Roxette – Joyride

"Joyride" (en español: "Paseo alocado") es el título del tercer álbum grabado en estudio de la banda sueca Roxette, fue lanzado el 28 de marzo de 1991 por el sello discográfico EMI. Es uno de los álbumes emblemáticos del pop de los años 90. Además figura entre los 100 discos más vendidos en el mundo.

El álbum logró ventas enormes en países como Suiza (16 semanas en el #1) y Alemania (13 semanas en el #1). En el Reino Unido llegó ha puesto #2 y fue cerfiticado dos veces platino por 700.000 unidades vendidas. En Estados Unidos, llegó a la posición #12 y se mantuvo en la lista Billboard Top 200 por más de un año, llegando a 1.500.000 de copias en ese país. En Canadá fue certificado 5 veces platino, y en su país de origen, Suecia, 7 veces platino.

Tal como ocurrió con Look Sharp! en 1989, el éxito de Joyride rápidamente condujo al dúo a ocupar el primer puesto en prácticamente toda Europa, logrando en #1 del ranking europeo, puesto que mantuvo por dos semanas consecutivas en 1991.

En Argentina la placa superó las 400.000 copias, logrando el record de ser el álbum en inglés más vendido en la historia de la música hasta ese momento (1992) (superando a estrellas como The Beatles o ABBA), éxito que se vio reflejado en los cuatro conciertos a lleno total que Roxette dio en ese país durante su gira Join The Joyride.

Gracias a este álbum, Roxette recibió un premio MTV en la categoría Mejor Video Clip, por el single que da título al álbum, Joyride.

En Suecia ganaron en las categorías a Mejor Álbum, y Grupo del Año. Hecho que se repitió en los Music Awards de Australia, donde ganaron en la categoría Grupo del Año, además de recibir una nominación a Mejor Video Clip por el sencillo The Big L.

En Alemania fueron nominados a los premios ECHO, por Grupo del Año, perdiendo ante los legendarios Scorpions. Con el tiempo, los premios ECHO separaron categorías para artistas nacionales e internacionales, pero cuando Roxette fue nominado, existía la misma caregoría para todos los grupos. De todos modos, Joyride había sido el segundo álbum más vendido ese año en Alemania, con ventas por más de 1.700.000, sólo un poco menos que Michael Jackson con Dangerous (2.000.000).

Inxs - Need You Tonight

Need You Tonight es la cuarta canción del álbum Kick de 1987, de la banda australiana INXS, además del primer sencillo del álbum. También fue la única canción de la banda en alcanzar el primer puesto en el ránking Billboard Hot 100, además de conseguir su máxima posición, como número dos, en el UK Singles Chart. Mientras que finalmente se convertiría en el sencillo más representativo de la banda, fue una de las últimas canciones en ser grabadas para el álbum.

En la autobiografía oficial de INXS, INXS: Story to Story, Andrew Farriss dijo que el famoso riff de la canción apareció de repente en su mente mientras esperaba un taxi para ir al aeropuerto, y desde allí partir a Hong Kong. Le pidió al taxista que esperase un par de minutos mientras traía algo de la habitación de su motel. En realidad, fue a grabar el riff y regresó una hora más tarde con una cinta, encontrando al taxista sumamente furioso. Ese riff fue descrito más tarde como una mezcla entre la música de Keith Richards y Prince.

La canción tiene música de estilo mucho más electrónico que lo que se venía haciendo hasta ese momento, combinando secuenciadores con batería y cortes de guitarra. Para aproximar el sonido de la versión grabada, la banda a menudo utiliza sintetizadores además de sonidos del tipo de disparos, los cuales pueden oírse entre la música.

En el álbum Kick, la canción está enganchada a la siguiente, titulada "Mediate" o "Meditate" dependiendo del álbum. En algunos compilados, ambos temas aparecen juntos y en otros sólo aparece "Need You Tonight" ("Mediate" aparece sola muy raramente).

La canción es también notable por su video musical, el cual combinó live-action y diferentes tipos de animación. Dirigido por Richard Lowenstein, el video mezcló "Need You Tonight / Mediate", y promocionó las dos canciones del álbum. En "Mediate", puede apreciarse un tributo a la canción de Bob Dylan "Subterranean Homesick Blues". Los miembros de la banda muestran carteles con palabras de la canción, seguido por un solo de saxofón de Kirk Pengilly. En medio de la canción se muestra una tarjeta con una "fecha especial", la cual se lee como "9-8-1945". Esto se refiere al 9 de agosto de 1945, la fecha en la cual la bomba atómica fue arrojada sobre Nagasaki, Japón. Ya que la fecha se encuentra en el formato australiano, con el día primero y el mes segundo, los televidentes estadounidenses confunden la fecha con el 8 de septiembre de 1945.

El video obtuvo cinco MTV Video Music Awards incluyendo "Video musical del año", y ocupó el vigésimo primer puesto en el ránking de los cien mejores videos de todos los tiempos llevado a cabo por MTV.

Bee Gees - Stayin' Alive

"Stayin' Alive" (Sobreviviendo) es una exitosa canción disco de los Bee Gees compuesta para la banda sonora de la película Saturday Night Fever (Fiebre del sábado por la noche) y lanzada como segundo sencillo el 13 de septiembre de 1977. Alcanzó el Top 5 de todas las listas de éxitos de los países donde fue lanzada, y dio título, en 1983, a una secuela de la citada película.

"Stayin' Alive" es una de las canciones más populares y reconocibles de los Bee Gees. Puede ser aún escuchada en una variedad de lugares, desde salones de bailes a eventos deportivos. La revista Rolling Stone la incluyó en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos en el puesto 189º junto a "How Deep Is Your Love", primer sencillo de la película y también de los Bee Gees.

El productor de la banda sonora, Robert Stigwood (quien además era el mánager de los Bee Gees) los llamó y les pidió que escribieran unas cuantas canciones para una banda sonora que estaba planeando. En este punto, la película estaba en sus primeras etapas de producción y ni siquiera tenía todavía un título. Todo lo que Stigwood tuvo que hacer fue ver una portada de la revista New York acerca de la discomanía. Les pidió seguir con la banda sonora de todas maneras, y escribieron "Stayin' Alive" sobre la marcha en unos cuantos días, mientras estaban en Château d'Hérouville, París. Así como Pink Floyd, una gran parte de las bandas sonoras fueron grabadas en Francia por razones legales.

Debido a la muerte del padre del baterísta Dennis Byron a la mitad de las sesiones de grabación, el grupo buscó un remplazo. Aunque parezca mentira, la escasez de bateristas en esta área de Francia obligó al grupo a usar una máquina de batería (Aun así no dio resultados satisfactorios). Luego de escuchar la pista de percusión del ya grabado "Night Fever", la banda (y el Ingeniero Albhy Galuten) seleccionaron dos partes de la canción, las re-grabaron a una pista, y procedieron a las sesiones de "Stayin 'Alive". Ello explica el porqué no cambia el ritmo durante toda la canción.

Como una broma, la banda le puso al baterísta como "Bernard Lupe" (una parodia del baterísta Bernard Purdie). El ahora señor Lupe se volvió después un baterísta con gran demanda, hasta que se descubrió que no existía.

