The Doors – Riders On The Storm

"Riders on the Storm" es una canción del grupo estadounidense The Doors. Esta experimentación musical, compuesta por los cuatro integrantes, de la banda fue publicada como single en diciembre de 1970 para promocionar el disco L.A. Woman de 1971.

Esta gran canción, que segun el guitarrista Robby Krieger está inspirada en el clásico de la música country "(Ghost) Riders in the Sky: A Cowboy Legend", fue grabada en el estudio Doors Workshop en diciembre de 1970 con la ayuda del ingeniero Bruce Botnick, que durante mucho tiempo fue el co-producción de sesiones de grabación de estos cuatro chicos de Los Angeles, California.

La pista incorpora efectos de sonido reales de truenos y lluvia hechos con el piano electronico Fender Rhodes de Ray Manzarek. Por otra parte, Jim Morrison grabó la voz principal y luego agregó algunos susurrós sobre la letra para crear ese efecto inquietante que da un tono misterioso a la canciòn, que ademas seria la ultima grabacion que haria el denominado The Lizard King con The Doors.

Existen tres teorias sobre la inspiración de la temática lírica de esta canción. Algunos dicen que está basada en el sádico Billy Cook que fue condenado a la camra de gas, quien mató a una familia en Illinois, luego de ese trágico acto, en la carretera hizo parar a un auto y mató a la familia que le recogió (muchos dicen que esto se debe por la frase There's a killer on the road...).

Además hay un dato que le dá mas peso a esta teoria y es que Morrison escribió un guión teatral llamado "The Hitchhiker", donde el personaje principal, de nombre Billy, mientras camina por una autopista asesina a un hombre, un alguacil, y una familia completa .

La segunda tesís es que, según una leyenda urbana, esta canción tiene relación con un trágico accidente causado por un vehículo que conducia a alta velocidad y que, al chocar con un camion, mató a varios indios de la tribu Navajos (la tribu mas numerosa de E.E.U.U) que venian en el interior.

La ultima idea sobre la temática de esta canción, es aquella que dice que la bada quería hacer una versión alternativa de un famoso poema surrealista francés de 1930, titulado Chevaliers de l'Ouragan (en español "Jinetes del huracán") escrito por Louis Aragon.

La canción fue un gran éxito para esta famosa banda de rock, ya que alcanzó el puesto #14 en el Billboard Hot 100 estadounidense, el #22 en las listas de singles del Reino Unido, y el número séptimo puesto en Holanda.

Ringo Starr – Photograph

"Photograph" es una canción del que fuera baterista de The Beatles, el famoso Ringo Starr.

Esta canción, además contó con la participación de George Harrison, que ayudó en la composición y en la grabación de coros y guitarras en esta aclamada canción.

Starr decidió lanzar el single un 5 de octubre 1973, alcanzando rapidamente el octavo puesto en los rankings británicos hasta alcanzar el número uno en el Reino Unido y EE.UU. con lo cual este baterista y actor britanico (?) volvía a acariciar la fama tal como ya lo habia hecho en su época Beatle.

La canción tambien forma parte del repertorio del famoso disco "Ringo" (para muchos el mejor disco que ha hecho este baterista en su etapa solista y que fue publicado en 1973) que tuvo, ademas de la ayuda de Harrison, a Paul McCartney y John Lennon colaborando en algunas canciones (aunque en ninguna trabajaron juntos) y debido a esto muchos pensaron que los fab-four se volvían a juntar para hacer de las suyas.

En "Photograph", Ringo Starr hace la voz principal y se hace cargo de tocar la batería, mientras que Harrison se encarga de tocar las guitarras acústicas (de 12 cuerdas) y cantar en los coros. Además cuenta con Jim Keltner ( en batería), Klaus Voormann (en el bajo), Nicky Hopkins (en el piano), Vini Poncia (en guitarra acústica ), Jimmy Calvert (guitarra acústica), Lon y Derek Van Eaton (en la percusión) y Bobby Keyes (que interpreta un solo de saxofón tenor). Los delicados arreglos orquestales que se pueden escuchar en la grabación fueron hechos por Jack Nitzsche.

Existe un videoclip, que fue hecho para promocionar el single, y que muestra a Ringo caminando alrededor de su nueva casa que se habia comprado en esos días, que estaba ubicada en Tittenhurst Park, la que antes había sido el hogar de John Lennon y Yoko Ono.

Un 29 de noviembre del año 2002, Starr interpretó "Photograph" en el Concert for George, que fue un espectaculo hecho en el Royal Albert Hall de Londres para homenajear a Harrison a un año de su muerte. Sobre esta interpretación, la pagina web oficial de George Harrison mencionó: "Ringo Starr nos sacó a todos unas lágrimas de los ojos con esa canción que compuso junto a George, la que parecía resumir todo ese extraño sentimiento que rodeaba el máginifico espectaculo".

En este concierto, Starr dijo que esta cancipon tuvo un nuevo significado tras la muerte de George, ya que la letra calzaba justo con todo ese dolor que dejó su partida para todos los que vivieron cerca de él. Especialmente en la parte donde dice: Every time I see your face/ It reminds me of the places we used to go/ But all I've got is a photograph,/And I realise you're not coming back anymore (en español: Todo el tiempo tiempo veo su cara/recuerdo esos lugares donde íbamos/Pero lo unico que tengo es una fotografía/ y me doy cuenta de que nunca volveras).

Una canción soberbia, de arreglos muy llamativos y con Starr mostrando otra vez sus dotes de cantante (en The Beatles tambien cantó por lo menos una canción por disco), que pese a no tener una gran voz, se la cree y saca canciones alegres con una simpleza majestuosa.

