistas, como Ace of Base, Lara Fabian, Tina Cousins, Rosa López, Zucchero.

Corona - Rhythm Of The Night

"The rhythm of the night" es el primer single de la banda de eurodance italiana Corona. 

Fue el primer sencillo de su álbum debut, también llamado The rhythm of the night. La canción fue lanzada por primera vez en 1993, y el 5 de agosto de 1994 fue relanzada en versión remix.

Especialmente dedicado a las pistas de baile, tuvo un gran éxito alcanzando los primeros puestos en varias listas de sencillos en todo el mundo como Israel e Italia. 

También alcanzó el puesto # 11 en el Billboard de Estados Unidos.

Dr. Alban - It's My Life

“It's My Life”es el primer sencillo musical del segundo álbum One Love, lanzado en el año 1992 por el cantante y productor sueco-nigeriano Dr. Alban. Ésta canción es, probablemente, la más famosa y memorable de Dr. Alban.

Fue un éxito en la mayoría de los países europeos, alcanzando el puesto número 1 en Suecia, Holanda, Bélgica, Austria y Alemania,1 además, en Francia logró ganar el primer puesto en los más escuchados en los años 1992 y 1993 luego de que un comercial para higiene personal femenina incluyera en el mismo la canción, lo que renovó nuevamente dicho sencillo.

En un principio se puede apreciar una serie de imágenes tomadas en un callejón oscuro y escuchar de fondo una especie de alarma que se repite constantemente, mostrándonos, con poca luz, a Dr. Alban, luego a una persona que corre por un pasillo a oscuras hacia una ventana muy iluminada y posteriormente a diferentes individuos en tomas separadas, bailando y gateando y finalmente comienza la canción.

Tom Jones - Sex Bomb

“Sex Bomb” es una canción interpretada por el cantante galés Tom Jones que cuenta con la colaboración del productor alemán Mousse T. Fue lanzado el 11 de noviembre de 19991 como uno de los sencillos de su álbum Reload convirtiéndose en uno de los más éxitosos del mismo, llegando al número uno en Francia y Suiza e ingresando en el top 3 de varios países europeos incluyendo Reino Unido, Alemania e Italia.

La remezcla conocida como "Peppermint Disco Mix", realizada por el mismo Mousse T. junto al trío Royal Garden fue una versión muy popular en las pistas de baile, la cual contiene elementos de "All American Girls" de Sister Sledge. Una versión más jazzera títulada "Sexbomb (Swing)" fue incluida en el álbum en solitario de Mousse T., Gourmet De Funk.

La canción ha sido versionada por varios artistas, entre ellos por el cantante alemán Max Raabe en 2006.

Abba – Fernando

Fernando es una canción y un sencillo que publicó el grupo sueco ABBA. Su versión original fue lanzada en el álbum Frida ensam de 1975.

Sólo la canta Frida, porque salió a la venta en su álbum "Frida ensam" (Frida sola). Fue escrita por Benny, Björn y Stig y grabada el 3 de septiembre de 1975, en el Glenstudio en Stocksund. Parte del demo de la canción esta disponible en el ABBA Undeleted, del box set Thank you for the Music. A diferencia de las otras versiones, esta habla de un hombre que acaba de terminar con su pareja, y como sus amigos intentan reanimarlo. Fue lanzada como sencillo en Suecia. Actualmente está disponible en "Arrival Deluxe Edition" como un bonus track.

Al ver el éxito de la canción en Suecia, Björn Ulvaeus tradujo la letra para que ABBA la cantara. Finalmente fue grabada el 3 de septiembre de 1975, en el Glenstudio de Stocksund, llamada primeramente "Tango". La canción habla acerca de la nostalgia que tienen dos soldados de sus días de juventud, en el contexto de la guerra entre México y Estados Unidos de América hacia 1846 y 1847, pues textualmente dice “la terrible noche que cruzamos Río Grande", también conocido como Río Bravo, ambos pueblos en esa guerra cruzaron ese río para reclamar derechos fronterizos. La pista apareció por primera vez en el álbum Greatest Hits Vol. 1 como el track #15; más tarde en el álbum Arrival, se convirtió en el track #11.

"Fernando" se convirtió en uno de los más grandes hits de ABBA, y el mejor comercialmente hablando. Permaneció 14 semanas en el #1 en Australia y se considera el sencillo más vendido en ese país. También alcanzó el número 1 en Alemania, Reino Unido, Irlanda, Francia, Bélgica, Suiza, Holanda, Sudáfrica, México y Nueva Zelanda; llegó al Top Ten en Noruega, España, Suecia, Canadá e Italia, y en Estados Unidos llegó al 13.

Comúnmente era interpretada por el grupo en sus tours de 1977, de 1979 y de 1980.4 Algo curioso es que en Alemania, abajo del título de Fernando venía escrito entre paréntesis (There Was Something In The Air Last Night). Es el único lugar donde "Fernando" tiene un nombre alternativo

El título y ritmo de la canción la hicieron una elección obvia para que ABBA la integrara en su álbum en español. Fue compuesta por Buddy y Mary McCluskey y grabada el 7 de enero de 1980, en los estudios de Polar Music.5 La canción forma parte del disco Gracias por la música como la pista #5, en ABBA Oro como la pista #1 y como Bonus Track del álbum Arrival. La canción fue lanzada como sencillo promocional en España, logrado permanecer en el Top Ten en aquel país.