La canción no estaba originalmente planeada para ser lanzada como un sencillo, pero los fans llamaron a las estaciones de radio y RSO Records inmediatamente después de ver el trailer de SNF, en donde aparece en la escena introductoria la canción, el sencillo fue eventualmente lanzado a mediados de Diciembre, un mes antes del álbum, y llegó al tope del Billboard Hot 100 en los Estados Unidos en Febrero, donde pudo haber estado por cuatro semanas. Poco después, bajó a la posición #2, cerrando los puestos #1 y #2 solo para los Bee Gees, ya que el lugar #1 lo ocuparía Night Fever. En Reino Unido, "Stayin' Alive" fue un sólido tema que llegó solo al lugar #4, distinto al gran éxito logrado en Estados Unidos

Ya en 1978 los Bee Gees dominaban las listas de norteamérica. Sin embargo "Stayin' Alive" fue reemplazada en el #1 de la lista por el hermano menor de los hermanos Gibb, el cantante Andy Gibb y su sencillo, "(Love Is) Thicker Than Water", seguido del otro sencillo de los Bee Gees "Night Fever". Éste fue reemplazado por la canción interpretada por Yvonne Elliman "If I Can't Have You". Desde que Barry Gibb escribió estas cuatro canciones mencionadas, él se convirtió en la única persona en la historia en escribir cuatro números 1 consecutivos. Ésta marca no ha sido rota hasta el día de hoy.

Junto con la versión que apareció en el soundtrack del álbum (y su subsecuente versión de CD) y el sencillo lanzado mundialmente, fue lanzada otra versión, que fue distribuido a los DJs de los clubes y radio estaciones que se especializaban en lanzar al aire "versiones más largas" de canciones hit. Ésta "Versión Especial Disco" como fue llamada, mostraba las mismas partes del mix básico del álbum, pero tenía una misteriosa "sección de vientos" que viene puesta 2 veces en esta versión, pero fue sacada de la publicación de las radioemisoras. Actualmente puede ser encontrada en la reedición del álbum Greatest.

Como mensaje de la canción, y según palabras del cantante Robin Gibb, "Stayin' Alive es acerca de sobrevivir en la gran ciudad, cualquier ciudad, pero básicamente New York ".

El video musical para la canción es completamente diferente del concepto de Saturday Night Fever. La banda aparece cantando la canción en un set próximo a donde estaban filmando Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band al mismo tiempo. Era un set que mostraba edificios, una estación de trenes, y otros objetos. Hay además otro video musical para la canción que fue mostrado en Europa al mismo tiempo. Muestra a los hermanos cantando la canción en un estudio oscuro mezclando imágenes de las calles de Nueva York. Lo más notable de éste video es la apariencia de Barry Gibb. En esta versión Barry aparece afeitado, sólo con patillas. La razón de la diferencia de apariencias es desconocida.

Meat Loaf - I'd Do Anything For Love (But I Won't Do That)

I'd Do Anything For Love (But I Won't Do That) es el título de una canción del grupo de música rock Meat Loaf; esta canción fue un sencillo del disco de "Bat Out of Hell II: Back Into the Hell", que suponía el retorno de la alianza entre el cantante y el compositor Jim Steinman.

Siendo una canción de 12 minutos de duración, se convirtió instantáneamente en número uno en 28 países y volvió a dar fama y reconocimiento internacional a Meat Loaf, quien obtuvo el premio Grammy al mejor cantante rock del 94.

El videoclip es una mezcla de las historias "La bella y la bestia" y "El fantasma de la ópera", y fue dirigido por Michael Bay.

Guns N' Roses - You Could Be Mine

"You Could Be Mine" es el segundo sencillo más vendido de la banda de hard rock Guns N' Roses, y una de sus canciones más populares.

Es la pista Nº 12 del álbum Use Your Illusion II. La canción fue escrita por Izzy Stradlin y Axl Rose mientras que el primero escribíó la música.

La canción está basada en la relación fallida entre Izzy y su ex-novia Angela Nicoletti.

La canción fue ideada con anterioridad a la grabación del álbum Appetite for Destruction en 1987, pero según Slash no fue incluida en el mismo debido a que no habían logrado terminarla a tiempo, aunque él sentía que debía ser incluida en el Appetite y no en el Use Your Illusion II, ya que representaba el espíritu musical de la banda en ese momento.

Aunque no fue escrita especialmente para ello, la canción fue seleccionada por James Cameron para ser incluida en la película Terminator II. Arnold Schwarzenegger organizó una cena con los miembros de la banda en su casa para negociar el acuerdo.

Schwarzenegger aparece en el rol de Terminator, llegando a un concierto de Guns N' Roses, con órdenes de asesinar a la banda (ya que la música y el estilo la banda podía ser el combustible que los humanos necesitaban para luchar contra las máquinas).Sin embargo, al final de la canción el exterminador evalúa a cada miembro de la banda. Al llegar a Axl decide que matarlo sería "un desperdicio de munición", por lo tanto tras observarlo un instante se va. Durante esta parte del video el guitarrista rítmico Izzy Stradlin está notoriamente ausente. El video tuvo gran éxito y contribuyó enormemente a promocionar el estreno de Terminator 2. Las imágenes de Guns N' Roses tocando la canción en vivo durante el video pertenecen al concierto llevado a cabo en el Ritz Club de New York, el 16 de mayo de 1991.

Dado a que el video incluía clips de la película, no pudo ser incluido en el DVD Welcome to the Videos debido a problemas de licencia.

La canción reaparece en la secuela número 4 de la franquicia de Terminator, llamada Terminator: La Salvación.

AC/DC – Thunderstruck

«Thunderstruck» es la primera canción del álbum The Razors Edge, de AC/DC publicado en 1990.

La canción llegó a posicionarse en el 5.º puesto del Mainstream Rock Tracks de Billboard en los Estados Unidos. Fue lanzada como sencillo en Alemania, Japón y Australia. Esta canción es uno de los mayores éxitos de la banda australiana. Es la única canción que después del disco For Those About to Rock (We Salute You) que la banda toca en sus directos, aparte de las canciones del nuevo disco, Black Ice.

Angus Young comentó: «Empezó con un pequeño riff que toqué en la guitarra. Se lo mostré a Malcolm (Young) y dijo 'Oh, tengo un buen ritmo que puede quedar muy bien con eso.' Construimos la canción a partir de eso... Fue solo cosa de encontrarle un buen título. Comenzamos a pensar en eso del trueno (Thunder) y parecía quedar bien. AC/DC = Poder. Esa es la idea».

El vídeo fue grabado en la Academia Brixton de Londres, el 17 de agosto de 1990. A los miembros de la audiencia se les regaló una camiseta que decía «AC/DC - I was thunderstruck», al frente, y la fecha por detrás. Esas camisetas fueron utilizadas por toda la audiencia durante la grabación.

Pet Shop Boys - Always On My Mind

Always on My Mind es una canción compuesta por Johnny Christopher, Mark James y Wayne Carson Thompson para Elvis Presley, que grabó la canción el 29 de marzo de 1972. El film de la sesión de grabación apareció en el documental de 1981 This is Elvis. Aunque Elvis fue el primero en grabarla, la primera versión en publicarse fue una de Brenda Lee.

Always on My Mind ha sido interpretada por muchos artistas, entre los cuales se encuentran el mismo Elvis Presley, Brenda Lee, Willie Nelson, Julio Iglesias, Michael Bublé, Andrés Calamaro, Scotty McCreery, Pet Shop Boys (en 1987) siendo este uno de los mejores covers, Shakira (en 2002 en VH1 Divas Las Vegas) Marco T realizó la versión en español de este clásico (en 2005), The Answer (en 2006). Así como también el cantante Ryan Adams siendo parte del bonus track de su disco Jacksonville City Night y la cantante Mary Elizabeth McGlynn para la banda sonora del videojuego Silent Hill: Shattered Memories.

En 2013 la canción fue elegida para representar el anuncio del Sorteo Extraordinario de Navidad teniendo como título Aquí está la Navidad, interpretado por Raphael, David Bustamante, Marta Sánchez, Niña Pastori y Montserrat Caballé. La letra fue cambiada por otra diferente y en español.