Los Bravos – Black Is Black

"Black is Black" es una canción de la banda española Los Bravos. Esta canción es el primer single que lanzó este grupo "soft rock" en 1966 para Decca Records bajo la producción de Ivor Raymonde.

La canción fue el primer paso de la agrupación para conquistar el mercado europeo con un track cantado completamente en ingles para lograr mas difusión, especialmente en Inglaterra, donde estaba la cuna del pop sesentero por aquella época.

 Para ello cuatro ex-Sonors, el bajista Miguel Vicens Danus, el guitarrista Tony Martínez, el tecladista Manuel Fernández y el baterista Pablo Sanllehí decidierón reclutar a sus filas a un cantante de orígen alemán, que tenía una tonalidad vocal muy parecida al fenomenal cantante Gene Pitney, cuyo nombre era Michael Kögel y que luego en su carrera solista se hizo llamar Mike Kennedy.

Luego de tener lista la formación y firmar un contrato con la discográfica Decca Records, la banda tomó sus maletas y partió a trabajar sus canciones a Inglaterra donde se dieron el lujo de contar con la ayuda del productor Ivor Raymonde que ademas hacía de, arreglador, director y compositor de varias canciones que fueron éxito en el Reino Unido por artistas como Marty Wilde, Billy Fury y Dave Berry.

De esta estadía en tierras británicas, surgió la grabación de Black is Black, una canción sencilla, basada en los ritmos "pop" que comunmente sacaban las bandas europeas, pero que tuvo ese ingrediente especial por ser cantada e interpretada por una banda española y muchas personas no lo sabían creyendo que esta melodía pertenecía a otra banda britanica que apareció por ahí.

Pero esta canción tambien tiene su polemica ya que, según parece, solo la voz de Mike Kogel y los coros son originales de la banda. De acuerdo con lo que se menciona en los libros de Ángel Casas (45 revoluciones en España) y José Ramón Pardo (Historia del pop español), ademas de algunas declaraciones de los miembros de la banda, Los Bravos no tocaron esta canción en el estudio cuando fue grabada, siendo reemplazados por músicos contratados por el sello y los únicos que participaron fueron Mike en voz y los coros hechos por Toni y Miguel. La razón del por qué se tomó esa decisión en los estudios de grabación se debió que debían acatar las condiciones impuestas por todos los Sindicatos de Músicos de aquella época en Londres, cuyo fin era generar empleos seguros a todo aquel ingles que tomara como trabajo hacer y crear música.

Incluso, el periodista español Ángel Casas dió mas detalles sobre esa situación, añadiendo que entre los músicos contratados por el sello para tocar en la canción se encontraba un joven guitarrista de sesión llamado Jimmy Page, que despues saltaría a la fama tocando su guitarra y escribiendo temones en Led Zeppelin. Aunque esto no ha sido confirmado ni desmentido por ningun miembro de Los Bravos.

Sobre este acontecimiento, y al ser consultado en un entrevista con el diario El Pais, Jimmy Page mencionó algo disgustado por recordarle su trabajo como músico de estudio: "¿Que si toqué en el Black is Black, de Los Bravos? No me suena. De todas formas, yo no quisiera que se me recordara por un trabajo tan poco estimulante como ese. Tocar en el estudio era como fichar en una oficina. De las nueve a las doce, con una cantante. De la una a las tres, con un grupo. Por la tarde, con una orquesta. Muchas veces, ni sabíamos el nombre de la canción... ¡o del artista!". Con lo cual queda mucha duda si Jimmy participó en esta famosa canción dejandose solo como una leyenda urbana qe gira en torno a la canción.

Al ser lanzado el single, en agosto de 1966, la canción debutó en el puesto número 100 del Billboard Hot 100 Singles Chart en EE.UU. y en octubre ya estaba ubicada en el cuarto puesto de dicha lista para luego caer al casillero #12. En Canadá la canción fue todo un éxito liderando el famoso Canadian Singles Chart y llegó a colocarse ne el segundo puesto en el Reino Unido. Mientras que en su país, la banda llegó a vender cerca de dos millones de copias, siendo un todo clasico del rock español y de la frenética decada de los 60's . Además, Los Bravos tienen el honor de ser la primera banda española en lograr fama y tener un éxito musical fuera de su país.

Iron Maiden – Run To The Hills

"Run to The Hills" es una canción de la emblemática banda de Heavy Metal británica Iron Maiden. Pertenece al tercer álbum titulado The Number of the Beast, disco que al ser publicado en marzo de 1982 llegó al número uno en ventas en el Reino Unido y fue el puntapié inicial para la fama de esta banda oriunda de Londres. 

Además fue el primer sencillo de la banda (lanzado un 12 de febrero de 1982) con el "aviador" Bruce Dickinson en voz principal que le dió un toque mas "operistico" a una de la bandas, por ese entonces, mas prometedoras en el Heavy metal.

Esta canción, escrita por el bajista Steve Harris, trata el tema de la conquista de los indígenas norteamericanos por parte de los ingleses y ha sido considerada como una canción educativa. Se refieren a la llegada de los europeos al "Nuevo Mundo" y la opresión de estos soldados hacía los indigenas.

La letra de esta pieza musical tiene la siguiente estructura: La primera estrofa se refiere al punto de vista de los nativos con respecto a los acontecimientos donde eran partícipes, la segunda parte es una descripción de los anglosajones sobre los nativos y la ultima parte es una narración de los echos en tercera persona.

Pero la polémica surgió por la caratula del single, hecha por Derek Riggs, donde se muestra a un nativo americano luchando a "hachazo limpio" con un demonio en pleno infierno, la imagen fue interpretada por muchos criticos como un mensaje de que los "blancos" eran unos demonios imperialistas.