El vídeo de Fernando fue grabado el 3 de febrero de 1976 en los estudios SVT en Estocolmo. En este, se muestra al grupo alrededor de la fogata, los hombres tocan la guitarra mientras las mujeres cantan; prácticamente es la portada del sencillo. El video fue dirigido por Lasse Hallström.10

Actualmente esta disponible en The Definitive Collection (DVD), The Complete Studio Recordings y en ABBA Gold (DVD).

Guns N' Roses - Don't Cry

"Don't Cry" es una canción de la banda de hard rock Guns N' Roses.

Existen dos versiones de la canción: una con la letra original, que se encuentra en el disco Use Your Illusion I, siendo la cuarta de este CD y otra con una letra alternativa a la original, la cual se encuentra en el disco Use Your Illusion II siendo en este CD la décimotercera pista.

La diferencia entre una y otra versión está en las pistas vocales de Axl Rose, el resto de la canción (solo de guitarra, velocidad, coro...) es exactamente igual en ambas versiones.

Una tercera versión de esta canción fue grabada en 1986 durante las sesiones de grabación de Appetite for Destruction.

La canción presenta a Shannon Hoon (vocalista del grupo Blind Melon), quien creció en el mismo lugar que Rose (Indiana) en los coros de fondo. También aparece en el vídeo de la canción.

Considerado como una parte de los dos discos, "Don't Cry" fue el primer corte escrito por Guns N' Roses, según el cantante Axl Rose, junto con "Estranged" y "November Rain", hicieron una historia compleja inspirada en la historia de Del James "Without You".

Axl afirma que la canción trata sobre una chica con la cual Izzy Stradlin solía salir, la misma mujer que una noche estando Axl sentado y llorando afuera de The Roxy ella despidiéndose le dijo "No llores". Axl e Izzy la noche siguiente escribieron la canción en cinco minutos. Fue la primera canción escrita para Guns N´ Roses por Axl e Izzy.

El video de esta canción, como muchos vídeos del álbum de los Illusions, era mucho más cinematográfico que su anterior trabajo, y trata sobre los avatares del protagonista con su mujer y con la batalla interna de sus emociones. Aunque es un radical giro de lo que los fans están acostumbrados, es aun así visto como uno de los mejores vídeos de la banda producidos en su corto periodo unidos.

El guitarrista Izzy Stradlin, quien es uno de los co-autores de la canción, no aparece en el video, pero el bajista Duff McKagan puede ser visto con una nota escrita a mano en su espalda que dice "Where's Izzy" (minuto 1:13 del video), y sale durante todo el video mirando hacia los parlantes y no se le puede ver la cara, Axl puede ser visto muy a menudo, y sobre el mismo momento del vídeo, llevando una gorra de los St. Louis Cardinal, equipo de béisbol. Esto puede ser una referencia al infame incidente de 1991 en el cual Rose se lanzó a la multitud de St. Louis en mitad la canción Rocket queen después de que un hombre con una vídeo cámara les estuviera grabando. Además durante las escenas del edificio, Axl lleva puesta una playera con la portada del álbum Ritual de lo habitual de la banda Jane's Addiction. También se le puede apreciar que Axl usa una playera de los Red Hot Chili Peppers y una gorra azul de Nirvana al lado izquierdo de Axl en el minuto 3:46 del vídeo. También podemos ver al final del vídeo que hay una nota diciendo hay mucho por hacer. Algunos dicen que es porque Izzy Stradlin se fue de la banda y todavía faltaba mucha historia que en parte seria "November Rain" y "Estranged" que esta en el minuto 5:02.

Gloria Gaynor - I Will Survive

«I Will Survive» —en español: «Sobreviviré»— es una canción disco originalmente interpretada por la cantante estadounidense Gloria Gaynor, lanzada en 1978. Fue escrita por Freddie Perren y Dino Fekaris.

La letra de esta canción describe en primera persona cómo alguien encuentra fuerza personal mientras se recupera de una separación. Ha sido muy utilizada como himno de la liberación femenina e himno gay.

Es una canción que, como Gloria Gaynor, es un símbolo de la música disco, llegando como Nº1 al Billboard Hot 100.

La canción también fue grabada en español por la misma Gloria Gaynor, siendo la pionera en grabar una de sus canciones en la lengua castellana, lo que luego motivó al grupo ABBA para grabar temas suyos en español.

Recibió un Grammy por la mejor grabación en el año 1980, el único año en el cual se entregaron premios Grammy a la música disco.

Desde su lanzamiento en 1978, ha sido versionada por numerosos artistas tales como Diana Ross, Shirley Bassey, Billie Jo Spears, Melanie, Antony and the Johnsons, Doris Dragović, The Puppini Sisters, el actor de voz Cam Clarke, entre muchos otros.