En 1982, Willie Nelson hizo una interpretación de esta canción que llegó a ser nombrada la canción del año en 1982 y en 1983 por la Asociación de la Música Country. En la vigésimo quinta edición de los Premios Grammy celebrada en el año 1983, los compositores ganaron el premio en las categorías Canción del año y mejor canción Country.

Depeche Mode - Everything Counts

Everything Counts es el octavo disco sencillo del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode, el primero desprendido de su álbum Construction Time Again, lanzado en 7 y en 12 pulgadas en 1983.

Everything Counts es una canción compuesta por Martin Gore, la primera producida con arreglos de Alan Wilder, con quien además coescribió el lado B, el tema Work Hard.

Everything Counts se convirtió en uno de los mayores éxitos de aquella época de Depeche Mode y de paso demostró la capacidad de Martin Gore para componer un tema bailable tan bueno como Just Can't Get Enough de Vince Clarke.

La interpretación de Everything Counts en el concierto realizado el 18 de junio de 1988 en el estadio Rose Bowl de Pasadena, California, fue lanzada como un sencillo totalmente nuevo en 1989 correspondiente al álbum doble 101 de ese año.

En enero de 1983, poco antes del lanzamiento del sencillo Get the Balance Right!, Martin Gore asistió a un concierto de Einstürzende Neubauten, lo cual le dio la idea de experimentar con los sonidos de la música industrial en el contexto del pop. Este experimento derivó en la primera utilización de la banda del Synclavier, un sintetizador que no sólo contenía un gran número de sonidos pre-programados, sino también permite insertar samplers. Con esto, el grupo recorrió las calles para "encontrar" los sonidos y capturarlos en el Synclavier, para después incorporarlos en canciones. Los sonidos consistieron principalmente de martilleos en yunques, tuberías, agua corriente, etc. Además de los sonidos "encontrados" utilizados como maquetas metieron también partes de xilófono y melódica (la cual Gore tocaba al ejecutar la canción en el escenario). Esa misma primavera, la banda se reunió en Londres para empezar a grabar su tercer álbum, Construction Time Again, y al poco cambiaron de estudio de grabación. Los primeros dos discos se grabaron en los Blackwing Studios, pero por sugerencia del ingeniero Gareth Jones pasaron al estudio The Garden del cantante de Ultravox John Foxx. Este cambio, junto con la incorporación de Gareth Jones al equipo de producción, facilitó la transición de la banda de los temas pop de sus inicios (transición que había comenzado a tomar forma en 1982 con la melancólica Leave in Silence). La banda continuaría perfeccionando su fórmula industrial en posteriores álbumes como Some Great Reward y Black Celebration.

Además del cambio en la línea lírica y musical de DM, Construction Time Again incluía temas políticos inspirados en la pobreza que Gore había visto en un viaje a Tailandia. Estos temas marcaron un pronunciado contraste con las inofensivas canciones pop de los inicios de su carrera. Everything Counts en específico habla de la avaricia corporativa y la corrupción en la industria musical, como repite el coro "las manos que pueden tomar, toman todo lo que pueden". El sencillo se publicó cuando el grupo no tenía un contrato formal con Mute Records.

Además, fue el primer tema de DM cantado por sus dos vocalistas (en diferentes tempos). Dave Gahan canta los versos, mientras Martin Gore canta los coros.

El lado B de Everything Counts es la canción Work Hard, escrita por Martin Gore y Alan Wilder, e irónicamente la más industrializada de todas sus composiciones en aquella época. Aparentemente fue por su prosaico sonido industrial que se decidió dejarla fuera del álbum, pues es un tema construido únicamente a base de sonidos industriales, botes de metal, varas y láminas golpeadas una y otra vez en la forma más tosca del sampler, con una letra simplista sobre “trabajo duro”.

Work Hard está complementada sólo con sonidos menos duros como el de una máquina de escribir, y el infaltable teclado de Alan Wilder en los puentes haciendo la parte más melódica, además, la letra no es muy abundante, pero la voz de Dave Gahan está duplicada justamente en los coros de “Work Hard” para darle una extraña cualidad robótica igualmente en su forma más tosca.

Everything Counts se relanzó en 1989 como el vigésimo tercer disco sencillo de Depeche Mode, desprendido de su álbum en directo 101 de ese año.

Esta es la interpretación en directo del tema la noche del 18 de junio de 1988 en el estadio Rose Bowl de Pasadena, California, tomada del último concierto de la gira Tour for the Masses con motivo del álbum Music for the Masses de 1987, y que en este caso cerraba la presentación y de hecho toda la gira misma.

Everything Counts es hasta la fecha la única canción en directo de Depeche Mode que ha sido publicada como lado A en disco sencillo, convirtiéndose en una de las cuatro canciones del grupo que han sido lanzadas como sencillo en dos ocasiones distintas (las otras son Strangelove que se relanzó en 1988, Enjoy the Silence y Personal Jesus que también tuvieron nueva mezcla en 2004 y 2011 respectivamente).

En la edición original en LP del álbum 101 no aparecen las interpretaciones en el concierto de las canciones Nothing, Sacred y A Question of Lust. Precisamente fueron éstas las que aparecieron como lados B del sencillo Everything Counts en vivo, con la interpretación de Nothing como lado B estándar.

Como curiosidad, en las remezclas de los lados B participó Tim Simenon, quien muchos años después, en 1997, produjera el álbum Ultra, el primero no coproducido por DM. Fue además uno de los pocos sencillos de DM que se publicaron en formato de casete de cinta magnética de audio y en CD de 3 pulgadas, así como el único publicado en disco de vinilo de 10 pulgadas.

Esta versión en directo del tema aparece de nuevo bajo el nombre Everything Counts, pero generalizadamente se le conoce como Everything Counts Live por distincíón, aunque cabe destacar que el título del sencillo en portada en realidad es Everything Counts, Nothing.

El vídeo de Everything Counts fue dirigido por Clive Richardson, tras la insatisfactoria experiencia del grupo con sus anteriores cuatro vídeos promociónales. Richardson ya había hecho lo propio nada menos que en el primer vídeo de DM, Just Can't Get Enough de 1981, así que se le seleccionó de nuevo como su realizador.

El cortometraje fue realizado en la ciudad de Berlín, exponiendo imágenes de la ciudad tomadas desde un coche, en realidad de un largo puente mostrando lo que puede lograr el dinero, mostrando la melodía principal ejecutada en el xilófono aunque percutida por Alan Wilder.

Por último, los integrantes aparecen en una playa viendo a la gente tomar el sol y descansando, haciendo otra básica referencia a lo que con desparpajo puede conseguirse con dinero. Aunque es un vídeo sumamente sencillo, su limpieza de imágenes y lo básico de su concepto lo hicieron resaltar y con los años ha logrado ser considerado de los mejores de DM.

El video se incluye en la colección Some Great Videos de 1985 y más recientemente en The Best of Depeche Mode Volume 1 de 2006.

El video de Everything Counts Live fue dirigido por D.A. Pannebaker, quien realizó el documental del 101, y es en realidad una edición promocional que intercala imágenes de la interpretación de Everything Counts durante el concierto en el Rose Bowl con otras de los integrantes de Depeche Mode tras los escenarios de la gira.

El video se incluye en la colección The Videos 86>98 de 1998.

Erasure - Oh L'Amour

«Oh L'Amour» es el tercer sencillo publicado por grupo inglés de música electrónica Erasure, lanzado en 1986. Se trata de una canción compuesta por Vince Clarke y Andy Bell.