En la parte musical, Harris mencionó en una entrevista: "Mi idea era conseguir la sensación musical de una caballo galopando. Al parecer resultó, porque cuando la tocamos en vivo siempre somos cuidadosos de no dejar escapar el ritmo... es muy complicada!!".

Run to The Hills trajo otro sonido para el rock, nos regala unos legendarios "solos" de guitarra y su popularidad llamó la atención de todo el mundo, especialmente de los fanaticos religiosos que empezaron a tachar a la banda de "satanica" simplemente por tocar un rock con guiños de opera.

Sea como sea esta canción es una de las mas representativas de la carrera musical de esta gloriosa banda metalera.

 

The Police - De Do Do Do, De Da Da Da

"De Do Do Do, De Da Da Da" es una canción de la banda inglesa The Police. Publicada dentro del tercer disco titulado Zenyatta Mondatta y lanzada como single en Octubre de 1980. 

Es una de las canciones mas reconocidas de esta agrupación, siendo considerada entre las melodias clásicas de su repertorio ampliamente conocido en el mundo entero.

La canción tiene su inspiración en la idea del vocalista Sting en hacer una canción simple, con una letra sin sentido y un titulo rayando en lo absurdo, lo cual siempre se convierte en un exito entre la gente.

En una entrevista para la Rolling Stone en 1988, Sting menciona: " Estaba tratando de entender el por qué todo lo simple puede ser tan poderoso y exitoso. Por ejemplo, esas canciones como 'Da Doo Ron Ron' y 'Do Wah Diddy Diddy' siempre fueron de mis favoritas pero con el paso de los años al escucharlas me doy cuenta que eran casi para juegos infantiles . En esta canción traté de abordar eso, deque nadie escuche la letra.y simplemente cantar el coro".

Esta "jugarreta" de Sting, terminó siendo una canción exitosa para la banda, debido a su simpleza musical y lirica, donde el coro marca el protagonismo escencial dentro del tema por su simpleza. Pero la letra no era tan absurda como parece...

Pero, a pesar de que el single fue todo éxito en ventas, Sting siempre se quejó que la gente no escuchaba la letra de esta canción y que solo se encargaba de repetir el coro.

La letra tiene un contenido critico hacia los politicos, que simplemente "vendian" un discurso lleno de palabras simples y sin sentido. "Una canción articulada dedicada a la gente inarticulada" diría Sting en una ocasión.

Dado el enojo de Sting hacia los fans porque no le tomaban el peso a la letra de esta canción (algunos incluso la mal interpretaban), en 1986 cuando la banda se juntó para hacer nuevas versiones de sus antiguos éxitos, Sting hizo un remix de la canción donde recalcaba de manera mas clara la letra de la canción. Pero, al ver que la nueva versión era muy deficiente en calidad, decidieron grabar una versión "remixada" del temazo "Don't Stand So Close To Me."

De Do do do, De da da da llegó a los primeros lugares en las listas americanas y britanocas. En Inglaterra, esta canción ocupó el quinto lugar del UK Singles t en Estados Unidos llegó al puesto #10 del Billboard Hot 100.

Eric Clapton – Wonderful Tonight

"Wonderful Tonight "es una canción del famoso músico íngles Eric Clapton. Pertenece al disco Slowhand de 1977, que es uno de los mejores discos de este gran guitarrista, donde resaltan varias canciones que ya son tachadas de clásicas, como esta que analizaremos hoy.

El single de esta delicada balada fue lanzado recien en 1978 y fue un gran éxito en ventas, ayudando aún más a la popularidad del impresionante disco.

Esta balada es de las mejores composiciones de Clapton en su etapa setentera. La inspiración y dedicación de esta romantica pieza fue para Pattie Boyd, quien era su novia por ese entonces. Como ya hablamos meses atrás en el analisis del temazo titulado "Layla", Boyd era novia de George Harrison hasta que conoció al mejor amigo del ex-Beatle y decidió irse por el fácil y peligroso camino de la infidelidad y los engaños en una relación amorosa marcada por la lucha de egos entre esos dos pesos pesados del rock que le dedicaron grandes canciones a la figura de esta hermosa pero "pilla" joven. 

Ejemplos claros fueron Something y "For Your Blue" de Harrison, mientras que Clapton le regaló los versos de "Layla" y "Wonderfull Tonight" . Todo esto fue corroborado años despues en el libro autobiográfico de Pattie Boyd titulado Wonderful Tonight: George Harrison, Eric Clapton, and Me.

Pero volvamos a la canción. "Wonderful Tonight" fue escrita en 1976 por Clapton mientras esperaba impaciente que Patti Boyd se arreglara y maquillara para asistir a un tributo de Buddy Holly donde Clapton compartiría escenario junto a Paul McCartney.

En una entrevista con el periodico The Guardian en 2008, Pattie Boyd recordó que Clapton "estaba sentado a mi lado tocando su guitarra, mientras yo trataba de elegir un vestido para llevar al show. Al parecer ya llevaba harto rato en eso, mas encima no estaba a gusto de mi peinado, mi ropa, todo, asi que en ese rato Eric me grita "¡Escucha esto!" y empezó a tocar los acordes de esta canción que la habia compuesto mientras yo me arreglaba..."

Musicalmente es una canción notable, llena de magia en los riffs de guitarra y con un sonido blues muy delicado y cuidado casi a la perfección. Además Clapton se dió el lujo de colocar algo mas "pop" en esta canción y eso le jugó a favor, ya que se estaba desligando un poco del rock sesentero del cual fue protagonista principal y pudo dar cuenta a su publico que tambien estaba para sonidos actuales en sus discos y eso se nota en sus posteriores publicaciones discograficas.