En 1979, la cantante chilena Anamía, en su LP Fiebre Latina grabó, entre tantas otras, la primera versión hispana de esta canción. Luego, fue secundada por el grupo Banda Show en 1989, cuando ésta la interpretó en ritmo merengue y finalmente, entrado el nuevo milenio, Celia Cruz innova la versión original cantándola con ritmo de salsa, titulada "Yo viviré".

En 1994 el grupo holandés Hermes House Band saltó a la fama con una versión de la canción, llegandó al número 1 en la lista de sencillos de los Países Bajos y vendiendo más de 2,5 millones de discos.20 En 1998 recibió el disco de platino en Francia.

En 1995 la cantante estadounidense Selena abrió su último concierto interpretando esta canción junto con otros clásicos de la era Disco como Last Dance, The Hustle, Funky Town y On The Radio. Selena fue asesinada tan solo 1 mes después de este concierto a manos de la presidenta de su club de fans.

En 1998 la cantante mexicana Priscila Camacho del grupo Priscila y Sus Balas de Plata grabó también su propia versión en español,esta versión fue incluida en su disco "Todo por ti" el cual se considera como su disco más exitoso.

En 1996, la banda estadounidense de rock alternativo Cake realizó su versión en su álbum Fashion Nugget. Fue lanzado como sencillo en 1997 y logró alcanzar el número 29 en la lista de sencillos del Reino Unido, la ubicación número 28 en el Modern Rock Tracks de la Billboard23 e ingresó en varias listas europeas, como así también en Australia y Nueva Zelanda.

Además de varios cambios sútiles, el cantante de la banda, John McCrea, realizó varias modificaciones en las letras la cual alteró significativamente el contenido original de la misma. No cayó bien ésta versión en la propia Gaynor debido al uso de palabras ofensivas.

También en 1996, la cantante de R&B Chantay Savage realizó su versión en formato balada. Esta versión obtuvo el número 12 en el Reino Unido26 y el número 24 en el Billboard Hot 10027 de los Estados Unidos, donde también recibió el disco de oro.

En 2009, The Pussycat Dolls utilizó el sample de "I Will Survive" en su sencillo "Hush Hush; Hush Hush".

Duran Duran - Come Undone

"Come Undone" —en español: «Desencadenado»— es el vigécimoctavo sencillo de la banda británica de new wave Duran Duran. Fue lanzado en marzo de 1993 como el segundo single del álbum Duran Duran (The Wedding Album).

Con su éxito comercial y de crítica restablecido por el anterior single "Ordinary World", "Come Undone", continuó para mostrar más de la entrada de la banda en el genero adulto contemporáneo. El single resultó ser segundo consecutivo EE.UU. top ten hit del grupo del álbum de Wedding. También fue popular en los otros mercados de Reino Unido e internacionales.

El Guitarrista del grupo en ese momento, Warren Cuccurullo, se atribuye el desarrollo de la instrumentación de "Come Undone", lo más importante de su gancho de guitarra, que él desarrolló mientras trataba de hacer una re-interpretación de "First Impression" de su álbum de 1990 Liberty. En 2005, Cuccurullo reveló al autor Steve Malins que él y Nick Rhodes había previsto inicialmente en el uso de la canción para un proyecto fuera de Duran Duran con Gavin Rossdale, pero había cambiado de planes cuando el cantante Simon Le Bon se aficionó a la música y comenzó a escribir letras sobre el terreno.

Rhodes se explayó sobre la creación de la canción en el álbum 20 aniversario en 2013. "Fue algo que Warren y yo empezamos a escribir junto con algunas otras cosas que habíamos estado jugando alrededor con y Simon llegó y se enteró de lo que estábamos haciendo. Él dijo: "Wow, me encanta eso! 'Y así se convirtió en una canción de Duran Duran'. La canción fue incluida como una adición de último minuto de su álbum homónimo en 1993, con las letras están escritas por Le Bon como un regalo para su esposa, Yasmin.

El bajista del grupo John Taylor, en realidad no tocar el bajo en esta pista, aunque lo hace en el video musical. Tanto Nick Rhodes como John Jones aportaron un bajo sintetizado en la pista durante su ausencia. Tessa Niles fue acreditado con coros. La canción contiene una muestra de la canción de The Soul Searchers' "Ashley's Roachclip".

El video musical de "Come Undone" fue dirigido por Julien Temple. Las tomas de la banda fueron filmadas en el Acuario de Londres, que fueron intercalados con viñetas breves de personas "Coming Undone" de varias maneras. Estas viñetas son una niña que ve a sus padres juntos, una pareja de ancianos que han sobrevivido a una inundación, un alcohólico y un hombre que resulta ser un travesti. También se ve en el video es una mujer que lucha bajo el agua para liberarse de las cadenas que la atan.

Una parte del video musical se puede ver en el episodio "No Laughing" del show de MTV Beavis and Butt-head, que se emitió en julio de 1993.