«Oh L'Amour» fue el tercer sencillo adelanto del álbum Wonderland. Este sencillo tampoco tuvo éxito en la tierra natal de Erasure; sólo llegó al puesto 85 las listas británicas, pero sí le fue bien en Alemania, donde llegó al puesto 16 y en Francia, donde se colocó en el puesto 14. Más allá de las listas, "Oh L'Amour" se transformó en un clásico de las actuaciones en vivo del grupo, algo que quedaría plasmado un año más tarde en el álbum en directo The Two Ring Circus. En algunos países, como Argentina, este es el tema más representativo de la banda.

omo parte de la promoción original, en Alemania se editó este sencillo, reemplazando March On Down The Line con una versión de Oh L'Amour cantada en alemán por una artista local llamada Susanne Störrle pero con la música original. La letra en alemán fue adaptada por Daisy Dörmann.

EL video musical original, dirigido por Peter Hamilton y Alistair Rae, muestra una actuación en estudio del duo, en el que también participan dos coreutas. Posteriormente se realizó otro video que mezclaba imágenes del video original con la de algunas presentaciones en vivo.

El arte original de Oh L'amour incluía imágenes de Thomas y sus amigos. Como fue hecho sin tener los permisos correspondientes, esta tapa fue reemplazada por una tapa negra con el nombre del sencillo y de la banda.

A-ha - Take On Me

«Take on Me» es una canción del grupo noruego de pop a-ha. Paul Waaktaar-Savoy, Magne Furuholmen y Morten Harket compusieron la primera versión y Tony Mansfield se encargó de la producción.1 Además de los sintetizadores, presenta una instrumentación variada, que incluye guitarras, teclado y batería. Originalmente, la publicaron como sencillo para Europa en 1984, sin incluirla en ningún álbum, y tuvo una recepción comercial discreta.1 Alan Tarney produjo una segunda versión, mezclada por Tony Mansfield e incluida en el álbum debut del grupo, Hunting High and Low, en abril de 1985. Aunque la segunda versión tuvo más ventas que la primera, tampoco fue muy popular en las listas.

No obstante, un tercer y último lanzamiento en septiembre de 1985, acompañado de un video, aumentó las ventas y la popularidad de la banda. Alcanzó la posición número uno en las listas de Estados Unidos, Noruega y otros doce países y la número dos en el Reino Unido, Irlanda y Japón. En el video se puede ver a los miembros de la banda representados en animaciones dibujadas a lápiz —una técnica conocida como rotoscopio— y también cuenta con escenas filmadas en vivo.

Además, ganó seis premios y estuvo nominado en dos categorías en la ceremonia de 1986 de los MTV Video Music Awards. Gracias al sencillo, según PopMatters, a-ha está considerado un one-hit wonder, y la cadena televisiva VH1 lo ubicó en el tercer puesto dentro de Los 100 mejores one-hit wonders de los 80's. En la gala de entrega de los Spellemannprisen de 2009, «Take on Me» recibió un reconocimiento al mejor éxito noruego de los últimos cincuenta años.

Pål Waaktaar y Magne Furuholmen comenzaron su carrera musical en una banda llamada Bridges junto a Viggo Bondi y Øystein Jevanord. En 1981, Bridges lanzó Fakkeltog, un EP con canciones mayoritariamente compuestas por el primero. Poco después la banda se disolvió, momento en el que Waaktaar y Magne se trasladaron a Londres para probar suerte en la industria musical. Sin embargo, después de seis meses sin concretar algo exitoso, regresaron a Noruega. El dúo intentó conseguir que Morten Harket se uniese a ellos como vocalista, que en ese momento cantaba en una banda llamada Souldier Blue. Como ésta no progresaba, decidió unirse al grupo de Waaktaar y Furuholmen, que pasó a denominarse a-ha.

El trío estuvo junto durante seis meses y compusieron algunas canciones, además de trabajar en algunas demos; entre ellos, la que se convertiría en «Take on Me». Sobre la canción, Furuholmen comentó: «Comenzó llamándose "Lesson One" y luego la renombramos "All's Well That Ends Well and Moves With the Sun", un nombre cortito y pegadizo».Dicha canción, que antes de recibir el primer nombre se titulaba «The Juicy Fruit Song», evolucionó a partir de los aportes del cantante a principios de 1983. En enero de ese año, el trío volvió a Londres en busca de un contrato discográfico con Warner Bros. Records.

a-ha subrayó que la banda estadounidense The Doors había servido de inspiración para el tema. Furuholmen también afirmó que «Ray Manzarek tuvo una gran influencia, ya que fue quien incorporó la música clásica al pop. [Su] forma casi matemática, pero melódica y estructurada de tocar el teclado fue una gran influencia en mi modo de acercarme a mi instrumento. Pienso que gran parte de la fuerza de a-ha proviene de asimilar cosas como esta y añadirles nuestro toque escandinavo». Sobre la voz de Morten, el teclista afirmó: «Comenzamos a pensar: "¿Cómo podemos exhibir esta voz increíble?" Así que estábamos pensando cómo crear esta espiral cuando Morten inventó esa inflexión de la melodía que fue mucho más interesante».

El trío se mudó a un apartamento en Londres y comenzó a llamar a las compañías discográficas y editoriales. Después de algunas reuniones con el personal de varios A&R, firmó con una editorial llamada Lionheart y luego regresó a Noruega para ganar algo de dinero. Una vez de vuelta en Londres, tuvo que abandonar la ciudad nuevamente debido a la frustración. La banda decidió grabar nuevas demos y optó por el estudio del músico y productor John Ratcliff, llamado Rendezvous Studios, con la intención de regrabar cinco canciones. Poco después, les presentó a quien sería su mánager, Terry Slater, y firmaron con su compañía de representación, TJ Management.5 Con este estímulo, el trío pudo finalizar algunas, entre ellas «Take on Me».

Después de algunos encuentros, Slater firmó un contrato discográfico con Warner Bros. Records.

Poco después, grupo se reunió con Tony Mansfield, un productor que trabajaba en los Eel Pie Recording Studios de Pete Townshend, que mezcló las demos con instrumentación electrónica. Debido a que el sonido del álbum no era lo que a-ha ni Warner Bros. Records tenían en mente, decidieron remezclarlo.1 5 Según Richard Buskin de Sound on Sound, los ejecutivos de la discográfica pensaban que «la magia de las demos de Rendezvous [Studios] había desaparecido y con ella, el sonido vocal tan distintivo de a-ha». La remezcla del álbum estuvo a cargo del ingeniero de sonido y productor Neill King, quien también estaba empleado en dicho estudio. Sobre su trabajo en el álbum Hunting High and Low, King afirmó: «Yo había trabajado muchas veces en Eel Pie [Recording Studios] y fue después de que a-ha grabara con Tony Mansfield por varias semanas que recibí una llamada del director del estudio, para avisarme que Tony abandonaría el proyecto. No me dijeron por qué, pero querían saber si me uniría. Se habían ocupado de la batería programada y de una parte de los sintetizadores, y como yo fui ingeniero allí y conocía la sala, querían que me encargara de las pistas de fondo, que sobregrabara la guitarra, la voz, las armonías vocales, un par más de sintetizadores y que luego hiciera la mezcla».

King utilizó una consola SSLE y un grabador Studer A800, además de pistas de dos pulgadas para todas las canciones. Específicamente sobre su trabajo con la canción mencionó: «Todas las cintas con las que trabajé en "Take on Me" eran de Eel Pie y conservaban gran parte de los sintetizadores del trabajo de Tony Mansfield, pero casi todo lo demás se tuvo que comenzar desde cero. Diría que Pål [Waaktaar-Savoy] era el más tecnológico y trabajamos mucho tiempo mejorando las sobregrabaciones». El equipo utilizado consistió en un micrófono Beyer 201 y otro Neumann FET 47; el guitarrista tocó una Gibson 335, se empleó un Synclavier y para quitar la reverberación se usaron un Lexicon 224X, un AMS RMX16 y un RMX15 para aportar delay. Por su parte, Ratcliff asistió a las sesiones con el fin de supervisarlas.