Albert Hammond - It Never Rains in Southern California

"It Never Rains in Southern California" es una canción del cantante británico Albert Hammond. Esta canción escrita junto a Mike Hazlewood fue publicada como single el 21 de Octubre de 1972 siendo el primer gran éxito de este musico nacido en Londres.

La letra de esta canción que se refiere a las aventuras de un cantante que se muda a California para conseguir fama en Hollywood, pero no tiene el éxito buscado y todo su proyecto de vida se cae a pedazos.

Sobre el origen de esta preciosa canción, su interprete confesó en una entrevista que es autobiografica: "Es verdad eso de que nunca llueve ahí ... pero realmente fue escrita en Londres, mientras viajabamos junto a Mike (Hazlewood) rumbo a Los Angeles donde sabiamos que teniamos que hacer. 

Mientras viajamos le conté a Mike sobre mi estadía en España cuando era joven, donde empecé de cero, pidiendo monedas en las estaciones de trenes para poder comer ya que no me gustaba causarle problemas a mis padres. Una vez divisé a un primo que estaba en luna de miel por el país y antes de que parta su tren me fue a saludar y al verme me dijo: "¡Debería darte vergüenza esto que haces, voy a decirle a tus padres," y yo le dije "por favor, no le digas , él se va a volver loco y quizás me encierre! ". 

Entonces canceló su viaje y me llevó al hotel donde estaba hospedado, me dí un baño, me regaló ropa limpia y algo de dinero. Esas cosas le estaba contando a Mike y de eso saqué la idea de la canción, de esa lucha por tener fama, tratando de mostrar mis canciones en cada viaje, de Marruecos a España, de España a Inglaterra, de Inglaterra a los Estados Unidos... todo eso marcó mi vida y esta canción es la historia de mi vida".

Para Hammond esta es una de sus canciones mas importantes, no solo po ser el autor y porque cuente su historia de vida, sino que además el fue el productor, el interprete y el autor. "Para mí es una canción perfecta, todo el trabajo que hay detrás fue perfecto!!" agregó Hammond en una entrevista.

Esta es una de las canciones mas reconocidas de Albert Hammond, gracias a esa letra y sonido nostalgico que la hace una canción especial y que ha traspasado decadas quedanto como un clásico de los setentas.

La canción fue un hit por todo el mundo, llegando al quinto lugar del aclamado Billboard Hot 100 en 1972 y a los primeros puestos en Japon, Suiza y Noruega.

Herman's Hermits - No Milk Today

"No Milk Today" es una canción de la banda oriunda de Manchester Herman's Hermits. Esta magnifica "rola" fue escrita por el famoso compositor Graham Gouldman, quien ya había escrito exitos para otras bandas sesenteras britanicas como The Hollies (Bus Stop) y The Yardbirds (For your Love).

En Octubre de 1966 estos cinco ingleses lanzaron el single con esta canción, y como lado B la roquera "My Reservation's Been Confirmed" obteniendo gran fama en las radioemisoras de su pais. Esta canción forma parte del disco There's a Kind of Hush All Over the World que fue publicado en febrero de 1967.

Se dice que el éxito que tuvo esta canción y la banda en Norteamerica se debió a que el publico estadounidense se habia aburrido e indignado de la Beatlemania debido a las declaraciones de John Lennon sobre que los Beatles eran más populares que Jesús, esto ha sido confirmado por muchos criticos y analistas musicales en diversas entrevistas y especiales musicales.

La importancia de esta canción, era que fue grabada junto a una orquesta en el estudio, siendo pionera en su estilo pop en usar violines y cellos en la grabación.

La letra tiene tintes reflexivos sobre el amor y la soledad, que van de la mano con un estribillo optimista que dice que hay que volver a casa y empezar nuevamente luego de perder un amor.

Sobre esta canción, la revista Stylus, en junio de 2006, señaló sobre esta canción " Es de las canciones con una de las estructuras mas compactas de su época. Es poco probable que el oyente se dé cuenta pero la melodía es muy lista y tiene muchos trucos de producción. Si usted es fanático de "No Milk Today" puede que se sorprenda al saber que tiene solo 16 compases!!"

Peter Noone, vocalista de los Herman's Hermits, ha señalado que "No Milk Today" es una de las mejores canciones que han grabado, ya que captura en su musica el momento que se vivia en ese entonces por Manchester. Además en las sesiones de grabación se dedicaron a reclutar a los mejores musicos de sesión de Inglaterra para grabar sus canciones, con el fin de llegar mas lejos y mantenerce al día en esta invasión rockera britanica que apareció a mitad de los sesentas.

Pero Noone tambien regaló un buen dato sobre unos de los músicos invitados a grabar esta canción en una entrevista con la revista Forgotten Hits, donde mencionó que el bajo fue grabado por John Paul Jones, quien por ese entonces antes de ser parte de Led Zeppelin, era musico de sesión y era fanatico de esta canción considerandola como una de las mejores de Graham Gouldman.

Debido al éxito que alcanzó esta canción ( el puesto #7 en el Reino Unido y el #35 en Estados Unidos) Gouldman decidió grabarla en 1968 como single para promocionar su álbum debut llamado The Thing Gouldman Graham donde incluia sus versiones de las canciones que habia escrito para diversos artistas bajo la producción de Peter Noone y John Paul Jones.

Debido a su relación con la leche, la canción ha sido utilizada por varias marcas de productos lacteos y campañas para promocionar su consumo que hace muy bien para la salud. Por ejemplo este año fue utilizada en Noruega para la campaña de la leche hecha por la marca Tine . También fue usada en los noventas para un comercial de la empresa de leche neerlandesa Coberco.

James Brown - Get Up (I Feel Like Being A ) Sex Machine

"Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine" es una canción del "padrino del Soul" James Brown. Esta famosa canción, publicada como single en julio de 1970, es una de las canciones mas reconocidas de este gran cantante estadounidense que le cambió el sonido al soul.

Esta canción (tambien conocida simplemente como Sex Machine), escrita por el mismo James Brown junto a Bobby Byrd y Ron Lenhoff, es una de las primeras canciones grabadas junto a la banda The JB's, con quienes ahondó más en las exploraciones rítmicas y sonoras, poniendo aún más acento en el primero de 4 compases (la formula funky por excelencia denominada The One).

El cambio de músicos fue un paso fundamental para que Brown empezara a experimentar otros sonidos para el soul. Por ejemplo, en esta canción dejó de lado el papel protagonista de los instrumentos de vientos, por un rato, para hacer una canción basadas en los acordes pegajosos y agresivos de la bateria, bajo y guitarra.

Ese riff repetitivo de la parte centar de la canción fue ideado por los hermanos Bootsy Collins (bajo) y Catfish (guitarra) inspirados en hace runa canción básica pero de resultados interesantes para la época.

Además, en esta canción, se destaca el entretenido y potente juego vocal entre Brown y el corista Bobby Byrd (que se dedica a gritar los "Get on up") quienes interactuan de manera notable mientras cantan el tema que contiene una letra simple y bastante armónica con muchos puentes espciales para improvisar, logrando una sensación de canción "ardiente" (?) llena de magia funk.

La canción e su versión single, fue todo un éxito en ventas y llegó a los primeros lugares de las listas norteamericanas.

Luego de eso, Brown lanza un nuevo single de esta canción pero en una versión "en vivo" para promocionar su disco "Sex Machine" grabado en el Bell Auditorium de Augusta. Esta versión dura cerca de 11 minutos y es una explosión de funk marcada por improvisaciones vocales e instrumentales impresionantes y agresivas.

En 2004, "Sex Machine" fue rankeada número 326 en la lista de la revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Sex Pistols – Holidays In The Sun

"Holidays in the Sun" es una canción de la banda de punk británica Sex Pistols. Lanzado como single un 14 de Octubre de 1977, esta canción se convirtió en una de las emblematicas composiciones de esta influyente banda de rock.

Con esta canción se inica el aclamado disco Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols, que fue el único que sacó la banda de Rotten, Vicious, Cook y Jones.

La temática de la canción fue inspirada por un mítico viaje que hizo la banda a la isla de Jersey, sobre dicha inspiración, el vocalista Johnny Rotten mencionaría: "Intentamos ir a pasar nuestras vacaciones en la Isla de Jersey, la idea era tomar sol, pero no funcionó la idea debido a que nos echaron por nuestro mal comportamiento, asi que empacamos y nos fuimos a Berlín. La gente siempre dice que Berlin es una ciudad "lluviosa y deprimente" pero nosotros estabamos felices de salir de Londres". 

Luego Rotten menciona: "Estando en Londres, nos sentiamos como si estuviéramos atrapados en un ambiente de campo de concentración. Había mucho odio y amenazas constantes de violencia en las calles. Lo mejor que podíamos hacer era ir instalados en otro lugar para cambair de aire . Para ello, Berlín y su decadencia era una buena idea. La canción surgió de eso, de lo máginifco que lo pasamos en Berlín. Ver el Muro y toda la locura que habia ahí, donde en la parte occidental se vivia un ambiente de fiesta, mientras los comunistas ni dormian pensando que ocurría en la parte Occidental".

El gancho principal de esta canción es su estructura musical simple, que tiene una linea de bajo muy influenciada por la canción de The Jam "In the City", que fue lanzada al publico meses antes que esta canción, específicamente en abril de 1977.

A pesar que ambas bandas habian compartido, de manera muy amistosa, escenario en Queensway Hall en la localidad de Dunstable, el 21 de octubre de 1976. 

Luego de esta canción las relaciones entre los musicos fueron muy tensas, ya que el bajista de The Jam, Bruce Foxton, se dió cuenta que los Sex Pistols le habian "plagiado" el riff de guitarra y lo interpretaron en el tema "Holidays in the Sun". Incluso, Foxton y, el bajista de los Sex Pistols, Sid Vicious llegaron a los "combos" en alguna ocasión por culpa de este riff de guitarra, donde el ganador de esa mitica pelea fue... Foxton.

Esta canción fue el ultimo single que lanzó la banda británica antes de disolverse por causas internas entre sus integrantes y completar un corto, pero fructifero camino artistico que les dió un espacio en la historia del rock...

Roy Orbison - Only The Lonely (Know How I Feel)

"Only the Lonely (Know How I Feel)" es una canción del cantante y compositor estadounidense Roy Orbison.

Escrita por Orbison y, el tambien cantante, Joe Melson, esta canción fue el primer gran exito que tuvo este influyente músico, con la cual llegó a la fama internacional gracias a las buenas posiciones en los charts norteamericanos.

La canción fue publicada en Mayo de 1960 y aparece en el disco Lonely and Blue, que Roy Orbison lanzó en Septiembre de 1960.

La idea original que tenía Roy Orbison, al escribir esta canción, era ofrecercela a Elvis Presley o The Everly Brothers, para que estos la interpretaran y lograran algun éxito con sus derechos de autor. Pero fueron los dos integrantes de The Everly Brothers que le dijeron a Orbison que seria mucho mejor que la interpretara él, ya que no creian en esta canción y hasta el día de hoy deben estar lamentandose...