«Take on Me» se publicó por primera vez como sencillo en el Reino Unido en octubre de 1984, pero obtuvo un éxito comercial discreto. Buskin mencionó que vendió alrededor de trescientas copias y llegó al puesto 137 en las listas del Reino Unido, pero de todas formas la discográfica «todavía creía tanto en la banda como en la canción». Después de esto, su oficina principal, situada en los Estados Unidos, decidió invertir en el trío, y les dio la oportunidad de volver a grabarla.

Terry Slater convenció a Alan Tarney para producir una nueva versión, que no demoró mucho en concretarse y se relanzó en el Reino Unido. Sin embargo, la oficina de la discográfica en Londres le brindó poco apoyo y el sencillo fracasó por segunda vez. El productor comentó sobre su trabajo con a-ha: «Por alguna razón, después de que se acordara que iba a producir el álbum, resultó que no podía hacerlo, así que se lo dije a Terry Slater y consiguió a Tony Mansfield. Después, nueve meses o un año más tarde, Warner Brothers Records contactó conmigo para decirme que no estaban del todo satisfechos con "Take on Me" y me pidieron que considerara ir al estudio para trabajar en ese sencillo con la banda. Habían llegado al límite de su presupuesto, pero Warners quería que la canción sonara lo mejor posible y estaban dispuestos a pasarse del presupuesto para lograrlo. En ese momento estaba ocupado con el álbum Romance de David Cassidy, así que me tomé un día de franco y los muchachos vinieron hasta RG Jones en Wimbledon, donde yo trabajaba, y grabamos y mezclamos toda la canción allí». En su opinión, la grabada con Ratcliff era la «versión éxito» y la de Mansfield y King no era de su agrado, dado que «no sonaba como a-ha para nada».

Gerry Kitchingham, un ingeniero de sonido que trabajaba con Tarney, coincidió con esta apreciación; además, describió a los miembros de a-ha como «tres músicos fantásticos» y elogió la batería programada que añadió Waaktaar posteriormente. Magne tocó la melodía principal en un Roland Juno-60 conectado a un Yamaha DX7. En las versiones segunda y tercera —utilizada en el video rotoscópico— se usó una caja de ritmos Linn LinnDrum, con la que Waaktaar añadió grabaciones de platillos. Harket cantó el tema usando un micrófono Neumann U47 conectado a un preamplificador Neve y un ecualizador de la misma marca.1 Kitchingham mencionó además que el vocalista cantó la canción «cuatro veces» y luego debieron retocar «unas pocas partes» durante el proceso.

En los Estados Unidos, Warner Bros. consideró que el grupo tenía una gran prioridad y tomó la decisión de invertir una cantidad considerable de dinero en un video revolucionario para «Take on Me», para lo que se usó la versión de Tarney. El sencillo debutó en los Estados Unidos un mes después del video y, de forma inmediata, apareció en la lista Billboard Hot 100. Buskin mencionó que el «lema» de «Take on Me» debería ser «si inicialmente no tienes éxito...» en referencia a la historia de la canción y a su popularidad posterior.

Según Sound on Sound, las versiones de «Take on Me» presentan diferencias entre sí en cuanto al final y a los arreglos de sintetizadores. La versión de Tarney, que dura 3:46 minutos y acaba con una disminución paulatina del volumen, tiene un final «más íntimo» en la opinión de Buskin. En contraste, los trabajos de Mansfield y King, cuyos finales se dan a los 3:19 o 3:10 minutos respectivamente, son más «abruptos». El autor también señaló que las primeras dos versiones poseen «sintetizadores agudos y una serie de sonidos incongruentes en la primera parte del puente instrumental» y que si bien la versión de King tiene «los sintetizadores más al estilo pop», la de Tarney posee «lo más duro de la voz de Harket».

«Take on Me» es una canción de synth pop compuesta en la tonalidad de la mayor, y utiliza solo acordes diatónicos. Su instrumentación, por otra parte, incluye guitarras acústicas, teclados y sintetizadores. La canción posee un compás de cuatro por cuatro, así como un tempo de 170 pulsos por minuto. La letra es una declaración de amor, y presenta una estructura de verso-estribillo con un puente antes del tercer y último estribillo. En la canción, Harket muestra una tesitura de más de dos octavas y media. La nota más grave, un la2, figura en la primera sílaba de la frase «Take on me». Conforme el estribillo progresa, se alcanzan notas más agudas y el cantante llega a un falsete,para finalmente conseguir la más aguda de la canción, un mi5 al final. Se puede notar el cambio de tempo y de compás en la parte de batería en el estribillo, donde por dos compases se vuelve más lento y luego recupera el ritmo original antes del clímax de la parte vocal. La canción posee una mezcla de batería a modo de pista de acompañamiento, guitarras acústicas e instrumentación electrónica. Las estrofas siguen una progresión tradicional de 1950 (ii - V - I - vi), mientras que el estribillo presenta una estructura de I-V-vi, con inversiones consecutivas de V y vi.

En general, la canción recibió buena crítica de la prensa musical. Tim DiGravina, del portal Allmusic, en su reseña de Hunting High and Low, afirmó que «el inicio es a lo grande: "Take on Me" es un clásico del new wave adornado con un teclado rápido [y] con profundidad sentimental gracias a la conmovedora delicadeza vocal de Morten Harket». Además, comentó sobre el álbum en sí que «uno no puede evitar la sensación de que Hunting High and Low es un producto de 1980, pero con fortalezas como "Take on Me" y "The Sun Always Shines on T.V." y sin debilidades a la vista, el debut de a-ha es una propuesta que vale la pena». El sitio web especializado Sputnik Music mencionó que «el pop se crea básicamente con lo pegadizo, y este álbum está atiborrado de melodías memorables y ritmos interesantes. Un ejemplo obvio de esto es "Take on Me". Instantáneamente captura tu atención con una introducción de batería simple pero efectiva, que precede a una melodía de teclado inolvidable. La canción continúa y llega el estribillo para cantar en conjunto que todo el mundo conoce y adora, y desde allí, sólo se pone mejor». Asimismo, calificó a la canción como «alegre y animada» y puso como ejemplo del amplio registro vocal del cantante a las notas agudas del estribillo. Decca Aitkenhead, de The Guardian, sostuvo sobre a-ha que «cuando su sencillo debut, "Take on Me", llegó al segundo puesto de las listas allá en 1985, sus mejillas esculpidas y sus voces agudas se grabaron en la memoria de muchos millones de seguidoras perdidamente enamoradas que, por unos pocos años, breves pero intensos, colocaron pósters de esas bellezas nórdicas, usaron brazaletes de a-ha y se deleitaron con la perfección de los mejores sintetizadores del pop. Lo sé porque he sido una de ellas». John Bergstrom, de PopMatters, afirmó: «No se necesita decir mucho sobre "Take on Me", excepto que si no la has escuchado durante algún tiempo, te debes dar el gusto de experimentar ese hook de sintetizador que difícilmente marea y el ultra falsete de Morten Harket otra vez».

La versión de «Take on Me» que salió a la venta en octubre de 1984, mezclada por Tony Mansfield y Neill King, no tuvo un gran impacto en el Reino Unido, dado que en total se vendieron solamente trescientas copias del tema y llegó al puesto número 137 de las listas de dicho país.

La versión regrabada con ayuda del productor Alan Tarney apareció, junto a «Love Is Reason», a finales de ese mismo año. Dicho sencillo alcanzó el tercer puesto en las listas de Noruega, pero su éxito no trascendió en otros países.

En los Estados Unidos, el productor Jeff Ayeroft, de Warner Bros. Records, consideró que el tema merecía una nueva oportunidad, así que invirtió 100 000 libras para la grabación del segundo video de «Take on Me», que utilizó la versión de Tarney. Este video debutó en discotecas y en la televisión un mes antes de que la canción estuviera a la venta o recibiera radiodifusión. En julio de 1985, la canción ingresó en el puesto 91 de la lista Billboard Hot 100, con lo que a-ha se convirtió en la primera banda noruega con una canción en algún registro comercial de los Estados Unidos.

La constante difusión a través de la cadena de televisión MTV ayudó a que el sencillo alcanzara el primer puesto en dicha lista el 19 de octubre de ese año.La canción permaneció en la lista durante 23 semanas, hasta acabar en la décima posición a finales del mismo año.

«Take on Me» se lanzó por tercera vez como sencillo en el Reino Unido en septiembre de 1985.

La nueva versión ingresó en la lista UK Singles Chart en la posición número 55, hasta llegar finalmente al segundo puesto, donde permaneció por tres semanas, momento en el que fue desplazado por la canción de Jennifer Rush «The Power of Love». En ese espacio de tiempo, la British Phonographic Industry certificó el sencillo con un disco de oro. En Noruega, volvió a ingresar en el registro de sencillos VG-lista, donde alcanzó el primer puesto un año después de su primer lanzamiento. También obtuvo un notable éxito en varios países: encabezó las listas en treinta y seis países,entre los que figuraron Austria, Bélgica, Alemania, Italia, los Países Bajos, Suecia y Suiza,además de ubicarse en el tercer puesto de las listas de Francia e Irlanda y permanecer nueve semanas en el Eurochart Hot 100.

Años más tarde, en 1991, a-ha recibió un premio por más de un millón de emisiones radiofónicas de «Take on Me» en los Estados Unidos, y en octubre de 2007, un galardón BMI London por sus más de tres millones de apariciones en radio y en televisión en territorio estadounidense. Asimismo, la cadena televisiva VH1 colocó a la canción en la posición 24 de su registro VH1's 100 Greatest Songs of the 80's, así como en el de Los 100 mejores one hit wonders de los 80's, donde se situó en el tercer puesto. «Take on Me» tuvo además numerosas ventas: a nivel mundial, vendió más de 7 000 000 copias,con lo que se convirtió en uno de los sencillos más vendidos en el mundo.

«Take on Me» contó con dos videoclips. El lanzamiento de la primera versión de la canción en 1984 estuvo acompañado de un primer vídeo, donde los miembros de la banda cantaban con un fondo azul detrás, por lo que se la conoció popularmente como «versión azul». Al principio, se tuvo la intención de que al final del video apareciera el trío cantando frente a una multitud de seguidoras jóvenes, aunque los integrantes de a-ha rechazaron la idea.

El segundo video, dirigido por Steve Barron y grabado en Kim's Café, así como en un estudio de sonido en Londres, debutó al año siguiente. La discográfica Warner Bros. Records, en su afán por promocionar la canción, contrató al animador Mike Patterson debido a que, según la BBC, «había impresionado a [sus] ejecutivos» por una película que realizó siendo estudiante. El video presenta animación dibujada a lápiz, combinada con imágenes reales, para lo cual se empleó una técnica conocida como rotoscopio, donde las imágenes se superponen, cuadro por cuadro, con la finalidad de brindar movimientos realistas a los personajes. Sobre esto, Patterson explicó: «El rotoscopio emplea la animación en directo, pero mi estilo de dibujo era muy impreciso y esquemático, nadie había dibujado algo parecido a eso antes». En total, se animaron con está técnica aproximadamente tres mil fotogramas a lo largo de cuatro meses.

Tras su debut, a mediados de 1985, se convirtió en el cuarto video más popular en las listas de videos estadounidenses. Sobre esto, Furuholmen afirmó: «No dudo que el video fue lo que volvió esta canción un éxito. [...] Tenía un riff súper pegadizo, pero es la clase de canción que tienes que escuchar un par de veces y no creo que se le hubiera prestado atención sin el impacto del video». Patterson, por su parte, comentó: «Sabía que quedaría bien, pero nunca pensé que estaría en MTV un año». En la ceremonia de entrega de los premios MTV Video Music de 1986, el trabajo recibió seis galardones en las categorías de mejor artista nuevo, mejor video conceptual, video más experimental, mejor dirección, mejores efectos especiales y elección de los televidentes. Tuvo otras dos nominaciones como video del año y mejor video de un grupo. Fue también acreedor a otra nominación como video favorito de pop/rock en los premios American Music de 1986. En septiembre de ese año, recibió un premio alemán Golden Europe en la categoría de mejor video.

Asimismo, el video también recibió críticas generalmente positivas. El Flashback Friday, una columna semanal de UGO, lo consideró «uno de los videos más emblemáticos de todos los tiempos» y «una obra maestra de la animación». Por su lado, Allmusic llamó al video «una mezcla hipercinética». La sección de entretenimiento de Time.com lo encontró «innovador, pero genuinamente exasperante», además de incluirlo dentro de Los 30 mejores videos musicales de todos los tiempos. Del mismo modo, Liam Allen de la BBC sostuvo que «la combinación del video peculiar y la canción locamente pegadiza, llevada por el hook genial de teclado de Magne Furuholmen, siguen siendo la combinación pop perfecta».

El segundo vídeo de «Take on Me» ha sido objeto de numerosas parodias desde que fue lanzado. Una de las más conocidas ha sido la de Dustin McLean, un cineasta y músico con residencia en Los Ángeles, que consistió en cambiar la letra de la canción de tal modo que describía literalmente lo que se veía en cada plano. La revista Rolling Stone afirmó que una semana después de su publicación, el 3 de octubre de 2008, recibió más de ochenta mil visitas en Youtube. Furuholmen, tras verla, afirmó: «Creo que era jodidamente fantástica, era increíble. Hubiera querido ver ese video en la época en que lo hicimos. La letra tiene mucho más sentido que la nuestra».

El video tiene una trama fantástica y aborda una relación romántica. Comienza con un montaje de dibujos hechos a lápiz, perteneciente a una historieta, que representa una carrera de motocicletas donde el protagonista, interpretado por Harket, participa con otros dos competidores. Luego se puede ver una escena en un café, donde una joven interpretada por Bunty Bailey, entonces novia de Harket, toma de una taza mientras lee. Conforme avanza, la camarera le trae la cuenta; en ese instante, el protagonista, tras haber ganado, le guiña el ojo. Su mano animada sale de la revista, con la intención de invitarla a ese lugar. Una vez dentro, ella aparece también como una animación dibujada en lápiz y él le canta.

Mientras tanto, de vuelta en el café, la camarera regresa por la joven pero no la encuentra ya; debido a esto, tira la historieta a una papelera, lo que ocasiona que los dos competidores de Harket reaparezcan armados con una llave grifo para atacarlo. Harket golpea a uno de ellos y se refugia con la chica en una bola de papel. Al quedar arrinconados, Harket hace un hoyo en el muro de papel para que ella pueda escapar, mientras aparece una llave grifo frente a él. Una vez de vuelta en el mundo real, y tras aparecer justo al lado de la papelera para sorpresa de los comensales del café, toma la historieta de la papelera y vuelve a casa, donde intenta verificar qué pasó luego en la historia del motociclista. En el siguiente cuadro, Harket aparece sin vida a simple vista, por lo que la joven empieza a llorar, pero se levanta repentinamente e intenta salir de la publicación. En ese instante, su imagen aparece en el vestíbulo de la casa con una parte de él animada y la otra en imagen real, mientras intenta liberarse de la historieta. Al final, escapa de ese mundo y se convierte en un ser humano. Le sonríe a la joven, que camina hacía él y se abrazan. Esta última escena está basada en la película de ciencia ficción Altered States (1980).