Esta balada nos habla, de manera desgarradora, sobre la soledad, a eso sumado una ejecución vocal perfecta, cantada con tonos muy parecidos a la opera, que con el tiempo se convertiría en una de las caracteristicas principales en las baladas de Orbison. Incluso el New York Times describió en sus páginas que esta balada tenia un sentido "desgarrador y melancolica, impulsada por la urgencia de un amor".

Al ser publicada, los productores junto al cantante decidieron colocarle entre parentesis al lado del titulo la frase "Know How I feel" para evitar la confusión con la canción "Only The Lonely" que Sammy Cahn y Jimmy Van Heusen habían escrito para Frank Sinatra en 1958.

Esta balada fue un pilar fundamental para la evolución del rock and roll, por su inusual estilo musical.

"Only The Lonely" llegó al puesto 2 en el Billboard charts y llegó a estar 6 meses en los primeros lugares de las listas Británicas, siendo considerada por muchos especialistas como una canción clasica de la decada delos 60's.

En el año 2004, la revista Rolling Stone situó esta balada en el puesto 232 en su lista "500 Greatest Songs of All Time".

Para finalizar, tambien debemos mencionar que en la epoca que Orbison participó en la banda The Traveling Wilburys (donde se escondia bajo el seudonimo de"Lefty Wilbury"), escribió una secuela de esta canción llamada "Not alone anymore".

The Police – Don't Stand So Close To Me

"Don't Stand So Close to Me" es una canción de la banda británica The Police. 

Fue lanzada como single en Octubre de 1980 en Inglaterra y en Enero de 1981 en Estados Unidos promocionando el disco Zenyattà Mondatta, que era la tercera placa comercial de esta mitica banda.

La música y la letra de esta canción pertenecen al gran Sting (vocalista del grupo) y nos relata, bajo una pulcra melodia jamaicana, la aventura amorosa de una alumna con su profesor, y el nerviosismo que esto desata esta situación dentro del establecimiento educacional.

Nos da a entender los miedos, la culpa y el temor que tiene el profesor al verse enfrentado en esta situación donde hay diferencias de edad y deja mucho que desear en su labor docente.

Esa linea que dice "Just like the old man in that book by Nabokov" es en referencia al famoso y polemico libro Lolita del ruso Vladimir Nabokov que abanrca una historia similar a lo que ocurre en el contexto de la canción.

Para que no piensen mal, el "joven" Sting, que alguna vez se las dió de profesor de Ingles antes de dedicarse a la música, ha mencionado que la letra no tiene nada de autobiografica, dejando claro que es solo una simple y vaga historia de ficción aunque, en estos tiempos nunca se sabe y casos como este pasan en muchos colegios y liceos de todo el mundo.

La canción tambien tuvo su polemica y no fue por la "sorprendente" letra sino con problemas legales con otra canción. Resulta que el "bueno"de Sting por esos días pasaba sus vacaciones en Montserrat y colaboró con la banda de Mark Knopfler llamada Dire Straits, especialmente en la exitosa canción "Money for Nothing" que estaban de paso por esos lugares. 

Hasta ahí todo bien, pero los Dire Straits se olvidaron "misteriosamente" de colocar a Sting dentro de la autoria de esa canción donde colaboró en la composición.Esto llevó a que la discografica de The Police empezara con lios con abogados, muchas idas y vueltas a tribunales que dieron como resultado que Sting debiera aparecer en los creditos de "Money For Nothing" donde, como defensa a su pedido, incluia coros con la misma armonia de esta canción que hoy analizamos. Este resultado aun tiene avergonzado al vocalista de The Police que nunca fue protagonista de esa polemica.

Fuera de esa increible polemica, "Don't Stand So Close to Me" tuvo un exito total en Inglaterra donde llegó al primer puesto de los rankings y fue premiada como el single mas vendido del año 1980. Mientras que en Estados Unidos la canción entró dentro del top ten de Billboard Hot 100, lo cual ayudó a la banda en su aventura por conquistar "musicalmente" Norteamerica.

En 1986 la banda decide regrabar esta canción para promocionar el disco recopilatorio Every Breath You Take: The Singles donde aparece bajo el titulo "Don't stand so close to me '86" y era el enganche necesario para vender este disco.

Esta nueva versión contiene un nuevo coro y una producción mas trabajada. Ademas tiene unos minimos cambios en la letra y melodia.

Debido a una lesión en la clavicula, el baterista Stewart Copeland no estaba apto fisicamente para tocar la bateria en esta nueva versión, por lo que optó usar una bateria programada (una Fairlight CMI) para la grabación del sencillo. Luego de hacer sudar a Sting y los productores, el resultado fue optimo y Copeland, quien no era fanatico de las bateria programadas, declaró "me ha salvado la vida esta maquinita".

El single con esta nueva versión fue lanzado en 1986 cuando la banda ya habia optado por la separación y es, hasta ahora, el ultimo registro que ha publicado esta magnifica banda.

Led Zeppelin – Rock And Roll

"Rock and Roll" es una canción de la banda británica Led Zeppelin. Esta canción pertenece al famoso disco conocido como Led Zeppelin IV (ya que al no tener nombre comercialmente fue nombrado asi, aunque muchos lo llaman Zoso, Runes, Four Symbols, Four Sticks o incluso Unnamed).

Esta canción nace de una improvisación en el estudio, donde Jimmy page, John Bonham, John Paul Jones y Robert Plant empezaron a tocar viejas pero famosas canciones de los 50's y 60's mientras intentaban terminar la grabación del tema "Four Sticks".

Todo comenzó cuando el baterista Bonham empezó a tocar la introducción de "Good Golly Miss Molly" y Page se une a su compañero con un solo de guitarra digno de su calidad musical. Luego de eso, empezaron a grabar la música junto a Ian Stewart en el piano.

En una entrevista radial en 1977, Jimmy Page declaró sobre esa sesión: "En realidad, todo fue en un descanso luego de 12 horas de grabación. Pero aun teniamos ganas de hacer algo y decidimos trabajar en esa canción. Incluso Robert Plant, llegó al estudio, y se puso a cantar de inmediato".

Musialmente esta canción es una mezcla muy interesante entre el Hard Rock y el Blues, estilos donde la banda hacia magia musical.

La parte de guitarra interpretada por Page nos trae un fusión perfecta de hard Rock que en notas dobles de la 6ª, 5ª, 4ª y 3ª cuerda que se entrelazan. El solo consiste en notas agudas empleadas generalmente en la segunda y primera cuerda.

El intro de batería está inspirado de "Keep a Knokin'" del gran Little Richard y la letra ,escrita por Plant, trae referencias a varias canciones de los 50's y los 60's como "The Stroll," "The Book of Love," y "Walking In the Moonlight", lo cual deja muy claro que la canción es un homenaje, en Hard Rock, a los pionero del Rock'n'Roll.

Esta canción, que es una de las mas populares del catalogo de la banda, formó permanentemente una de las partes aplaudidas del repertorio de Led Zeppelin en vivo, siendo interpretada hasta el final de sus giras.

Ademas fue una de las canciones interpretadas en la reunión de Led Zeppelin en 1985 (con Phil Collins en bateria) durante el Live Aid y también en la reunión de 2007 en el Arena 02.

John Lennon – God

"God" es una canción del musico britanico John Lennon, que pertenece a su primer disco en estudio (había hecho otros pero experimentales) John Lennon / Plastic Ono Band. El cual fue lanzado el 11 de diciembre de 1970 en los EE.UU. y el Reino Unido.

Esta canción causó mucha polémica cuando fue publicada, ya que trataba de manera muy fuerte los temas religiosos.

De entrada Lennon describe a Dios como "un concepto por el cual medimos nuestro dolor" y luego empieza a declarar un discurso , donde saca todo su espiritu agitador, describiendo su visión sobre Dios en el mismo lodo que personajes como Adolf Hitler, y en la que conviven varios personajes y creencias de las cuales él no comparte como verdaderas: Elvis, Buda, la familia Kennedy, Jesús, Los Mantras, Los Reyes, el Yoga, Gita, I Ching, la Biblia, el Tarot, la Magia y Bob Dylan (cuando dice "no creo en Zimmerman"). 

Al final de esa llamativa lista, y en un tono muy especial, Lennon grita "No creo en The Beatles", esta alusión a su ex-banda viene de aquella vez que dijo ante la prensa que "Los Beatles eran mas famosos que Cristo", lo cual llevó a que la banda fuera censurada, le quemaran sus discos, perdieran fanáticos y los pifiaran en mas de alguna ocasión, todo por atacar la elección de creer o no creer en alguna religión.

En esa parte de la canción, Lennon hace parar a la banda... Dejando el suspenso y el mensaje en el aire que "The Beatles eran adorados por sus pares como unos dioses".

Su mensaje final es una declaración, junto a su amada Yoko, de su independencia y , la simple pero humana, creencia del uno en el otro

La sección final de la canción describe el cambio que tuvo Lennon desde la ruptura de The Beatles. Ahpi nos afirma que ya no es el "Dreamweaver" o "The Walrus", solo es "John".

La ultima frase es "The dream is over" que era la frase perfecta de Lennon hacia todos los fans que querian la vuelta de la banda mas popular de la historia, pero este les decia que todo había llegado a su final, incluso los ideales Hippies y los sueños de paz y flores de los años sesentas.

En algunas entrevistas, Lennon señalaba ante las "punzantes" preguntas sobre la temática de esta canción que: si existía un Dios, y ese Dios somos todos los habitantes de este planeta.

Musicalmente la canción no contiene arreglos rebuscados, tampoco mucha producción, ya que la misión del disco era sacar un disco vivo, con sonidos sin tantos arreglos ni excesos de efectos de sonidos.

Para esta canción y casi todo el álbum, el productor Phil Spector, solo utilizó cuatro músicos para que acompañen a Lennon en esta canción: El ex-Beatle Ringo Starr tocó la batería, Klaus Voormann, viejo compañero de The Beatles en sus tocatas por Hamburgo y quien diseñara la tapa del disco "Revolver", tocó el bajo. Billy Preston, quien habia tocado en la ultima etapa de Los Beatles, se hizo cargo del piano.

Una canción polemica pero fiel a los ideales de su autor. Lennon era asi, un soñador pero de la realidad, un nihilista moderno y con ritmo... Sea como sea simplemente es John.

Commodores – Easy

"Easy" es una canción de la banda estadounidense Commodores. Fue publicada en Marzo de 1977 (bajo el sello Motown) y debido a su gran éxito de ventas se convirtió en una de las baladas mas famosas de esta agrupación liderada por Lionel Richie.

Fue el mismo Richie quien escribió esta canción, basandose en esas baladas romanticas que eran furor en esos años en los rankings norteamericanos.

La letra de la canción no habla de una amante despechado, que ha sido victima del termino de una relación romantica con su pareja. Pero en lugar de estar deprimido por esa situación, el narrador cuenta que ha sido fácil superarlo ("easy like Sunday morning.")