La canción ha sido interpretada en directo en varias ocasiones. El 20 de octubre de 1984, a-ha apareció por primera vez en televisión, en el programa Lørdagssirkus y, si bien interpretó cuatro canciones, sólo «Take on Me» fue retransmitida. A finales de 1985, el trío apareció en algunos programas de televisión estadounidenses, tales como Solid Gold, Soul Train y American Bandstand, como parte de una gira promocional en la que incluyó en su repertorio «Take on Me». Además, se presentaron en ciudades como Los Ángeles, Miami y Nueva York. Casi una década después, la tocaron en directo en la serie de conciertos benéficos Live 8 en julio de 2005, junto con «Hunting High and Low» y «Summer Moved On». Dos meses después, en septiembre de ese año, cantaron una versión de «Take on Me» en Times Square. La banda también interpretó la canción en el Festival de Viña del Mar 2006. Sobre un concierto de 2009 del grupo, Decca Aitkenhead comentó que «finalizaron con "Take On Me"; mientras el público se siente eufórico, miro a mi alrededor y descubro que no soy la única a quien le saltan las lágrimas».

A pesar de estar considerada una canción difícil de interpretar por su estribillo, varios artistas y bandas han grabado su propia versión de «Take on Me». Entre ellas figura el dúo alemán de eurodance Captain Jack —que la grabó para su álbum The Mission de 1996— y la banda estadounidense Cap'n Jazz —que hizo lo mismo para su álbum Analphabetapolothology de 1998.

El grupo italiano de power metal Vision Divine hizo una versión propia para su álbum Send Me an Angel del año 2002, mientras que la banda española de folk metal Mägo de Oz tuvo una idea similar para su disco compilatorio The Best Oz (2006). La banda catalana de surf Los Tiki Phantoms también grabó una versión instrumental en 2008 titulada «Tiki Please Me» y a su vez, la agrupación francesa Crumble Lane hizo lo mismo para su álbum Six Years A Wink (2007). Por su parte, el cantante de pop Seo In Gook, de Corea del Sur, lanzó su versión como sencillo en 2010, mientras que el grupo mexicano OV7 tituló su versión del tema «Prisioneros» y la incluyó en su álbum Forever 7 (2012). La cantante de española de indie pop Anni B Sweet también grabó una versión de «Take on Me». La canción «Feel This Moment» de Pitbull y Christina Aguilera utilizó un sample del tema de a-ha. Robert Copsey, de Digital Spy, en una reseña negativa, dijo que la canción posee «un estribillo que convierte la obra maestra de los ochenta de a-ha en el material de una fiesta de gallinas en el Wetherspoon local».

Entre las versiones más relevantes está la de la banda estadounidense de ska punk Reel Big Fish, que en 1999 hizo una para la película BASEketball. Poco después, publicaron la canción como parte de su banda sonora, y una versión internacional figura en el álbum Why Do They Rock So Hard?. Además, la banda también la interpretó con frecuencia en sus conciertos. El grupo también grabó un video para el tema, dirigido por Jeff Moore, que muestra a la banda tocando mientras camina por el pasillo de un estadio y participa en uno de los juegos de BASEketball en combinación con escenas de la película. Reel Big Fish también incluyó una versión en vivo de la canción en su álbum en directo Our Live Album Is Better than Your Live Album y en los DVD en vivo You're All In This Together y Reel Big Fish Live! In Concert!.

En el año 2000, el grupo de pop A1 lanzó una versión de la canción en su segundo álbum de estudio,The A List. A pesar de recibir críticas generalmente negativas y de haber sido llamada una «versión incompleta» y una «copia idéntica que parece un relanzamiento del original», obtuvo un notable éxito al llegar al primer puesto en las listas de Noruega y del Reino Unido, país donde la BPI también lo certificó como disco de plata. Stuart Gosling dirigió un video para esta versión, inspirado en la película de ciencia ficción de 1982 Tron, en el que se puede ver a los miembros del grupo ingresar en un mundo computarizado utilizando unas lentes de realidad virtual.

Tom Jones - Delilah

Delilah (Dalila en castellano) es una canción escrita por Les Reed, Barry Mason y Whittingham Sylvan e interpretada por Tom Jones en el año 1968.

Alcanzó el n º 1 en las listas de éxitos de varios países entre ellos Alemania y Suiza. En Gran Bretaña alcanzó el n º 2 de las listas en marzo de 1968 y fue el sexto single más vendido de ese año. En los Estados Unidos llegó a alcanzar el puesto nº 15 de la lista Billboard Hot 100.

La letra de la canción narra la la misma como si Tom fuese un amante engañado que espía a su mujer a través de una ventana, mientras ésta hace el amor con otro hombre. Como se da cuenta de que ella no es para él, se vuelve temporalmente loco y al amanecer, cuando el amante sale de la casa, él va hacia la casa y la apuñala. Después, antes de la llegada de la policía, pide perdón a Dalilah por el crimen cometido.

En el fondo, se trata de una desgarradora historia sobre un crimen pasional de un hombre que no es capaz de ver a su chica con otro hombre.

Hubo varias versiones sobre la historia o de cómo se produjo la canción pop Dalila, pero al parecer fue una idea de Les Reed para escribir una canción sobre la historia del Sansón y Dalila bíblicos. "Pero yo estaba perdido como un esclavo que ningún hombre podría liberar" fue la única línea que alude a la historia bíblica en la letra de la canción.

La canción ha sido versionada por otros artistas, incluyendo una versión reggae interpretada por Horace Andy, la banda de rock gótico Inkubus Sukkubus en su álbum Silvestre, la banda irlandesa de punk estadounidense Flogging Molly en su álbum en vivo “detrás de la puerta verde” y otras.

La canción fue adoptada por los aficionados del club de Fútbol inglés Stoke City a principios de la década de los 90 y a día de hoy sigue siendo cantada en los partidos. Se considera como uno de los himnos más reconocidos en el fútbol.

Robbie Williams - Rock Dj

«Rock DJ» es un sencillo del cantante británico Robbie Williams incluido en su cuarto álbum Sing When You're Winning lanzado en el verano de 2000. La canción samplea fuertemente a la canción «It's Ecstasy When You Lay Down Next To Me» de Barry White del año 1977, y también contiene un sample de «Can I Kick It?» de A Tribe Called Quest. «Rock DJ» fue la cuarta canción de mejor venta del año 2000 en el Reino Unido.

«Rock DJ» estuvo -en parte- inspirada por el mentor de Robbie en UNICEF, el fallecido Ian Dury. Además, marcó el lanzamiento de Sing When You're Winning. «De hecho fue: 'Ian, me podrías por favor lanzar un compás'» dice Robbie, «y luego comenzó con 'singing in the classes, music for your masses, give no head no backstage passes...'».

«Es una canción para el reventón y las canciones para eso suelen tener letras que no significan algo. Todo lo demás ha sido, ya sabes, emocional... no es un disco deprimente, pero se ha tratado de la tristeza, de estar solo y deprimido, lo suficientemente simpático, pero realizado de un forma alegre», aclaró.

El video musical, dirigido por Vaughan Arnell, estuvo rodeado por la controversia a causa de su contenido explícito. El video comienza con Williams bailando en un disco giratorio con chicas patinando alrededor de él. Él quiere llamar la atención de la DJ (interpretada por Lauren Gold), que se encuentra sobre el escenario, de modo que comienza a sacarse su ropa. Después de no conseguirlo, comienza a sacarse su piel, músculos y órganos (en maquillaje pesado), hasta que lo único que le queda de él son sus huesos, lo cual es hecho mediante efectos especiales. Al final, consigue la atención de la DJ y baila con ella como un esqueleto. El video termina con unos títulos en donde dice: «No Robbies were Harmed During the Making of this Video» (ningún Robbie fue dañado durante el desarrollo de este video). El Robbie sin piel también aparece en la portada del sencillo «Rock DJ», así como en la portada del lanzamiento en DVD de In and Out of Consciousness: Greatest Hits 1990–2010 de 2010.