En la parte musical, esta canción cuenta con un maginifico solo de guitarra y unas armonias vocales en el coro que le dan un toque poco usado en esas baladas setenteras.

Un canción digna para escuchar tranquilo en la casa, con una simpleza musical notable pero efectiva para cualquier melómano.

Esta canción realmente fue lanzada como un salvavidas para la banda oriunda de Detroit, ya que debido al fracaso en las radios de su canción " Just To Be Close to You ", Richie tuvo que apurarse en escribir una canción que lograra el éxito deseado por la discográfica y la banda. Luego de varios intentos creativos, llegó a componer "Easy" con la cual llegó al numero uno en el Billboard de R & B gráfico, y al cuarto puesto en el Billboard Hot 100.

Aunque la banda se dedicaba a hacer música funk, sus mayores exitos fueron las baladas escritas por Lionel Richie, que luego le sacaria provecho, especialmente en su carrera solista, a su talento de componer canciones romanticas "épicas" para bailar pegados en alguna fiesta.

Pero la balada tambien tendria su renacer en el éxito cuando la banda "Faith No More" la incluyó en su disco Angel Dust en 1992 y le hicieron una versión muy interesante, aunque siguiendo las lineas de la idea original.

Electric Light Orchestra – Can't Get It Out Of My Head

"Can't Get It Out Of My Head" fue grabada en los De Lane Lea Studios en Londres, entre febrero y junio de 1974, durante las sesiones de grabación del disco.

Según Jeff Lynne, esta fue una de las primeras canciones de la banda donde se utilizó una orquesta sinfonica completa en la grabación. Aqui la banda mezcla sus interpretaciones instrumentales junto a la orquesta, especialmente los instrumentos de cuerda de Mik Kaminski (violin), Hugh McDowell (violonchelo) y Mike Edwards (violonchelo) que son, en algunas partes, irreconocibles en la grabación.

Esta canción fue escrita por Jeff Lynne en respuesta a su padre, Phil, que era el primero en criticar las composiciones musicales de Jeff. Phil Lynne, que era un amante de la musica clásica, no era muy fanático de la musica de la Electric Light Orchestra, aludiendo que "No tenian melodía." Entonces, Jeff, para demostrarle a su padre que él podía escribir una hermosa canción con influencia de música clásica, escribió esta balada titulada Can't Get It Out Of My Head.

Quizás esta fue la motivación del músico en utilizar una orquesta completa en el disco y en esta canción, ya que quería respoderle a las criticas de su padre, quien escuchó parte de esta canción mientras Jeff la escribia en el salón de descanso de su casa en Birmingham.

Dentro de la letra de esta balada, lo que más llama la atención es la frase "walking on a wave's chicane" o tambien escrita como "walking on a wave she came"?... pero realmente no se sabe si es "Chicane" o es "She came" ya que la pronunciación es muy similar. Esto ha sido material de debate entre muchos fanaticos de la banda, ya que dentro de las letras que traia la caja del disco Eldorado, aparecía esa frase con la palabra "Chicane" y se cree que fue simplemente un error de imprenta. 

Pero Lynne en las interpretaciones en vivo dice "Chicane"... entones la pregunta que queda revotando es ¿que es "Chicane"?. Esta enigmatica y muy poco usada palabra inglesa, se refiere a la punta de espuma que trae una ola de mar hacia la costa. Entonces la frase quiere decir que la mujer, que Jeff describe en la letra, está caminando encima de las olas... a no ser que simplemente fue un error de imprenta, lo cual es un misterio.

Sin embargo, esta canción fue todo un éxito para esta banda, ya que llegó al puesto #9 en los EE.UU, logrando asi su primer top ten en tierras norteamericanas en 1975. Mientras que en el Reino Unido la canción no llegó ni siquiera a entrar en los charts, hasta 1978 cuando fue incluida en un EP y llegó al casillero #34 en el UK Singles charts.

The Hollies – Carrie Anne

"Carrie Anne" es una canción de la banda británica The Hollies. Fue lanzada como single un 26 de mayo de 1967 y logró un gran éxito en los charts.

Esta canción llevó a la banda a un nivel de popularidad muy alto dentro de la actividad musical británica logrando asi su "época dorada" tanto interpretativa como creativa.

Esta gran canción fue escrita por Allan Clarke, Graham Nash y Tony Hicks. Dentro de la parte musical notamos una caracteristica muy notable ya que puede ser una de las primeras canciones pop británicas que experimentó con sonidos del Caribe, especialmente con el uso de los tambores de acero o Steelpanes, que son un instrumento de la música popular de Trinidad y Tobago que poseen una afinación en una escala cromática, aunque existen algunos de ellos que son afinados en escala diatónica.Aproximadamente a los dos minutos de la canción se puede escuchar un solo de Steelpanes.

En el documental The History of Rock 'N' Roll de 1995, Graham Nash, afirmó que esta canción fue escrita para la cantante y actriz Marianne Faithfull, quien en ese entonces tenia una relación amorosa con el lider de los Rolling Stone, el etero Mick Jagger. Pero la banda se arrepintió a ultima hora del titulo: "Marianne" y lo modificó por "Carrie Anne" para que no sea tan evidente su inspiración.

Como dato curioso, la canción fue tan popular que los padres de la actriz canadiense Carrie-Anne Moss (The Matrix, Memento) le colocaron ese nombre debido a que el día en que nació esta "guapa" mujer esta pieza musical era muy popular por esos lares.

Esta canción se convirtió en un gran éxito en 1967, alcanzando el casillero # 3 en el UK Singles Chart. También fue un éxito en los EE.UU., alcanzando el puesto # 9 en las listas de éxitos norteamericana.