El final del video (comenzando con Williams quitándose su piel), fue cortado por muchos canales de televisión alrededor de Europa, incluyendo VIVA, MCM, MTV y The Box. VH1 Europa decidió usar su propio video para la canción, creado de material de estudio de grabación. Ejemplos de estaciones de TV que aún emiten el video completo son el canal búlgaro MM (a menudo en tiempo de día) y el canal canadiense MusiquePlus. Otros canales emitieron el video editado por el día, mientras que el original lo emitieron por la noche, mientras que The Hits tocó una versión que se corta desde Williams bailando en su ropa interior a bailando como un esqueleto, llenando el espacio con repeticiones de escenas anteriores. En 2001, «Rock DJ» ganó el premio MTV Video Music Awards por mejores efectos especiales. En 2006, fue votado por los espectadores como el séptimo video más innovador de todos los tiempos en MTV y en 2007 fue ubicado en el lugar 48 de los 50 videos más controversiales de MuchMusic. El video ha sido visto numerosas veces en el programa Pants-Off Dance-Off de Fuse TV a pesar de su contenido sangriento. Delante del fin de la rutina de baile/striptease del pancer cuando el video es visto en el fondo como otro, sólo muestran a Williams, brevemente, arrancándose y arrojando su piel, y bailando en forma muscular antes de cesarse al presentador del show. Durante muchos episodios de la primera temporada (y algunos de la segunda), se incluía el mismo baile del pancer. Rápidamente se volvió popular entre los espectadores, como alguno de los otros videos vistos para sacarse el pantalón, cuando el show pasó. Ganó los concursos semanales incontables veces. En un episodio, los espectadores lo votaron como uno de los mejores vídeos y pancings en el show.

Existe aparte una versión previa completamente diferente, donde aparece Robbie y su banda interpretando el tema y haciendo bromas en un cuarto blanco. Este exclusivo video estuvo disponible un tiempo en su sitio oficial, pero actualmente ya no se encuentra en línea. Tal vez esta versión fue hecha a la vez junto con el video exclusivo de «Dance with the Devil»" del DVD Where Egos Dare.

En América Latina, el video también ha generado mucha atención en cuanto a su contenido. En Venezuela, el canal musical Puma TV recibió una comunicación por parte de CONATEL, en la cual se le amonestó por la emisión del video, el cual ofrecía escenas no aptas para ser transmitidas según el Reglamento Parcial de Transmisiones de Televisión.1 El video fue prohibido en República Dominicana debido a acusaciones de satanismo.

Aunque la canción «Rock DJ» apareció en el álbum Sing When You're Winning, nunca fue lanzado en los Estados Unidos ni tampoco como single. Aún consiguiendo llegar al lugar 24º de la lista de éxitos Billboard Hot Dance, «Rock DJ» consiguió algo de atención en América debido al valor provocativo del video musical. A causa del controvertido video musical, «Rock DJ» ganó el premio MTV Video Music Awards por los mejores efectos especiales y fue incluido en la red de Fuse Pants-Off Dance-Off. En el Reino Unido se reprodujo primero en Top of the Pops a las 2:00 am. En MTV2, el video musical fue emitido en su forma completa en un listado especial de los videos más controvertidos de la historia de MTV.

U2 - Mysterious Ways

Mysterious Ways (en español: De maneras misteriosas), canción del grupo irlandés U2 y segundo sencillo de su disco Achtung Baby. Lanzado en noviembre de 1991, el sencillo llegó a la posición número # 13 en Reino Unido y al # 9 en el ranking de los Estados Unidos.

Fue tocada durante toda la Zoo TV Tour, en donde salía una bailarina durante las presentaciones de la canción acompañando al grupo en los conciertos. En la actualidad la canción sigue siendo recurrente en los conciertos de las últimas giras del grupo y también aparece en el álbum U2 18 singles.

"Mysterious Ways" comenzó como una improvisación en la que el vocalista Bono, el guitarrista The Edge y el bajista Adam Clayton realizaron en una caja de ritmos.1 A la banda le gustó la parte de bajo de Clayton, la que se originó durante la grabación de un cover de "Night and Day" y por un instante, consistió de poco más de un "ritmo de una nota"".1 Sin embargo, la banda tuvo dificultades en completar el resto de la canción melódicamente. Bono dijo que era "una línea de bajo en busca de la canción", mientras The Edge declaró que "la clave de la canción estaba encontrando formas para desordenarse con cuerdas arriba sin tener que cambiar el bajo".1

La banda se emplazó en el proceso de intentar unas ideas para la canción y pronto, la atmósfera tensa de las sesiones de grabación en Hansa Studios en Berlín tomó su peaje. El productor Daniel Lanois arribó a los estudios una mañana antes que la banda para poder trabajar en algunas ideas que tuvo para la canción. Cuando Bono arribó a los estudios, él empezó a cantar algunas ideas vocales que tuvo, pero esto estuvo empujando la canción en la dirección opuesta de la que Lanois tuvo en mente. Bono y un frustrado Lanois procedieron a razonar intensamente por dos horas, haciendo que el ingeniero de sonido Joe O'Herilhy pensara si ellos iban a empezar a pelear físicamente. Bono dio vuelta el episodio con un toque de humor: "Eso es en que por qué amo a Danny demasiado". Él se cuida de la grabación que está haciendo tanto y más que cualquier banda o artista con el que está trabajando.

La canción progresó después de que The Edge comenzó a experimentar con un nuevo efecto de pedal y Bono le dijo que usara el efecto para la canción. Bono dijo que el pedal hizo un "desarrollo de sonido en el que se convertiría una cuerda de guitarra en lo más funky de martillos neumáticos".1 La introducción de la canción, que incluye el buen conocido gancho de guitarra, consiste de "un séptimo traste-cejilla, un par de rasguños rítmicos y dos notas". El baterista Larry Mullen, Jr. agregó una pista de batería cerca del final de la grabación, introduciendo un "ritmo mucho más surcado", que "demostró la diferencia entre una caja de ritmos y una batería verdadera". Bono se refiere a la canción como "U2 en nuestra mandria... Sly y la familia Stone conocen al holgado de Madchester". Lanois proporcionó percusión adicional al tocar las congas.

La letra de la canción trata de un hombre viviendo sin romance, que estuvo en línea con un título propuesto para el álbum, Fear of Women. Varios versos diferentes fueron escritos, pero The Edge prefirió aquellos con el "sentimiento de canción de cuna", como "Johnny, take a walk with your sister in the moon / Let her pale light in to fill up the room". ël también compuso la coda del coro "It's all right / It's all right / It's all right" queriendo comprobar un punto, ya que en ninguna canción anterior de U2 se había dicho "it's alright".

El video musical tuvo una temática de danza del vientre, e incluía imágenes distorsionadas de Bono bailando y otras imágenes místicas. Fue filmado por Stéphane Sednaoui en Marruecos.

Cuando se tocó en vivo en el Zoo TV Tour, la canción incluía una bailarina de danza del vientre en el escenario. La versión tocada fue extendida, incluyendo una introducción más larga con una parte en piano por The Edge, un solo de guitarra slide después del punto en la canción donde la versión en estudio termina. Tanto la introducción añadida y características de conclusión añadieron letras por parte de Bono, muchas de las cuales eran cantadas en falsete. Una de las bailarinas, Morleigh Steinberg, más tarde se casó con The Edge. Se ha tocado en cada tour desde que debutó, apareciendo en cada presentación en vivo lanzada en video desde entonces excepto para Elevation 2001: Live from Boston (aunque fue interpretada en el concierto filmado).